РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на альбом проекта Не Забывай Дышать "В поисках себя"
“Мы читаем, чтобы убедиться, что мы не одиноки” – любил повторять замечательный классик британской литературы К.С. Льюис, и эти его слова как нельзя лучше подойдут, если мы попытаемся ответить на вопрос, зачем и почему мы слушаем музыку. Каждый из нас знает, что хорошая книга способна стать прекрасным другом и замечательным собеседником, но точно так же и адекватный музыкальный альбом имеет все шансы получить права отличного компаньона, собутыльника, попутчика, гостя и т.д., в зависимости от вашего настроя, потребностей, пожеланий и сложившейся ситуации.
Истоки проекта с романтичным названием Не Забывай Дышать уходят в далёкий 2008 год, но, как это часто бывает, ветер не всегда был попутным, а под тихими водами часто скрывались опасные рифы - возвращение к активной деятельности состоялось только сейчас, а первый и единственный полноформатник с логотипом НЗД увидел свет только в середине августа нынешнего 2020 года. Коллектив был изначально сформирован как полноценная и концертирующая команда, но в своей новой и современной инкарнации действует уже исключительно как студийный проект, где за всё отвечает один человек, а какие-либо концертные и сейшновые функции не предусмотрены по определению.
Я не случайно ввернул абзацем выше эпитет “романтичный” – воспринимать сочетание слов, ставшее именем этой группы можно по-разному, но правильным в данном случае будет именно романтический подход, поскольку в своих текстах, да и в мелодиях/риффах Не Забывай Дышать явно отдают предпочтение группам вроде To/Die/For, Entwine, Charon, Cayne и Gloom. Я бы даже не удивился, если бы название команды было написано Не/Забывай/Дышать. И нет, я не хочу сказать, что коллектив является полным и безоглядным клоном типичных лав-металлических команд, но общего у проекта Ильи Шандина с многочисленными и разнообразными последователями Вилле Вало действительно не так уж и мало.
Минимум металла и гитарного дисторшна, максимум размашистых многозначительных мелодий, материализовавшейся грусти и характерный надрывный вокал – так могли бы звучать поздние Sentenced, если бы ещё дальше пошли по пути облегчения своего саунда, и именно в таком направлении развивались наши тульские умельцы из Forgive-Me-Not, когда задумали и реализовали свой русскоязычный “Suicide Сервис”, и достаточно масштабно действовавшая тёмная принцесса Ольга Романова. Такая музыка не может устареть, как не могут устареть романы Джейн Остин и их экранизации, а ценители такой отвлечённой и возвышенной романтики по определению найдутся везде и во все времена.
На диске десять композиций, включая англоязычный кавер на совместный трек проектов Simple CUT и Raspatory и ремикс собственной вещи Не Забывай Дышать, созданный человеком под псевдонимом Raspatory, и эти островки разнообразия очень адекватно размещены в треклисте, словно завершая каждую сторону предполагаемой виниловой пластинки: четыре вещи напористых сентиментальных откровений – англоязычная передышка – ещё четыре трека задумчивых мелодий и романтических изысканий – финальное послесловие в виде мечтательной электроники в совсем другом стиле и под совершенно другим соусом, но всё в том же меланхоличном ключе безнадёжной любви, отвергнутых признаний и высоких чувств.
Книгу встречаешь по обложке, и с музыкальным альбомом всё обстоит в точности так же, а арт “В поисках себя” в этом плане очень соответствующий и адекватный. Если вы относите себя к любителям нежных историй о прекрасных представительницах слабого пола с лёгким ореолом мистики, то дебютный диск Ильи Шандина вам должен прийтись по душе. Здесь не так много нюансов и разнообразия, но эмоций, переживаний и сладкой любовной истомы просто выше крыши. Характерный, чуть отстранённый почерк команды и специфические холодные риффы делают треки узнаваемыми за счёт особой призрачной атмосферы, а отсутствие суицидальных крайностей намекает на то, что этот диск может быть очень уместен на романтических вечерах.
С типичным альтернативным роком проект роднят разве что чуть припанкованные гитары и небрежный почерк ритм-секции (“Вернуться в детство”, “Останься” и т.д.) в связи с чем у меня по ходу прослушивания альбома возникало интересное ощущение, будто поздние The 69 Eyes решили играть в духе самих же себя, но раннего периода. И кстати о небрежности. Вероятно, именно в силу наличия данного ингредиента, “В поисках себя” звучит сейчас убедительнее и натуральнее, чем выхолощенные до состояния полной студийной стерильности безликие digital-поделки типичных love-metal-групп. Смешиваем Muse и Эврил Лавин с Entwine и Gloom, переводим всё это на русский и получаем Не Забывай Дышать. Печальные задиры-хулиганы всегда пользовались особым успехом у юных дев, вряд ли станет исключением и Илья Шандин.
Рецензия на сингл проекта Nora "Выше"
Наше очередное лето подходит к концу, а потому разные музыканты предсказуемо начали делиться со своими слушателями творческими размышлениями на этот счёт. Не стала исключением и молодая калужская вокалистка и исполнительница, сольный проект которой называется просто Nora. “Песня о лёгкости, свободе и счастье” – так сама Анна описывает свой новый трек, и я думаю, что не ошибусь, если скажу, что именно такой лёгкости, свободы и счастья в той или иной степени не хватало нынешним летом каждому из нас.
После страстной и рвущей душу на части противоречивыми эмоциями “Уходи”, которая стала у нас на ASTARTA даже релизом месяца, после вкрадчивой и нежной “Колыбельной”, можно было ждать от Анны чего угодно, но она не стала изобретать велосипед, а просто соединила в одном треке страсть, покой, безмятежность, релаксацию, чувственное фортепиано и нежность, в очередной раз показав, как при самом минимуме выразительных средств и задействованных инструментов можно создать нечто потрясающее воображение.
Здоровый минимализм – это определённо лозунг и девиз Анны Малолетневой, ведь как иначе объяснить, что её треки так эмоциональны и драматичны, хотя мало имеют общего с традиционной рок-музыкой. Анна следует традициям, заложенным такими зубрами мировой музыкальной индустрии, как Элтон Джон и Фредди Меркьюри, а эпизодические заимствования из джаза, блюза и фьюжна помогают её произведениям выглядеть ещё ярче. И Элтон, и Фредди в своё время в равной степени могли создать настоящее чудо, всего лишь сев за рояль и коснувшись губами микрофона, а новейший трек Nora – это попытка войти в ту же реку.
Нет никаких сомнений в преемственности между “Выше” и “Уходи”, но вместо надрыва и жёстких неразрешимых дилемм последней в нынешнем сингле нас ждут океаны гармонии, блаженства и безмятежности. Единственное, что напоминает о страстной и горячей натуре Анны - это её голос, в котором по-прежнему без труда можно рассмотреть огромный спектр самых разных оттенков и интонаций, в остальном же перед нами классическая рок-баллада, в которой экспрессия и драматизм ведут себя как типичный айсберг, на 80 или даже на 90 процентов скрытый водой.
“Вчерашняя боль – это частица сегодняшнего счастья” – считал Клайв Стейплз Льюис, и упоминавшиеся выше два сингла Nora идеально иллюстрируют эту мысль. Страдания, противоречия, отрицание, гнев сопутствуют разрыву отношений, но за всем этим ураганом не самых приятных впечатлений непременно следуют тишина, успокоение и мирное чистое небо. Когда в мире бушует коронавирус, а вопросов и проблем больше чем ответов и решений, можно напряжённо думать о будущем и взвешивать за и против, а можно просто отдаться течению и не сопротивляться изменениям.
“Выше” – это определённо второй вариант. В этой песне нет борьбы и противоречий, нет желания что-то делать и как-то активно влиять на окружающий мир, а всё отдано на откуп единому и всепоглощающему желанию любви, умиротворения, покоя и единения с высшими силами. Откровенность и биографическая экзистенциальность, свойственные композициям Анны, никуда не исчезли, но сейчас они проявляют себя исключительно как мирный атом, начисто забыв о тревогах, мятежах и треволнениях человеческих муравейников, а атмосфера “Выше” даже напомнила мне чем-то трек Инны Желанной с таким же названием.
В плане инструментала и продакшна мы вновь видим тандем Анны и её мужа, лидера калужской группы Last Trial Дениса. Анна написала всю музыку и слова, Денис помог с аранжировками, Илья Верем занимался записью, а Артём Бабиков корпел над сведением. Голос-стон, романтическое пианино, почти эстрадная подача и ритм-секция на стыке поп-рока, пост-рока и инди – всё это основа, а сверху на неё с нежных рассветных небес льются струи прозрачного, освежающего нью-эйджа.
Бывает такое состояние, что выше только звёзды, а доказательства, аргументы и слова вообще теряют всякое значение, замолкая перед высшей гармонией мироздания. И всё это тоже про “Выше”. Песня о важном, нужном и главном, о том, что близко и понятно каждому, кто любил и страдал. Новый рассвет, новое утро, новое начало, надежды на большое и абсолютное счастье, на жизнь, такую же долгую, радостную и насыщенную, как самое яркое и ясное лето – всё это есть в этой песне. Отличная атмосферная баллада с минимумом вариаций и максимумом глубины.
Рецензия на альбом группы Схоластика "Солнце на ладони"
Брянская группа Схоластика играет в точности тот вариант трэша, который я совершенно не люблю: ни капельки не олдскульный, совершенно не интеллектуальный и абсолютно прямолинейный и топорный. Добавьте сюда тексты, которые написаны так, что не знаешь, то ли смеяться, то ли плакать, и у вас не останется сомнений, что эта рецензия будет тотально разгромной. Но нет, четыре из пяти звёзд чуть выше это не ошибка и не опечатка. Я рецензирую релизы этой команды уже второй раз, и уже во второй раз ловлю себя на мысли, что просто физически не могу поставить Схоластике что-то ниже четырёх. А ведь я даже ни разу не был на их концертах! (Если верить очевидцам, добравшись до аппаратуры, ребята ведут себя не как Nuclear Assault, по поводу гигов которых критики только плевались, а с точностью наоборот).
Своё начало команда берёт в самом начале 90-х и по идее вполне могла бы играть хороший олдовый стафф 80-х, но делает всё совсем иначе, стараясь быть моднее, современнее, энергичнее и следовать в русле того трэш-грува, который так впечатлял в 90-х группы вроде Overkill. После переиздания альбома 2013 года “На Абордаж!” эстафетную палочку у More Hate Productions перехватил великолукский Wings Of Destruction и представляет нам сейчас ещё один поздний раритет “схоластов” – альбом 2016 года “Солнце на ладони”, который получил новую обложку и материализовался в виде серебристого лазерного кругляша. Трек-лист альбома никаких изменений не получил, и перед нами всё те же двенадцать треков с кавером на сепультуровский “Against”, но с переводом названий песен на международный английский, правда без бонусной секции, которая присутствовала у оригинального самиздатовского релиза 2016 года.
Материал Схоластики – это грубоватый и довольно неповоротливый русскоязычный трэш для металхэдов в возрасте, которые любят поздних Мастер, Дай, Железный Поток и поздних же Exodus, Pantera и Sacred Reich. Лично я считаю данный жанр по определению мёртворождённым, бесперспективным и тупиковым (если ты не Pantera и не Overkill, сделать что-то по-настоящему впечатляющее в данном направлении будет не так просто, а российский грув-трэш на меня всегда нагонял особое уныние), однако тот энтузиазм, с которым Схоластика играют свой материал волей-неволей заставляет обратить на него внимание. Точнее, когда слышишь, как настойчиво и убеждённо они дёргают струны и колотят по барабанам, начинаешь думать, что лучше пойти по пути наименьшего сопротивления и честно постараться вникнуть во весь этот аудио-беспредел.
Называть такое олдскулом у меня язык не поворачивается (для меня олдскул – это исключительно 80-е, а то, что было в 90-х и те стандарты, на которые ориентируются Схоластика, это просто шумный, какофоничный и не особо прицельный российский трэш 90-х), но сейчас в 2020 году это уже действительно почти олдскул. Относительный олдскул для тех, кто с теплом и ностальгией вспоминает времена “Maniac Party” и “Виновен тем, что жив”, а вот тексты группы заслуживают особого разговора. Как заявил на страницах 29-го HELLZ ZINE уважаемый Тиран, лирика Схоластики незамысловата, но не глупа, и я с этим согласен. В каждом треке действительно есть своя жизненная история, свой смысл и своя фабула (а кое-где даже мораль как в баснях И.А. Крылова), но написаны эти сюжеты на языке слесарей-сантехников, и в этом специфика.
Научившись плохому у Pantera, “схоласты” не стесняются ввернуть в свои песни крепкое матерное словцо, жёстко и “по чесноку” высказаться по всем интересующим их темам, а в качестве бесплатного бонуса никогда не прочь запустить вдогонку мощным риффом и грубоватым соло. Мужская музыка для настоящих мужчин или лучше так – для настоящих адовых мужиков. Слушать и котировать такое наверняка без вопросов будут те, кто не привык к сантиментам, любят всё делать быстро, чётко и основательно, а телячьи нежности не приемлет ни в каком виде. Авторы явно воспринимают трэш как музыку заводов, столярных мастерских и настоящих мужских дел, а в любой непонятной ситуации поступают как герой фильма “Мастер” (вариант: как персонаж с обложки пантеровского “Vulgar Display Of Power”): минимум фантазии, максимум – напора.
“Солнце на ладони” – это далеко не Pantera и не Exhorder, и уж точно не Overkill. Хотя по задору и по энергетике Схоластика всеми силами стараются дотянуться до своих кумиров, специфичность и приземлённость их идей тяжкими свинцовыми каплями прибивает их треки к земле, а тексты падают сверху обрушившимся балконом. Кому-то только этого и надо, но сравнивая диск хотя бы с бразильским MX и их последним лонгплеем “A Circus Called Brazil”, я могу сказать только одно: “схоласты” топорны и беззастенчивы как… Адовый Мужик. Пожалуй, название группы – это действительно самое неудачное, что есть у этой группы, поскольку оно ни капли не отражает содержание их композиций, а вот если бы команда называлась каким-нибудь Адовым Мужиком, Суровым Пьяницей или Гордым Слесарем, это было бы куда лучше и правдивее. Аутентичнее.
Я действительно думаю, что Схоластика – это не предел мечтаний даже в конкретно-взятом жанре ностальгического трэш-грува 90-х, где старички-бразильцы из MX легко дают им фору и обходят на повороте, да и тексты у ребят действительно очень на любителя, но в своём роде “Солнце на ладони” тоже неплох. На любителя. Поскольку я такую музыку и такие тексты никогда не любил, критиковать и оценивать как-то творчество брянских злыдней сейчас тоже не могу, а ставлю 4 из 5 исключительно за их слаженность, задор, драйв и энергетику. При всём моём недовольством почти отсутствующим разнообразием и неприятием лирического подхода команды, отрицать то, что рубят участники команды мощно, слаженно и энергично не представляется возможным, а в данной жанровой категории это обстоятельство по определению является одним из ключевых.
Рецензия на альбом Boris Balykov "A Touch Of Madness"
Перед нами первый официальный полноформатник гитариста-виртуоза, который играл раньше в Black Friday и Dual Nature, ныне действует сольно и занимается проектом Haunting Boreas, а недавно отметил своё 19-летие. Внешне Борис здорово смахивает на юного Марти Фридмана, а по стилю игры предлагает адскую солянку из Фридмана, Ван Халена, Пола Гилберта, Джо Сатриани и Стива Вая, с последним из которых ему уже, кстати, довелось играть на одной сцене. В отличие от Мальмстина, исполнитель не делает ставку на скорость и количество нот в минуту, а подобно Дэвиду Честейну упирает на качественный и разнообразный хэви-метал, где на троне восседают тяжкие, грозные, но всё равно очень элегантные, филигранные и полётные риффы, а техника никогда не является самоцелью.
На “A Touch Of Madness” всё пронизано ощущением какого-то всеобъемлющего неоклассицизма, а мелодии и ритмы кажутся порой чуть ли не викторианскими. Партии Бориса разнообразны, осмысленны и правильны, следуя заветам великих и создавая впечатляющие картины с лёгким налётом хоррора и винтажной готики. Порой на пластинке проскальзывает даже что-то отдалённо напоминающее классические диски Кинга Даймонда, но гитаристу явно по душе более нейтральные образы, вроде тех, что так ярко отличали ранние клипы Meat Loaf или всё того же Мальмстина, а его симпатии к совместному творчеству Марти Фридмена и Джейсона Бекера в рамках их общей группы Cacophony даже нашли отражение в названии одной из композиций с альбома (“Hotel Cacophonia”).
Будучи сам гитаристом в прошлом, по мере прослушивания “A Touch Of Madness” я вспоминал свою юность и то, как любил играть красивые, возвышенные и грамотные сюиты, буквально пьянея от той слаженности и гармоничности, которыми они были переполнены. Тяжесть тяжестью, риффы риффами и энергетика энергетикой, слушать и предпочитать можно любую музыку, но играть всё-таки интереснее что-то по-настоящему красивое и грамотно написанное, а не какой-то дисторшновый примитив. Не сомневаюсь, что Борис получает массу удовольствия, высекая из своего инструмента эти заливистые соло и смачные бриджи, а ощущение от диска остаётся по большей части мечтательное. Такая музыка идеально справляется с той задачей, которую сформулировал для неё Бетховен и великолепно высекает огонь из души.
Бодрые и шустрые боевики перемежаются на “A Touch Of Madness” более умеренными и даже балладными треками (“Cosmic Magic”, “Two Days Later”), а финальная “Music Box” вплетает в музыкальную палитру альбома даже отголоски настоящей симфонической неоклассики, что выглядит очень интересно, в некотором роде перекликаясь с первым сольным диском Виктора Смольского “The Heretic”. Нельзя не отметить почти мегадэтовскую “Where’s the Detonator?”, но когда слушаешь этот альбом, не хочется разбирать его по косточкам и винтикам, оценивать технические нюансы и тем более что-то критиковать, поскольку впечатление от пластинки остаётся всеобъемлющее и целостное, и “A Touch Of Madness” это в первую очередь именно музыка, а не сборник гамм и упражнений для поступающих в муз.училища и консерватории.
Всего девять треков, простая и не очень притязательная обложка, средняя продолжительность композиций в три с половиной минуты, но этот диск на самом деле способен подарить любителям красивой и мелодичной хэви-гитары немало радостных и сладостных минут. Релиз рассчитан не только на музыкантов и узких ценителей жанра, но вполне может и должен прийтись по душе просто тем, кто с удовольствием слушает Chastain, Meat Loaf, King Diamond, Dio, Megadeth, Accept, Judas Priest и любой другой умеренно тяжёлый метал c адекватной гитарной работой, хорошими соло и осмысленными структурами. Вокал на “A Touch Of Madness” явно был бы лишним, а не имея нужды подстраиваться под куплетно-припевную форму, автор свободно парит в облаках своих фантазий и следить за этим одно удовольствие, даже если вы совершенно не имеете никаких симпатий к инструментальной музыке как таковой и никогда её не слушаете.
Рецензия на альбом группы The Flop "Underground Slaves"
Увидев этот диск в посылке от великолукского лейбла Wings Of Destruction, который специализируется на трэше, дэте, блэке и прочих экстремальных металлических делах, я очень удивился и подумал, что это какой-то бонус, для рецензирования не предназначенный, однако увидев логотип лейбла на заднике альбома, понял, что это не так. Но что это за лаконичный дигипак, где кроме названия группы, альбома и треклиста, ничего нет, столь напоминающий внешним видом продукцию лондонского лейбла Fuzz Club?
В первые секунды я грешным делом подумал, что это папа Флоп решил заняться музыкой и уговорил Тирана издать его музыкальные фантазии в обмен на размещение на обложке Бункера, но погуглив название группы и оказавшись в сообществе The Flop ВКонтакте, вынужден был отбросить эту весьма правдоподобную и привлекательную в плане журналистских сенсаций теорию. Эта ныне не существующая уже группа базировалась в Великих Луках, и в её состав входила бывшая барабанщица группы Тиран Екатерина Семидумова ещё до присоединения к великолукским трэшерам – квест решён, отгадка найдена, приступаем к прослушиванию.
“Underground Slaves” – это типичная Nirvana среднего периода, когда Курт Кобейн вовсю устраивал акустические сейшны, но всё ещё не забывал об электричестве. Раздолбайские ритмы, тягучие риффы, крики и вопли вместо вокала, отчаянная размазня по всем шести гитарным струнам вместо музыки, бессмысленный протест и усталость от всего и вся в текстах, а также непременное наплевательство, столь характерное для глупой юности таких же глупых подростков, которым пропитаны все перечисленные выше составляющие.
Можно искать и находить здесь отсылки к Alice In Chains, Soundgarden, Corrosion Of Conformity и всё, что угодно, вплоть до Pearl Jam, но мне это не кажется особо принципиальным. Такой материал в принципе не рекомендуется воспринимать слишком серьёзно, закапываться в тексты, искать отсылки к Тургеневу и Лермонтову, вскрывать межпредметные связи и раскапывать метафизические подтексты. The Flop явно не склонны усложнять себе жизнь и искать дополнительные смыслы там, где их нет, а потому и название для себя выбрали соответствующее - ироничное.
Я не сомневаюсь, что в такой прямолинейной, честной до одури и естественной до ещё большей одури музыке есть своя привлекательность, и для определённой категории людей эти расстроенные, слегка сердитые звуки – это как бальзам на сердце, но для того, чтобы это было так, нужно очень много пива, хорошее настроение, долгий летний отпуск впереди и желание вечно быть 17-летним Питером Пеном, которому всё по барабану, а соседи и родительские нотации не указ. Сидишь и плюёшь себе с балкона на всех, а из бумбокса кричат “The Flop”.
Поют The Flop на английском, но временами в их треках можно услышать и русские словечки, а в целом от релиза остаётся ощущение очень британское и потерянное. “Не ходите за мной, я сам потерялся” - эти слова можно было бы выгравировать где-нибудь на CD или на картонке дигипака, и они очень неплохо подошли бы данной пластинке. Материал по-своему неплох, и я даже готов поставить “Underground Slaves” на одной полке с релизами упомянутого Fuzz Club, но лично на мой вкус релиз вышел слишком раздолбайским. Не хватает атмосферы и шугейза.
Как я уже упоминал, издан диск отлично. Лаконичный четырёхпанельный дигипак без намёка на буклет, минимум лишней (и не лишней тоже) информации, всё исключительно “на стиле” и в духе самого здорового минимализма. Смотрится это приятно и коллекционно, по качеству вопросов нет и не предвидится и… ведь если звёзды зажигаются и такие релизы издаются в столь привлекательном и импозантном виде на Wings Of Destruction, это кому-то нужно, верно? И всё же внешний вид компакта меня впечатлил больше, чем его музыкальное содержание.
Рецензия на альбом группы Код-Дракона "На пике хайпа"
В начале своего существования этот липецкий коллектив, активно варившийся в отечественной поэтической панк-тусовке и опрокидывавший в компании с именитыми деятелями андеграунда бокалы с пенной брагой, следовал в русле таких групп, как Сектор Газа, Монгол Шуудан и Красная Плесень, записал и реализовал в содружестве с лейблом Circle Flame Records несколько довольно интересных альбомов, а затем на время ушёл в тень и сосредоточился на работе над своей новой пластинкой, которую назвал очень громко и претенциозно – “На пике хайпа”.
Уже по анонсам в сообществе проекта и по тем крупицам разнородной и часто даже противоречивой информации, которую можно было отыскать в разных источниках по поводу готовящегося альбома, можно было составить мнение, что диск действительно выйдет неожиданным, оригинальным и нетипичным для Кода-Дракона, однако масштабы экспериментов, на которые готовы пойти участники группы всё ещё было трудно представить, а тексты новых песен не раз переписывались и менялись по ходу работы над пластинкой.
Что такое хайп? Это самые оживлённые дискуссии и повышенное внимание к тому или иному культурному явлению. А что может вызывать такие дискуссии и такой интерес? Только что-то удивительное, невиданное и кричащее. Сергей Потапов и Роман Пименов не стали плыть по течению и следовать в рамках наезженной колеи, спокойно и безмятежно почивая в рамках уже апробированной парадигмы, а попробовали перейти на сопредельные территории, что у них в итоге получилось очень даже неплохо, хотя и без той радикальности, на которую были готовы музыканты.
Все восемь треков на альбоме вышли по-своему интересными, но основное внимание, конечно же, привлекают к себе две части титульной вещи. Совершенно нетипичная для группы подача, нарочито современный текст, написанный с использованием модных слэнговых словечек и выражений, а в “На пике хайпа 2.0.” ещё и электронно-дискотечные пульсации вместо традиционных для Кода-Дракона гитарно-барабанных перекличек. Для того чтобы достучаться до современных хайперов-стримеров и донести до них свои мысли, Сергей Потапов решил говорить на их языке, и в итоге смог выразить необходимый месседж не только доступно и оригинально, но и почти театрально.
На втором месте по шкале экспериментальности на альбоме можно поставить “Исход”, который даже планировался к выпуску в качестве сингла. Почти тот же самый ритм, что и в “На пике хайпа”, расслабленные, почти психоделические интонации, неожиданно серьёзная тема и при всём при этом данный трек, вне всяких сомнений, можно назвать одним из ярчайших хитов актуального релиза (синглами абы какие вещи по определению не становятся и становиться не могут). В этой песне Код-Дракона превзошли сами себя в плане аранжировок и вплотную приблизились к симфоническому арт-року и фолк-року, что в их исполнении звучит удивительно и необычно.
А ещё хайп может быть попыткой привлечь к чему-то внимание и призвать взглянуть на привычные и знакомые вещи под новым и непривычным углом. Если вы привыкли ждать от этой группы только “стёбный рок”, то теперь, вероятно, сможете увидеть их творчество с более широкой и интригующей стороны, ведь теперь тексты группы стали более серьёзными и многогранными, баллады (или точнее “Баллада”) стали ещё лиричнее и поэтичнее, а их эксперименты выходят далеко за пределы их прежнего alma mater.
Однако те, кто любил Код-Дракона исключительно за их сходство с классическим Сектором Газа, тоже не будут разочарованы. На альбоме есть как минимум два трека для почитателей Юрия Хоя и его группы, а именно “Последний Бой” и “Звон Колоколов”. В этих композициях Сергей Потапов и Роман Пименов отдают должное той музыке, которая вдохновила их на то, чтобы взять в руки инструменты и начать сочинять собственные песни, и такой трибьют в их исполнении звучит не только убедительно, но и аутентично, правдиво, и при этом не карикатурно.
Есть на диске и ещё две вещи, которые условно тоже можно отнести к традициям Сектора Газа, а именно показательно эротичную “На исходе дня” и весёлую, тусовочную “Пинту пей”. Почему условно? Да потому что в “Пинту пей” очевидно прослеживаются влияния ирландского фольклора и групп вроде Flogging Molly и Elakelaiset, а в “На исходе дня” откровенный, но не стёбный и не ироничный, а вполне серьёзный текст (Хой всё-таки редко бывал по-настоящему серьёзен) как будто живёт своей собственной поэтической и исповедальной жизнью, а в музыке, кажется, не имеет ни малейшей нужды, целиком перетягивая внимания потенциального слушателя на себя.
И в то же время “Звон Колоколов”, подобно таким ранним композициям группы как “Русь” и “Сон наяву”, а также “Исход” и отчасти “Баллада” с нового альбоме явно ориентируются не только и не столько на Сектор Газа, а связаны с намного более глубокой и серьёзной традицией. Эти вещи явно имеют больший потенциал, чем традиционные панк-боевики, когда музыканты, воспитанные на мировоззренческих стандартах Юрия Клинских, сближаются с традициями Чёрного Кофе и их “Владимирской Руси”, и это выглядит интересно и достаточно необычно.
И всё-таки “На Пике Хайпа” – это на 100% творение Кода-Дракона, и этот диск целиком умещается в рамки их творческой концепции, ведь главным и основополагающим в творчестве этой команды всегда были и остаются искренность, открытость и креативность. “На пике хайпа” – это не хайп ради хайпа и не попытка устроить эпатаж любой ценой, это желание расширить границы своей творческой лаборатории и попробовать себя в тех направлениях, которые ранее оставались за скобками и до которых не доходили руки.
Ну а если как-то описывать и характеризовать то, что исполняет сейчас группа, то это, пусть экспериментальный, пусть слегка осовремененный и немного по-другому причёсанный, но всё тот же “колхозный панк”, благодаря которому и стал известен Сектор Газа, и с которого в своё время начинал Код-Дракона. Такая музыка не рассчитана на ротацию на больших телеканалах, в модных клубах она тоже вряд ли будет уместна, но для простых и душевных разговоров, для дружеских посиделок хороших друзей и пения под гитару – это как раз то, что нужно.
Сейчас песенности и своеобразной хитовости у Кода-Дракона стало ещё больше, чем раньше, а в совокупности с текстовыми экспериментами и с попытками разбавить и расширить аранжировки альбом оставляет ещё более свежее ощущение. На диске всего восемь треков (можно сказать даже семь, если не считать вторую версию титульной вещи), но каждая из вошедших на пластинку композиций стала маленьким хитом и, как и раньше, является полностью автономной и самостоятельной историей.
Кстати, если вам вдруг стало немного странно, почему у меня этот диск вызвал такой восторг, и остались какие-то недоумения, послушайте ещё раз титульную вещь с рецензируемого лонгплея и сравните её с материалом последнего на данный момент альбома Lake Of Tears “Illwill”. Всё это панк, эксперименты и отчасти стёб, и в первом, и во втором случае присутствует своя доля здоровой расслабленности и репетиционной небрежности, но в то же время это очень цепляющая музыка, которая способна наматывать на пропеллер своих чар даже бывалых меломанов.
