ФОРПОСТ МУЗЫКАЛЬНОЙ АНАЛИТИКИ
АЛЕКСЕЯ ИРИНЕЕВА

РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ

Рецензия на альбом группы Rosa Infra "Дети Ущерба"

16-04-2020 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

То, чего многие так долго ждали, наконец, случилось – в день космонавтики, когда весь мир стенал, опутанный цепями коронавирусной пандемии, московские экспериментаторы и первопроходцы инфра-металла из Rosa Infra выпустили, наконец, свой новый полноформатный альбом. Группа работала над диском долгих четыре года, которые тянулись после выхода их предыдущего лонгплея “Мета-Кома” просто гипер-медленно и архи-тяжко, дата релиза многократно откладывалась и переносилась, синглы-ласточки всё больше растравляли и раззадоривали любопытство и аппетит, и, вероятно, кому-то стало уже казаться, что этот день не настанет вовсе, и “Дети ущерба” не выйдут ни в этом году, ни в следующем, но нет – вот он перед нами, доступен для прослушивания, а Rosa Infra как никогда сильны, хороши и уверены в себе. И разве не показатель уверенности назвать диск вот так и залепить оглушительную оплеуху всем ущербным и убогим?!

Не хочется лишних слов в этой рецензии – я думаю, все уже более или менее в курсе того, что такое Rosa Infra, ведь их концептуальное творчество и жесточайшая борьба с культом потребления давным-давно породили целые легионы хейтеров, последователей, критиков, пламенных приверженцев, подражателей и иже с ними. Современное творчество Rosa Infra – это не просто рок-опера или музыка, основанная на некоем, пусть даже весьма обширном и многословном литературном либретто, это увесистый метафизический и лихо философски закрученный мировоззренческий манифест, обладающий всей необходимой методологической базой и категориально-понятийным аппаратом, это взрыв и прорыв, идеально слаженный философский эксперимент и духовный феномен, сделанный по всем законам современного музыкального бизнеса, хоть и направленный формально против него.

Я не буду сейчас окунаться в нюансы истории, которую рассказывают на своей актуальной аудио-эпопее Николай Карпушин и его верные соратники, тем более что сама группа достаточно подробно обо всём этом поведала у себя в сообществе, а я уже и так частично касался этих тем и сюжетов в своих рецензиях на предшествовавшие выходу “Детей Ущерба” синглы, скажу только, что продолжение вышло достойным и интересным. Умело ввернув элементы детектива, мистики и философско-мифологической притчи (а рассказы Платона про андрогинов в “Пире” это философия, которая, максимально сближаясь с предельной метафизикой, спиритуализмом и реалиями, недоступными для вербального отражения, словно птица Феникс, превращается в миф) в свой атональный индустриально-авангардный инфра-метал, Николай Карпушин и его команда записали идеальный бестселлер мира вырождения, материализма и нравственного апокалипсиса.

Когда я слушал синглы, предшествовавшие релизу “Детей Ущерба” и являвшиеся составными частями этой внушительной эпопеи, то отмечал их экспериментальность и разнообразие, но грешным делом подумывал о том, что альбом, вероятно, выйдет слишком эклектичным и разнородным, нецелостным, но нет – моим опасениям не суждено было сбыться. Авторы не зря потратили столько времени на то, чтобы скомпоновать свои мысли и идеи в единое целое – их новейший диск звучит очень органично и в то же время (как бы парадоксально это ни звучало) легко для восприятия. Предельно жёсткие басовые линии и атональные вокализы Николая Карпушина теперь воспринимаются гармонично, естественно и даже хитово. И дело здесь совсем не в каком-то искусственном облегчении, а исключительно в возросшем профессионализме команды, которая научилась максимально адекватно пользоваться своими фишками и идеями.

Смесь выстраданной задумленной готики Type O Negative и радикальной индустриальщины Fear Factory в исполнении Rosa Infra звучит по-прежнему громко и эпатажно, но эпатажа как такового сейчас уже минимум, а намного больше зрелости, адекватности и просто творчества. По сравнению с материалом “Мета-Комы” в случае с “Детьми ущерба” налицо очень естественная и лёгкая (нарочно вновь использую это слово) подача, адекватное построение альбома и великолепный саунд в лучших традициях бывалых метал-перфекционистов. Нет никаких сомнений, что перед нами ультимативные и жесточайшие формы современной музыкальной индустрии, но это именно музыка, причём музыка отличная, и звучит она предельно доступно, доходчиво и убедительно. Для того чтобы быть услышанным, нужно быть конкретным – пожалуй, это главный вывод, который Rosa Infra сделали для себя после выпуска своего прошлого лонгплея.

Конечно, на рецензируемом диске хватает диссонансов и не самых лёгких для восприятия звуковых наслоений, но для ушей искушённых металхэдов, которые к тому же уже заучили наизусть композиции с “Мета-Комы”, я уверен, всё это будет, что говорится, на один зуб и никаких проблем с восприятием ни у кого из них не возникнет. По крайней мере, я слушал диск с большой радостью и с огромным удовольствием дрейфовал по волнам искажённых инфра-пульсаций команды. Даже тяжеловесные и до зубов оснащённые межпредметными отсылками лириксы ничуть не нагружают и не давят на сознание при прослушивании, а воспринимаются скорее как увлекательный и преисполненный остросюжетными приключенческими коллизиями детектив, следить за развитием которого легко и приятно. Даже самая грузная и атональная “Взаперти” не показалась мне такой уж изломанной, а скорее напомнила “Пельменную” Анатолия Крупнова.

Rosa Infra не перестают играть с контрастами и теперь лавируют на самом острие бритвы Окккама – как я уже отмечал, альбом “Дети Ущерба” de facto и по своим габаритным данным является предельно качественным и полностью конкурентоспособным продуктом современного шоу-бизнеса, играет по его правилам и соответствует его канонам, но вместо привычной пустоты под красочной и привлекательной обложкой и за впечатляющим саунд-фасадом прячет потрясающий воображение арсенал интеллектуальных доводов, весомых аргументов и детально проработанной апологетики. Николай Карпушин явно был бы весьма не прочь стать лидером современных интеллектуалов-контркультурщиков, и его новейший релиз, определённо, должен ему в этом помочь. Предельная мыслительная концентрация и многократное повторение одних и тех же тем граничат с занудством, поэтому их следует подсластить красивыми мелодиями – похоже, именно так звучит второй вывод, который музыканты сделали в ходе работы над диском.

Серьёзные темы, правильные, адекватные, но не считающие нужным снижать свою планку, чтобы стать понятными даже для несчастных двоечников-дегенератов, формулировки и очень плотная и буквально фонтанирующая смыслами атмосфера напряжённой академической дискуссии отличает все без исключения композиции на альбоме, и все вместе они будут держать вас в тонусе на всём протяжении звучания пластинки. Николай Карпушин окончательно вошёл в роль харизматичного метал-пророка и взойдя на воображаемый амвон, вовсю обличает и кроет анафемами псевдотворчество, фальшь, и прочие наклонности рабов потребления. Цитаты из Библии и из литературной классики сочетаются на альбоме с мелодиями российского и американского гимнов и прочими параллельными местами и скрытыми отсылками, и такая цитатность делает его ещё более похожим на серьёзный научный труд – на эдакую метал-диссертацию.

Я до сих пор практически ничего не сказал о музыке “Детей Ущерба”, и это не случайно. Альбом нужно слушать. Конечно, предварительно было бы очень неплохо ознакомиться с его предысторией в виде “Мета-Комы” (если вы вдруг этого ещё по каким-то причинам до сих пор не сделали), полистать сообщество Rosa Infra ВКонтакте или даже прочесть книгу Николая Карпушина (да, он действительно пишет настоящие бумажные книги с соответствующим объёмом) и ни в коем случае не бояться затраченного времени и пресловутого “многабукаф”. Я даже скажу больше: тем, кто боится больших и серьёзных текстов, мыслей, настоящей литературы и живого тока размышлений, альбом всё равно не зайдёт – им будет элементарно нечем его воспринять, и брошенные участниками Rosa Infra семена просто не найдут, где и как прорасти на сухой и безблагодатной почве людей с значком iq ниже заметно превосходящего средние значения.

И всё-таки пару слов о музыке сказать хотелось бы. Мне очень понравилось и до сих пор очень нравится, как в музыкальную палитру “Детей Ущерба” вписался вокал Юлии Тюриной (“Фантом”, “Чёрное Зеркало”, “Симург”), очень понравились мелодические эксперименты Николая, доходящие порой чуть ли не до синти-поп-рубежей (“Ночь нас зовёт”) и до чистого авангарда (“Снова Она”, “Взаперти”, “Так растут цветы”), понравилось соло на саксофоне в исполнении Григория Климова и сгустки чистой атмосферности с намёками на шаманизм в “Олирне”, позабавила и взбодрила хулиганская авангардщина “Взаперти”, и даже очевиднейшие порой отсылки в сторону Type O Negative (в “Гниёт Ноябрь” и “Симурге”, например) ничуть не разочаровали и не испортили впечатление от релиза, который на самом деле оставил у меня весьма шипучее и искристое впечатление.

Rosa Infra словно перешли на следующую ступень своей эволюции и от жёсткой и жестокой войны с обществом потребления от “борьбы против…” и “борьбы с…” обратились к “борьбе за…”. Песни с нового альбома выглядят намного более глубокими, разносторонними и разнообразными с точки зрения поднимаемых тем: здесь и любовь, и ревность, и гармония с самим собой, и подлинные ценности, и сомнения, и страдания в разлуке, и андрогинный идеал, которым грезили ещё Платон, Бёме, Соловьёв и Бердяев, и много чего ещё. Кажется, что до хейтеров и собственно “детей ущерба” современным Rosa Infra уже нет дела, а намного больше они сосредоточены на более глобальных, высоких, вечных и непреходящих ценностях. Горизонталь времён “Мета-Комы” сменилась вертикалью “Детей Ущерба”: “Верни же небо в сердце, стань вторым крылом души, верни же цельность птицы.…В вечном танце половин венчается единство”.

Альбом очень сильный. Намного более сильный, чем того можно было бы ожидать. Я подходил к прослушиванию диска абсолютно безо всяких завышенных ожиданий, предубеждений и сдерживающих препон, будучи готовым писать только жёсткую и беспринципную, рассыпающуюся острыми осколками и не знающую полумер правду (Rosa Infra сейчас дошли до такого рубежа своей в эволюции, что даже нарочитое хейтерство им ничуть не повредит, а напротив усилит их и без того безмерно укоренившуюся мощь), но нет, всё очень и очень сильно, слушабельно, литературно и убедительно. Можно вылить на “Детей Ущерба” хот тонну помоев, но отказать релизу в харизме и новаторской убедительности всё равно не получится. Несомненно, один из лучших отечественных релизов ещё далеко не завершившегося 2020 года, если не самый лучший – альбом, который стоит попробовать на зуб каждому, кто знает толк в хорошем металле.

Рецензия на сингл группы Folium Nova "Faceless Statue"

13-04-2020 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

В угрюмом, снежном и заполярном Мурманске всё особенное, даже музыка – вспомнить хоть Town Tundra или Deva Obida, хоть Suspect Under Pressure или БесИллюзий, хоть электронный мрак SIREIROM, ну или вот, к примеру, молодых и амбициозных мечтателей из Folium Nova, о которых мы сейчас и поведём разговор. Сами музыканты называют себя музыкальным стендапом и обещают разные поучительные истории в формате песен, а сейчас представляют свой очередной трек, который оказался выпущен в свободное плавание по всемирной паутине 6 апреля, а значит, в самый разгар карантина и эпидемии коронавируса, когда на улице вовсю разворачивалась самая самодостаточная и счастливая, свободная от человеческого присутствия весна.

“Безликая Статуя” – это первый релиз Folium Nova в нынешнем 2020 году и четвёртый сингл в преддверии их долгожданного первого полноформатника. До этого у группы, которая не так давно отпраздновала свою четвёртую годовщину, выходил только EP, датирующийся 2017 годом, и ещё один сингл 2016 года, с которого собственно всё и началось четыре года назад. Затем у Folium Nova сменился вокалист, и авторы планировали реализовать полноформатник до конца 2019 года, но волею судеб в самый неподходящий момент состав покинул драммер, и все планы музыкантов накрылись медным тазом. Как теперь сообщают участники коллектива, выпуск синглов будет продолжен, и когда песен наберётся нужное количество, все они просто будут объединены под одной обложкой и одним названием – получится LP.

Сами Folium Nova характеризуют себя в терминах “мощно”, “северно”, “честно” и хотя стилистически им комфортнее самоидентифицироваться как ню-метал и альтернатива, моим ушам их материал кажется скорее смахивающим на дарк-метал в традициях Ashes To Ashes. Несмотря на то, что в арсенале у группы присутствуют очень даже альтернативные и речитативные вещи, какой является, например, “When Nothing Here” или “Armageddon Comes Alive”, их саунд не особо похож на альтернативный и нюметаллический, а очень явно выказывает свои симпатии олдскульным металлическим шероховатостям и трэшево-грувовым атакам с особым думовым привкусом и некоторой долей особой техничности, что в совокупности звучит весьма кошерно.

Именно специфичный, гремуче-обволакивающий саунд – это первое, на что обращаешь внимание, когда начинаешь своё знакомство с творчеством мурманских экспериментаторов, и хотя это далеко не единственная сдобная плюшка, за которую стоит любить и котировать группу, абстрагироваться от звука, когда слушаешь Folium Nova, не так-то просто. Едва я начал путешествие по их не слишком обширной дискографии, как сам того не заметив, поймал себя на том, что уже подпеваю вокалисту и притопываю ногами в такт, а по ходу звучания таких треков как “One More Gear” в моей памяти стройными рядами стали проявляться герои-альтернативщики прошлого в лице Faith No More, System Of A Down, Waltari и иже с ними.

Эти северные музыканты очень внимательно относятся к мелодической составляющей своих треков, благодаря чему они без проблем и практически моментально оседают в подкорке, но в то же время не забывают и о детально проработанной архитектонике звука, ответственной работе со звуковыми нюансами и об адекватной фрезеровке технической составляющей своего на самом деле очень неплохого и впечатляющего инструментала. Отдельный респект стоит адресовать нынешнему фронтмену команды Анатолию Шахову, который обладает очень ярким и запоминающимся голосом и на самом деле очень адекватно и с умом использует свои вокальные возможности, вырисовывая перед мысленным взором слушателя потрясающие эмоциональные пейзажи.

Я редко ставлю синглам высший балл и очень не люблю этого делать, но сегодня именно такой случай. “Faceless Statue” – это действительно исключение и отличный трек, который мотивирует, воодушевляет и зовёт на подвиги и новые свершения. И группа в целом, и их новейшая работа достойны большой и горячей похвалы, поскольку музыкантам удалось слепить из хороших и привлекательных по отдельности ингредиентов настоящую музыкальную бомбу. Напор и искренность трэшеров-первопроходцев, соборная величественность патетического дарк-металла и хулиганское свободолюбие современного ню-металла в исполнении этой команды выглядят как совершенно новый невиданный и неслыханный музыкальный зверь, и это интригует и влечёт.

Кстати, о вокале. Уже во времена прошлогоднего сингла “Terrible Visions” фронтмен состава принялся активно осваивать регистры и интонации, свойственные Мессии Марколину, и сходство с классикой Candlemass и Memento Mori пришлось как нельзя более кстати на полуавангардной сумасшедшей мессе мурманачан, однако именно сингл “Faceless Statue” стал апофеозом и вершиной противоречивых тенденций команды, в наиболее ярком, ясном и концентрированном виде представив их самобытные поиски и происки. Явных речитативных моментов и фишек a la Faith No More и System Of A Down здесь уже нет или их минимум, но зато вместо них на поверхность вышли ещё более уверенные и эксклюзивные наработки наших находчивых северян.

Представьте себе, как могла бы звучать смесь из поздней Lacuna Coil, Ashes To Ashes, Memento Mori и System Of A Down, не забудьте про отменные, по-настоящему напевные мелодии, про качающий альтернативный риффинг и импозантный, мгновенно влюбляющий в себя звук, и вы поймёте, что такое Folium Nova. Для меня группа стала прекрасной находкой и почти откровением, ведь это один из тех редких случаев, когда российский коллектив действительно делает что-то своё и не уступает по качеству и собственной харизме иностранным иконам жанра, а “Faceless Statue” – это настоящий рай для гурманов: столько всего любимого и прекрасного в одном месте, с великолепной ответственной подачей, но в то же время под совершенно новым соусом!

Рецензия на сингл группы Ikiaqqivik "Пустота"

13-04-2020 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

Уже по названию этой столичной команды можно с уверенностью сказать: Ikiaqqivik – мечтатели. Только мечтатели и неисправимые идеалисты способны назвать свою группу так, что запомнить его будет под силу только самым мозговитым и настойчивым слушателям, а все иные и прочие просто сломают себе язык, мозг и память. Но запомнить это название стоит. Кстати, Ikiaqqivik на инуитском языке означает “путешествие сквозь слои”, и в состав этой интересной группы входят три девушки с гитарой, с укулеле и с бас-гитарой, все они поют, а ассистирует им драммер Олег. Почему на инуитском и как музыканты связаны с шаманами? Тайна за семью печатями и интрига.

А поют, как вы понимаете, участники и участницы группы на данный момент только на русском. На данный момент в арсенале Ikiaqqivik совсем не много записанных треков, но их вера в свою мечту поистине творит чудеса. Свой актуальный сингл “Пустота” музыканты готовили ещё с осени прошлого года, однако результат стоил таких стараний и творческих мук со сведением и мастерингом – теперь “путешественники сквозь слои” звучат очень внятно и профессионально, а финальный вариант их трудов напомнил мне сразу три из любимых групп: финских Indica (в первую очередь баллады вроде “Eerie Eden”), кардио-вейв-изобретателей из Fleur и московскую Вольта, хотя последних всё-таки в самой большей степени.

Песни Ikiaqqivik не назвать весёлыми и жизнеутверждающими, скорее они попадают в категорию “молодость в поддержку мудрости” (название фестиваля, в котором некогда сорвала гран-при Вольта) и следуют в русле таких групп как Поиграем И Уйдём, Белая Гвардия и Mezzamo, но со своим особым колоритом. Когда смотришь видеозаписи их концертов, понимаешь, что авторской песне порой очень хочется вспорхнуть и улететь в бесконечные и невиданные дали инди-рока, а потом долго и привольно кувыркаться там в нежных эфирных облаках альтернативы и арт-прога, использовать наработки Placebo, а временами чувствовать себя отражением Florence And The Machine или даже Dead Can Dance.

Но хотя Ikiaqqivik явно относятся к тем не обделённым iq молодым бунтарям, которых хлебом не корми, дай спеть что-нибудь про тлен и бессмысленность бытия, их эмоциональность не кажется тяжеловесной и грузящей, что, кстати, позволило одному из моих коллег из пишущей братии даже назвать их выступление весёлым. Вряд ли это весёлость в собственном смысле слова, но это и не совсем грусть и уж точно не упадок и не депрессия. Даже горькие экзистенциальные парадоксы эти юные музыканты умудряются подавать так, что они воспринимаются как светлые и почти ласкающие слух, как светлая печаль и горьковатая смысложизненная рефлексия.

Когда я сказал, что у группы не так много записанных вещей я немного преувеличил, ведь “Пустота” – первое официальное демо группы и их первый официальный сингл. Концертную версию “Кловелинщицы” можно с чистой совестью проигнорировать, а другие live-видео и подавно, и потому рецензируемый трек это действительно первый шаг группы в мир серьёзных музыкальных баталий и интересен уже в силу одного этого факта. Хотя, конечно, не только в силу его одного. Трек очень неплох и свеж как сочный утренний лайм, а лучше йогурта по утрам, как известно, только водка и гренадин (и далее по тексту Веры Полозковой). Или путешествие сквозь слои.

“Пустота” – это стереотипные маршеподобные ударные, угрюмые гитарные переборы, аскетичный бас и робкие поросли укулеле, но всё это расцветает буйным весенним цветом и радикально преображается, когда появляется голос главной фронтвумен коллектива Ксении Кудрявцевой. Всё это похоже на магию, а ещё похоже на ранний The Cranberries, где Долорес О’Риордан своими вокальными упражнениями творила подобное эмоциональное волшебство. Едва уловимые отсылки к Янке Дягилевой скорее додумываешь, чем слышишь, а текст действует как мерный стук метронома, капая в сознание редкими каплями такого долгого и серого, что почти бесконечного дождя:

“Пустота. В твоих глазах давно лишь спички,

Пустота. В твоей любви одни привычки.

Пустота в твоих словах меня тревожит,

Пустота в твоей душе. Мы так похожи.”

(c) Ikiaqqivik – “Пустота”

Ближе к финалу на авансцене появляется философствующий речитатив укулельщицы Али Васильковой, что сразу же напомнило мне подобные эксперименты раннего творчества группы Пропаганда, а всё в целом создаёт дивное ощущение торжествующего минимализма, где в дремотной застывшей тишине каждый звук воспринимается как ударившийся оземь и тут же вдребезги расколовшийся на мириады осколков чистейший кристалл. Вероятно, музыкантам стоило бы назваться не Ikiaqqivik, а My Dear Diary, ведь их песни очень уж напоминают вкрадчивые, интимные и режущие до боли дневниковые признания в их предельной исповеднической обнажённости.

Голос плачет и жалуется, доверяет и открывается до предела и последней грани, и в этой неспешной монотонной откровенности можно блуждать бесконечно, словно в лабиринте Минотавра, где нить Ариадны не ведёт никуда, а только опьяняет ложной надеждой с тем, чтобы потом оглушительно рассмеяться и оставить одинокого путника наедине со своими мыслями, сомнениями, догадками и недоумениями. “Пустота” – это типичный рефлексирующий рок, но подача и исполнение у группы настолько мягкие, плавные и почти нереальные, что текст не бьёт наотмашь и не чеканит твёрдой уверенной рукой, а скорее льётся плавными нежными струями.

Ikiaqqivik – это как раз тот самый случай, когда фактов и записанных артефактов минимум, зато мифов, легенд и апокрифического фольклора целые вагоны и тележки. Как и многие другие подобные коллективы, эти столичные барды-путешественники очень любят проводить время вместе, с большой любовью и изобретательностью относятся ко всему, что связано с творчеством, а в результате их песни действительно напоминают небольшие путевые заметки или выдержки из повседневных курьёзов, которые так приятно рассказывать ночью у костра. Их творчество действительно жизненное и командное, и в этом тоже есть своё особое очарование.

“Запись - это некий рубеж. То, по чему нас будут оценивать в дальнейшем. Мы пока не готовы перейти Рубикон” – говорили они ещё совсем недавно, но теперь Рубикон пройден, и группа с труднопроизносимым и ещё труднее запоминаемым названием Ikiaqqivik официально вступила в права музыкальных цезарей, который не боится демонстрировать людям свою власть и силу. Или, по крайней мере, свои творческие амбиции. Их проба пера вышла приятной и эмоциональной с подспудным ощущением тайны и намёком на большее, а потому – ждём большего и держим руку на пульсе. Опыт показывает, что некоторые юные шаманы способны приносить из своих астральных путешествий весьма нетривиальные находки, и очень вероятно, что создатели “Пустоты” как раз из их числа.

Рецензия на альбом проекта Vector Five "Сердечный"

10-04-2020 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

Я никогда не был большим знатоком и почитателем музыки в стиле регги, но уже лет пятнадцать с большим удовольствием слушаю отдельных регги-исполнителей и эксперименты прославленных рокеров вроде Бориса Гребенщикова и Ольги Арефьевой в данном жанре, а время от времени, хоть и не слишком часто, но нахожу очень приятные и редкие регги-релизы, от которых становится так хорошо и светло на душе, что я готов буквально благословить музыку растаманов. “Редко, но метко” – это как раз про меня и регги, и именно так случилось и с проектом Vector Five, о котором мы сейчас и поговорим, ведь их альбом “Сердечный”, попавший ко мне в руки не в самое светлое для автора этих строк время, оказал на меня поистине волшебное воздействие.

Начать, наверное, стоит с того, что альбом называется так, как называется, не случайно, и песни, представленные на диске, на самом деле являют собой “сердечные” гимны абсолютной любви и гармонии. Многие серьёзные психологи, разного рода гуру и коучи, а также вполне себе состоятельные и состоявшиеся учёные разных областей уже давно приходят к мысли и убеждению, что человеческое сердце есть средоточие его жизненной энергии, и именно от того, насколько в достатке в жизни человека присутствует радость и счастье зависит то, насколько здорова его сердечная мышца. “Если хочешь иметь здоровое сердце, живи полной жизнью и не лишай себя радости” – говорят они, и это вполне похоже на правду.

А Vector Five – это музыка светлого человека Виктора Агафонова, созданная и записанная для светлых людей, сердечная и преисполненные радостью песни для тех, чьи сердца ещё не окаменели от современного прагматизма и не потеряли способность искренне, полно и по-настоящему радоваться. Виктор играет в стиле умеренного (не радикально растаманского) регги, ненавязчиво смешивает его с эпизодическим фанком, разреженной world music и фоновым этно, а по ходу дела поёт о светлых и позитивных вещах и всячески старается сделать окружающий мир чуть лучше и светлее, “распространяя вокруг свет и радость” и максимально растворяясь и растворяя других в своих жизнеутверждающих, но не приторных треках.

“Жить – хорошо” – говорил один известный киногерой, “А хорошо жить – ещё лучше” – замечал его собеседник, и Виктор Агафонов готов ещё раз напомнить нам всем эту избитую, но не утратившую актуальности истину. “Быть иль не быть? Что за вопрос, конечно быть! Выбор так прост! Просто дышать, просто любить и обнимать тех, с кем хочешь быть. Искорки радости теплятся в сердце, лучики света из самого детства. Ты полон счастья без всяких причин, просто внутри светят эти лучи” - скандирует музыкант уже в первой, открывающей альбом вещи “Внутри есть Sunshine”, и она задаёт тон всему альбому, настраивая слушателей на мерный, вялотекущий ритм неспешного наслаждения жизнью и восхищения её многочисленными радостями и дарами.

Объективно альбом, вероятно, тянет где-то на 4 из 5 и шедевром не является (хотя это на самом деле спорно и ещё как посмотреть), но я просто не смог (да и не захотел) поставить ему оценку ниже самой высокой из возможных. Дело в том, что в случае с Vector Five перед нами не просто хорошая музыка, а целостная философия жизни с соответствующим категориальным аппаратом, интересным теоретическим обоснованием и адекватной экзистенциальной поддержкой. Проще говоря, Виктор действительно верит в то, о чём поёт, живёт этими словами, ритмами и идеями, не старается изображать из себя кого-то, кем он не является, а просто делает то, что ему близко и что соответствует его внутренней природе и убеждениям. И это уже много и ценно.

“Намного лучше быть счастливым, чем всегда правым” – как часто мы забываем эту простую и самоочевидную констатацию, а Виктор напоминает о ней уже во втором треке с альбома, который называется “Словно дельфин”: “А я знаю, я не Пушкин и не Есенин, и стихи пишу я как умею, но с душою, пропуская через сердце, даря всем позитивные вибрации. И мне не быть Бродским и Мандельштамом, но разум ваш хочу освободить от штампов, ведь много умных, но мало на земле счастливых, а я хочу, чтоб все познали светлые силы”. Так просто, доходчиво и универсально выразить свою позицию тоже надо уметь, и найти такие простые, убедительные и универсальные слова далеко не так просто, как может показаться на первый взгляд.

Убеждённость автора в тех идеях, которые он транслирует, очень чувствуется, его искренность и правдивость не подлежат сомнениям, и это сообщает песням исполнителя потрясающую убедительность и силу. Даже не имея изначально совершенно никаких симпатий к Виктору и к регги в целом, устоять перед позитивными вибрациями и обнажённой, совершенно удивительной искренностью его песен просто невозможно. И в то же время всё это совсем не стоит понимать как намёк на то, что качество исполнения, инструментала, сведения и прочие технические и исполнительские нюансы в случае с Vector Five проседают и отстают от концептуальной основы – нет, все они находятся на очень приличном уровне, и автору уж точно не стыдно за них.

По сравнению с другими альбомами из дискографии Vector Five, “Сердечный”, вероятно, самый разноплановый и разнообразный. Здесь есть не только гимны-мантры и абсолютно благостные вещи, подобные уже упоминавшейся “Внутри есть Sunshine”, но и такие бытовые, отчасти даже легкомысленные зарисовки, как “Девушка, милая, ты не грусти” и “Без любви”, а вершина диска и его жемчужина – это финальная, девятая по счёту песня с лаконичным названием “Зов”, которая, подобно лучшим творениям Vector Five, напоминает одновременно и символ веры, и мантру, и обнажённую исповедь чуткого сердца: “Я принимаю всё то, что есть во мне, я понимаю, эта жизнь – ещё не предел. И чувствую сердцем вечный зов: делай во благо – будет любовь.”

Vector Five – это радость, счастье и любовь, “блины из космической муки” и просто душевные и прочувствованные песни, которые на самом деле идут от сердца и направлены исключительно к неравнодушным сердцам. Виктор знает, как заставить свой голос звучать сильно и внушительно, знает, какие слова подобрать для того чтобы донести свои мысли наиболее внятно, чётко и доступно, а в итоге перед нами на альбоме “Сердечный” разворачивается удивительная магия позитива, исцеляющей силы абсолютной любви и потрясающая безбрежность гармонии и счастья. То, что Валерий Синельников и Луиза Хэй пишут в своих книгах, создавая единую мировоззренческую систему, Виктор Агафонов транслирует в мир посредством своих песен и стихов. И это точно такая же цельная мировоззренческая система, которая работает.

Сейчас, когда во всём мире бушует пандемия коронавируса, а люди лихорадочно пытаются укрепить свой иммунитет и скупают для этого лимоны, имбирь и чеснок по заоблачным ценам, намного более эффективное и адекватное средство повышения иммунитета совершенно бесплатно и всегда находится под рукой – это музыка. И в частности музыка Vector Five. Ни для кого давно не секрет, как много зависит от настроения, духовного благополучия, душевного комфорта и внутренней гармонии, как скребут кошки на душе, когда этого нет, и как вдруг меняется и преображается мир, когда ты по-настоящему счастлив, доволен собой или влюблён. Если вы не чувствуете сейчас ничего подобного, есть вполне себе действенный способ ещё раз ощутить и пережить эти чувства, наполниться ими: довериться музыке Vector Five, не сопротивляться ей.

Vector Five ненавязчиво перестраивает молекулы нашей души на позитивный лад, избавляя от ненужной суеты и всего лишнего и наносного, и это действует не хуже чем книги Эндрю Мэтьюза или Луизы Хэй. Вряд ли можно придумать более подходящую музыку для нынешних смутных дней самоизоляции и вынужденного карантина, чем Vector Five, многие песни которого содержат поистине пророческие и актуальные тексты и послания (“Обнимаю тебя”, “В глазах мамы”), а некоторые строчки действительно напоминают действенные и целительные аффирмации, которые наверняка будут влиять на иммунитет и на здоровье намного лучше, чем взлетевшие до заоблачных высот в цене имбирь, лимоны и чеснок. Посудите сами:

“И мы жили, хоть порой было нечего есть,

Но мама умела из ничего что-то спечь,

И мы пили чай с блинами из космической муки,

И было так много счастья в её глазах и улыбке…”

(с) Vector Five - “В глазах мамы”

“Километры – ничто, время – ничто,

Сердце бьётся в ритме любви,

Вокруг нас то штиль, то шторм,

А я обнимаю тебя, лови…”

(с) Vector Five – “Обнимаю”

У Виктора есть бодрые регги-гимны, зажигательные танцевальные песни (“Без любви”), проникновенные акустические баллады на грани нью-эйджа (“Крутится колесо”) и множество просто хороших стихов с сильными образами и мгновенно западающими в душу рифмами. По большому счёту, чистого регги и регги как такового в песнях Vector Five не так уж и много – в балладах место у руля практически всецело экспроприирует атмосферный нью-эйдж пополам с лёгким, лаунжевым этно, в то время как в большинстве более чётких и ритмичных треков вроде “Внутри есть Sunshine” или “Танцуй в ритме влюблённого сердца” регги без проблем и на равных основаниях соседствует всё с тем же world music в духе Amethystium и светлым прозрачным этно.

Виктор не случайно внешне смахивает на старика Хоттабыча – он действительно самый настоящий добрый аскет, специалист по чакрам, практик и духовный учитель. Не то чтобы я верю в расплодившихся ныне коучей и думаю, что это хорошо (как раз наоборот), но лидер и единственный участник Vector Five – это другой случай. Это человек, который сам научился жить в гармонии с собой, а теперь не против поделиться всем этим счастьем с другими. В том числе совершенно безвозмездно – через свои песни. Забавно и интересно смотреть, как Виктор даёт концерты, стоя на гвоздях, его камерные квартирники по-настоящему завораживают, но дело всё-таки не в этом, а в самих песнях и в их особой “ауре” – именно в них вся магия. Отчаянно плюсую и рекомендую.

Рецензия опубликована в журнале Rockcor N3 (2020). Заказать журнал:

https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz)

Рецензия на альбом группы Солнце Находит Себе Глаза "Зимняя война в Тибете"

07-04-2020 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

Шаманская тематика издавна привлекала музыкантов самого разного профиля и направленности от Ольги Арефьевой до пауэрщиков Shaman и от финских певцов природы Tenhi до Hedningarna и Hagalaz’ Runedance. Кто-то все эти камлания-экзальтации воспринимает предельно серьёзно, кто-то – не предельно, не слишком или вообще не серьёзно, но соответствующая тематика на современной сцене представлена довольно широко, и поэтому нет ничего странного и удивительного в том, что белорусская группа с чудаковатым названием Солнце Находит Себе Глаза тоже решила избрать в качестве своего музыкального поприща шаманский психоделический рок.

Ребята играют музыку в духе классических Grateful Dead и Дюши Романова, но со своим особым почерком и характерным философским подходом. С более философским подходом, чем у Дюши, хотя экс-участник Аквариума, как вы помните, был очень даже неплох. Музыканты очень интересно совмещают иронию, юмор, серьёзные метафизические термины, игривые ритмы и густую психоделичность в единое целое, а на выходе мы имеем интересный экспериментальный рок, в котором гротеск и серьёзные шаманские реалии являются двумя сторонами одной монеты, а рок-квадрат и психоделический астральный полёт дополняют друг друга словно два крыла.

И всё-таки иронии на альбоме “Зимняя война в Тибете” больше всего, о чём достаточно внятно и красноречиво говорит уже и обложка альбома. Начинается диск с ироничной вещи “Поход к реке”, которая временами напоминает детскую считалочку или пыхтелку Винни Пуха про “куда идём мы с Пятачком”, но в то же время довольно тонко упоминает о “сути и зове внутренней звезды” “тени Бога” и “крови собственной души”. Отсылки к Оргии Праведников, к Сергею Канунникову (Возвращение) и многим другим подобным авторам не умаляют собственную уникальность белорусского проекта, а лишь подкрепляют её аутентичность, выступая в качестве ингредиентов и составных частей.

За считалочным началом следует ещё более ироничный кавер на “Беларусь”. И дело совсем не в том, что композиция исполнена на белорусском, а в особом настроении этого трека, а также в том, как исполняют и обыгрывают и без того шутливый текст затейники из Солнце Находит Себе Глаза. А далее нас ждут ещё более отвязный панк и настоящее хулиганство. На первый взгляд лиричная и даже романтическая “Пеплом Стать”, по сути, представляет из себя разухабистый и довольно колючий панк-рок с эпизодическими нецензурностями и прочими типично махновскими штучками, и как раз в этом месте альбом как будто срывается под откос и пускается уже во все тяжкие.

Отсылки к незаслуженно забытому шведскому шаману Карлсону, российским шаманам Буратино и Чебурашке и другим древним авторитетам добавляют этой бурлящей солянке афористичности, а участники СНСГ знай себе кайфуют и хулиганят как бывалые растаманы, одновременно напоминая и Сида Вишеза и Боба Марли, а долгая солирующая импровизация не даёт забыть о том, что для нас звучит всё-таки ни что иное как психоделический рок. Трек с мозговыворачивающим названием “Разговор с котом о базовой метафизике античной трагедии” добавляет в густое варево панковой непосредственности с оттенками регги-раздолбайства фанковые пружины, а вокальные линии здесь вплотную соприкасаются с речитативом и уже ни в чём не ограничивают себя в плане самовыражения.

Карнавальное мироощущение и кабаре-калейдоскоп сменяются нежной полубалладой “Театр”, а вот безусловная вершина пластинки – это 11-минутная философская медитация “Озеро”, где полным-полно мудрых мыслей, удивительных глупостей, неожиданных откровений и парадоксов, а также просто мыслей безо всякой привязки и повода. Забегая немного вперёд, замечу, что альбом имеет причудливую структуру: в своей первой части он задирист и панково-разухабист (“Поход к реке”, “Беларусь”, “Пеплом Стать”, “Разговор с котом…”, “Ведьмин поезд”), во второй части – вдумчив и плавно-глубокомыслен (“Театр”, “200”, “Зимний конь”, “Янут”), а разделяет эти две части – взрывная и ядерная рефлексия “Озера”. Повествование в этой вещи идёт практически непрерывно все одиннадцать минут, а концентрация мысли и ментального напряжения достигают своего апогея.

“Смерть, вода моя, – трансформация,

Старость, мудрость моя - лишь мутация.

А вода всё снесёт, даст здоровье,

Унесёт что-то с чёрными пятнами,

Унесёт и с пиявками-змеями,

Освежит мою голову ватную,

Ну а может и нет, в общем, верю я,

Что красивее места этого на земле не найду лучшего,

А когда к нам придёт лето, на, то душа запоёт ещё пуще, да”.

(с) Солнце Находит Себе Глаза – “Озеро”

Простенькие панковые мелодии снова настойчиво прорастают в “Ведьмином поезде”, вокальные линии спешат, путаясь и сбиваясь, и всё это ещё сильнее создаёт ощущение полубезумного праздника, где в едином хороводе перед глазами что есть мочи мелькают грибы, гномы, лесные обитатели, мульт-герои, дремучие слесари-шаманы и прочие персонажи сказочного фольклора, а психоделично-жутковатый фон подспудно намекает о высоком и вечном. Фолковые и народные интонации в “200”, в “Зимнем коне” и в завершающей диск “Янут” звучат очень благозвучно и раздольно, чего не портят даже вербальные хулиганства и шутки про телему, а, как мне показалось, такой размеренный и взвешенный стиль больше всего идёт группе.

Мне очень сложно оценивать чисто музыкальную и инструментальную составляющую данного компакта, и это не потому что она плоха или невзрачна, просто метафизический месседж и атмосфера больного психоделического сна в данном случае находятся на первом месте, а инструментал, как и полагается ему в случае с творчеством психоделических команд, выполняет роль вспомогательную и создающую настроение. Элементы авангарда, ненаучной фантастики и галлюциногенной инженерии делают этот музыкальный кавардак похожим на эксперименты Сергея Курёхина, Сергея Калугина и на музыкально-вербальные шаржи Б.Г. (Квартет Анны Карениной, альбом мантр и т.д.), но всё-таки у Солнце Находит Себе Глаза всё не так и всё иначе.

Альбом стоит рекомендовать в первую очередь тем, кто не лишён чувства юмора и открыт для восприятия нового и выходящего за пределы ограниченных дефиниций, терминов и категорий. И кстати, ещё герои сказок Эно Рауда Муфта, Моховая Борода и Полботинка утверждали, что психоделичность и психоделики предназначены исключительно для тех, кто знает толк в психоделии, а всем иным и прочим узколобым критикам категорически противопоказаны, и Солнце Находит Себе Глаза очень здорово иллюстрируют это утверждение. Нет сомнений, что “Зимняя война в Тибете” это шарж и шутка, но шутка стильная и хорошая.

Рецензия опубликована в журнале Rockcor N3 (2020). Заказать журнал:

https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz)

Рецензия на альбом исполнителя Billy F Gibbons "The Big Bad Blues"

07-04-2020 Дмитрий Фомин

Это уже второй сольный альбом одного из двух знаменитейших на весь мир задорных бородачей из ZZ Top, незаменимого вокалиста/гитариста оных Билли Гиббонса. Пока в его основной команде царит творческое затишье, чего не скажешь о концертных делах, Билли не теряет времени даром. Он определенно знает толк в том, как с пользой и вкусом провести время. Если вышедший в 2015-м его первый сольник ''Perfectamundo'' утопал в изобилии афро-кубинских и латинских мелодий, демонстрируя сторонние музыкальные увлечения Гиббонса, разделить которые с ним смогли далеко не все поклонники техасского трио, то в этот раз старина Билли основательно и беззаветно углубился в вековые корни настоящего блюза.

На этот раз компанию ему составили Джо Харди – бас-гитара, Элвуд Фрэнсис – гитара, гармоника, Джеймс Харман – гармоника, Майк Флэнегин – клавишные, Грег Морроу – ударные и Мэтт Сорум – перкуссии. “Big Bad Blues” стопроцентно оправдывает свое название: неприглаженный, разбитной и предельно искренний блюз в своем истинном обличии, вдохновленный творчеством Мадди Уотерса, Бо Дидли и Джерома Грина, чьи композиции ("Standing Around Crying", "Rollin' and Tumblin'" и "Bring It To Jerom", а также "Crackin' Up" соответственно) составили основу этой пластинки. В интерпретации Гиббонса и его банды эти вещи, извлеченные из недр старинных винилов, обрели новую энергетику и харизму.

К слову, и оригинальный материал Гиббонса пришелся им под стать. Грубоватый, прямолинейный блюз-рок с превосходнейшей ритм-секцией, местами ленивый и вальяжно-хулиганский, но вдумчивый, с непринужденными заходами в буги-вуги, по-южному знойный, но при этом энергичный и страстный, с долей маскулинности в духе Джорджа Тарагуда. Хриплый голос Гиббонса отдает атмосферой прокуренных кабаре, перегруженная шероховатая гитара сливается воедино с тягучими руладами губной гармошки, продолжительные соло представляют собой чарующую слух импровизацию, а партии хаммонд-органа окутывают все это ностальгической дымкой.

Здесь вы не найдете претенциозных хитов уровня "Sharp Dressed Man" или "La Grange". Материал "Big Bad Blues" рассчитан на плавное и расслабленное времяпрепровождение, и приятно стимулирует чувства, позволяя купаться в теплых волнах далеких приятных воспоминаний. Причем, речь не идет о брюзгливом старческом нытье в кресле-качалке. Альбом Гиббонса и Ко, хоть и умудрен опытом старой школы, но при этом демонстрирует неимоверную крутизну, первобытную пленительность и сексуальную чувственность настоящего блюза, прямого прародителя многих тяжелых стилей. Многим современным рокерам, к сожалению, далеко до этого.

Легкая небрежность и спонтанность записи при абсолютно детализированном звучании всех инструментов добавляют пластинке сочности и честности. Подобный подход чрезвычайно редок в наши дни, но он-то и выявляет реальное положение вещей. "Big Bad Blues" – это не просто дань уважения легендарным блюзменам прошлого, но и красноречивое свидетельство того, что настоящая живая музыка по-прежнему существует вне всяких временных рамок и новомодных трендов.

Именно на такой музыке вырос Билли Гиббонс и его коллеги по группе, именно ее влияние можно без труда отследить еще на дебютном альбоме ZZ Top, потрудившись извлечь сию пластинку из глубин своего аудио-архива. И именно ее, я уверен, они будут играть до самого конца с полным упоением и чувством собственного достоинства. Такая музыка идет напрямую из души и по сути не нуждается ни в лишних комментариях, ни в каких-либо оценках.

Показать ещё