РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на сингл группы Ikiaqqivik "Пустота"
Уже по названию этой столичной команды можно с уверенностью сказать: Ikiaqqivik – мечтатели. Только мечтатели и неисправимые идеалисты способны назвать свою группу так, что запомнить его будет под силу только самым мозговитым и настойчивым слушателям, а все иные и прочие просто сломают себе язык, мозг и память. Но запомнить это название стоит. Кстати, Ikiaqqivik на инуитском языке означает “путешествие сквозь слои”, и в состав этой интересной группы входят три девушки с гитарой, с укулеле и с бас-гитарой, все они поют, а ассистирует им драммер Олег. Почему на инуитском и как музыканты связаны с шаманами? Тайна за семью печатями и интрига.
А поют, как вы понимаете, участники и участницы группы на данный момент только на русском. На данный момент в арсенале Ikiaqqivik совсем не много записанных треков, но их вера в свою мечту поистине творит чудеса. Свой актуальный сингл “Пустота” музыканты готовили ещё с осени прошлого года, однако результат стоил таких стараний и творческих мук со сведением и мастерингом – теперь “путешественники сквозь слои” звучат очень внятно и профессионально, а финальный вариант их трудов напомнил мне сразу три из любимых групп: финских Indica (в первую очередь баллады вроде “Eerie Eden”), кардио-вейв-изобретателей из Fleur и московскую Вольта, хотя последних всё-таки в самой большей степени.
Песни Ikiaqqivik не назвать весёлыми и жизнеутверждающими, скорее они попадают в категорию “молодость в поддержку мудрости” (название фестиваля, в котором некогда сорвала гран-при Вольта) и следуют в русле таких групп как Поиграем И Уйдём, Белая Гвардия и Mezzamo, но со своим особым колоритом. Когда смотришь видеозаписи их концертов, понимаешь, что авторской песне порой очень хочется вспорхнуть и улететь в бесконечные и невиданные дали инди-рока, а потом долго и привольно кувыркаться там в нежных эфирных облаках альтернативы и арт-прога, использовать наработки Placebo, а временами чувствовать себя отражением Florence And The Machine или даже Dead Can Dance.
Но хотя Ikiaqqivik явно относятся к тем не обделённым iq молодым бунтарям, которых хлебом не корми, дай спеть что-нибудь про тлен и бессмысленность бытия, их эмоциональность не кажется тяжеловесной и грузящей, что, кстати, позволило одному из моих коллег из пишущей братии даже назвать их выступление весёлым. Вряд ли это весёлость в собственном смысле слова, но это и не совсем грусть и уж точно не упадок и не депрессия. Даже горькие экзистенциальные парадоксы эти юные музыканты умудряются подавать так, что они воспринимаются как светлые и почти ласкающие слух, как светлая печаль и горьковатая смысложизненная рефлексия.
Когда я сказал, что у группы не так много записанных вещей я немного преувеличил, ведь “Пустота” – первое официальное демо группы и их первый официальный сингл. Концертную версию “Кловелинщицы” можно с чистой совестью проигнорировать, а другие live-видео и подавно, и потому рецензируемый трек это действительно первый шаг группы в мир серьёзных музыкальных баталий и интересен уже в силу одного этого факта. Хотя, конечно, не только в силу его одного. Трек очень неплох и свеж как сочный утренний лайм, а лучше йогурта по утрам, как известно, только водка и гренадин (и далее по тексту Веры Полозковой). Или путешествие сквозь слои.
“Пустота” – это стереотипные маршеподобные ударные, угрюмые гитарные переборы, аскетичный бас и робкие поросли укулеле, но всё это расцветает буйным весенним цветом и радикально преображается, когда появляется голос главной фронтвумен коллектива Ксении Кудрявцевой. Всё это похоже на магию, а ещё похоже на ранний The Cranberries, где Долорес О’Риордан своими вокальными упражнениями творила подобное эмоциональное волшебство. Едва уловимые отсылки к Янке Дягилевой скорее додумываешь, чем слышишь, а текст действует как мерный стук метронома, капая в сознание редкими каплями такого долгого и серого, что почти бесконечного дождя:
“Пустота. В твоих глазах давно лишь спички,
Пустота. В твоей любви одни привычки.
Пустота в твоих словах меня тревожит,
Пустота в твоей душе. Мы так похожи.”
(c) Ikiaqqivik – “Пустота”
Ближе к финалу на авансцене появляется философствующий речитатив укулельщицы Али Васильковой, что сразу же напомнило мне подобные эксперименты раннего творчества группы Пропаганда, а всё в целом создаёт дивное ощущение торжествующего минимализма, где в дремотной застывшей тишине каждый звук воспринимается как ударившийся оземь и тут же вдребезги расколовшийся на мириады осколков чистейший кристалл. Вероятно, музыкантам стоило бы назваться не Ikiaqqivik, а My Dear Diary, ведь их песни очень уж напоминают вкрадчивые, интимные и режущие до боли дневниковые признания в их предельной исповеднической обнажённости.
Голос плачет и жалуется, доверяет и открывается до предела и последней грани, и в этой неспешной монотонной откровенности можно блуждать бесконечно, словно в лабиринте Минотавра, где нить Ариадны не ведёт никуда, а только опьяняет ложной надеждой с тем, чтобы потом оглушительно рассмеяться и оставить одинокого путника наедине со своими мыслями, сомнениями, догадками и недоумениями. “Пустота” – это типичный рефлексирующий рок, но подача и исполнение у группы настолько мягкие, плавные и почти нереальные, что текст не бьёт наотмашь и не чеканит твёрдой уверенной рукой, а скорее льётся плавными нежными струями.
Ikiaqqivik – это как раз тот самый случай, когда фактов и записанных артефактов минимум, зато мифов, легенд и апокрифического фольклора целые вагоны и тележки. Как и многие другие подобные коллективы, эти столичные барды-путешественники очень любят проводить время вместе, с большой любовью и изобретательностью относятся ко всему, что связано с творчеством, а в результате их песни действительно напоминают небольшие путевые заметки или выдержки из повседневных курьёзов, которые так приятно рассказывать ночью у костра. Их творчество действительно жизненное и командное, и в этом тоже есть своё особое очарование.
“Запись - это некий рубеж. То, по чему нас будут оценивать в дальнейшем. Мы пока не готовы перейти Рубикон” – говорили они ещё совсем недавно, но теперь Рубикон пройден, и группа с труднопроизносимым и ещё труднее запоминаемым названием Ikiaqqivik официально вступила в права музыкальных цезарей, который не боится демонстрировать людям свою власть и силу. Или, по крайней мере, свои творческие амбиции. Их проба пера вышла приятной и эмоциональной с подспудным ощущением тайны и намёком на большее, а потому – ждём большего и держим руку на пульсе. Опыт показывает, что некоторые юные шаманы способны приносить из своих астральных путешествий весьма нетривиальные находки, и очень вероятно, что создатели “Пустоты” как раз из их числа.
Рецензия на альбом проекта Vector Five "Сердечный"
Я никогда не был большим знатоком и почитателем музыки в стиле регги, но уже лет пятнадцать с большим удовольствием слушаю отдельных регги-исполнителей и эксперименты прославленных рокеров вроде Бориса Гребенщикова и Ольги Арефьевой в данном жанре, а время от времени, хоть и не слишком часто, но нахожу очень приятные и редкие регги-релизы, от которых становится так хорошо и светло на душе, что я готов буквально благословить музыку растаманов. “Редко, но метко” – это как раз про меня и регги, и именно так случилось и с проектом Vector Five, о котором мы сейчас и поговорим, ведь их альбом “Сердечный”, попавший ко мне в руки не в самое светлое для автора этих строк время, оказал на меня поистине волшебное воздействие.
Начать, наверное, стоит с того, что альбом называется так, как называется, не случайно, и песни, представленные на диске, на самом деле являют собой “сердечные” гимны абсолютной любви и гармонии. Многие серьёзные психологи, разного рода гуру и коучи, а также вполне себе состоятельные и состоявшиеся учёные разных областей уже давно приходят к мысли и убеждению, что человеческое сердце есть средоточие его жизненной энергии, и именно от того, насколько в достатке в жизни человека присутствует радость и счастье зависит то, насколько здорова его сердечная мышца. “Если хочешь иметь здоровое сердце, живи полной жизнью и не лишай себя радости” – говорят они, и это вполне похоже на правду.
А Vector Five – это музыка светлого человека Виктора Агафонова, созданная и записанная для светлых людей, сердечная и преисполненные радостью песни для тех, чьи сердца ещё не окаменели от современного прагматизма и не потеряли способность искренне, полно и по-настоящему радоваться. Виктор играет в стиле умеренного (не радикально растаманского) регги, ненавязчиво смешивает его с эпизодическим фанком, разреженной world music и фоновым этно, а по ходу дела поёт о светлых и позитивных вещах и всячески старается сделать окружающий мир чуть лучше и светлее, “распространяя вокруг свет и радость” и максимально растворяясь и растворяя других в своих жизнеутверждающих, но не приторных треках.
“Жить – хорошо” – говорил один известный киногерой, “А хорошо жить – ещё лучше” – замечал его собеседник, и Виктор Агафонов готов ещё раз напомнить нам всем эту избитую, но не утратившую актуальности истину. “Быть иль не быть? Что за вопрос, конечно быть! Выбор так прост! Просто дышать, просто любить и обнимать тех, с кем хочешь быть. Искорки радости теплятся в сердце, лучики света из самого детства. Ты полон счастья без всяких причин, просто внутри светят эти лучи” - скандирует музыкант уже в первой, открывающей альбом вещи “Внутри есть Sunshine”, и она задаёт тон всему альбому, настраивая слушателей на мерный, вялотекущий ритм неспешного наслаждения жизнью и восхищения её многочисленными радостями и дарами.
Объективно альбом, вероятно, тянет где-то на 4 из 5 и шедевром не является (хотя это на самом деле спорно и ещё как посмотреть), но я просто не смог (да и не захотел) поставить ему оценку ниже самой высокой из возможных. Дело в том, что в случае с Vector Five перед нами не просто хорошая музыка, а целостная философия жизни с соответствующим категориальным аппаратом, интересным теоретическим обоснованием и адекватной экзистенциальной поддержкой. Проще говоря, Виктор действительно верит в то, о чём поёт, живёт этими словами, ритмами и идеями, не старается изображать из себя кого-то, кем он не является, а просто делает то, что ему близко и что соответствует его внутренней природе и убеждениям. И это уже много и ценно.
“Намного лучше быть счастливым, чем всегда правым” – как часто мы забываем эту простую и самоочевидную констатацию, а Виктор напоминает о ней уже во втором треке с альбома, который называется “Словно дельфин”: “А я знаю, я не Пушкин и не Есенин, и стихи пишу я как умею, но с душою, пропуская через сердце, даря всем позитивные вибрации. И мне не быть Бродским и Мандельштамом, но разум ваш хочу освободить от штампов, ведь много умных, но мало на земле счастливых, а я хочу, чтоб все познали светлые силы”. Так просто, доходчиво и универсально выразить свою позицию тоже надо уметь, и найти такие простые, убедительные и универсальные слова далеко не так просто, как может показаться на первый взгляд.
Убеждённость автора в тех идеях, которые он транслирует, очень чувствуется, его искренность и правдивость не подлежат сомнениям, и это сообщает песням исполнителя потрясающую убедительность и силу. Даже не имея изначально совершенно никаких симпатий к Виктору и к регги в целом, устоять перед позитивными вибрациями и обнажённой, совершенно удивительной искренностью его песен просто невозможно. И в то же время всё это совсем не стоит понимать как намёк на то, что качество исполнения, инструментала, сведения и прочие технические и исполнительские нюансы в случае с Vector Five проседают и отстают от концептуальной основы – нет, все они находятся на очень приличном уровне, и автору уж точно не стыдно за них.
По сравнению с другими альбомами из дискографии Vector Five, “Сердечный”, вероятно, самый разноплановый и разнообразный. Здесь есть не только гимны-мантры и абсолютно благостные вещи, подобные уже упоминавшейся “Внутри есть Sunshine”, но и такие бытовые, отчасти даже легкомысленные зарисовки, как “Девушка, милая, ты не грусти” и “Без любви”, а вершина диска и его жемчужина – это финальная, девятая по счёту песня с лаконичным названием “Зов”, которая, подобно лучшим творениям Vector Five, напоминает одновременно и символ веры, и мантру, и обнажённую исповедь чуткого сердца: “Я принимаю всё то, что есть во мне, я понимаю, эта жизнь – ещё не предел. И чувствую сердцем вечный зов: делай во благо – будет любовь.”
Vector Five – это радость, счастье и любовь, “блины из космической муки” и просто душевные и прочувствованные песни, которые на самом деле идут от сердца и направлены исключительно к неравнодушным сердцам. Виктор знает, как заставить свой голос звучать сильно и внушительно, знает, какие слова подобрать для того чтобы донести свои мысли наиболее внятно, чётко и доступно, а в итоге перед нами на альбоме “Сердечный” разворачивается удивительная магия позитива, исцеляющей силы абсолютной любви и потрясающая безбрежность гармонии и счастья. То, что Валерий Синельников и Луиза Хэй пишут в своих книгах, создавая единую мировоззренческую систему, Виктор Агафонов транслирует в мир посредством своих песен и стихов. И это точно такая же цельная мировоззренческая система, которая работает.
Сейчас, когда во всём мире бушует пандемия коронавируса, а люди лихорадочно пытаются укрепить свой иммунитет и скупают для этого лимоны, имбирь и чеснок по заоблачным ценам, намного более эффективное и адекватное средство повышения иммунитета совершенно бесплатно и всегда находится под рукой – это музыка. И в частности музыка Vector Five. Ни для кого давно не секрет, как много зависит от настроения, духовного благополучия, душевного комфорта и внутренней гармонии, как скребут кошки на душе, когда этого нет, и как вдруг меняется и преображается мир, когда ты по-настоящему счастлив, доволен собой или влюблён. Если вы не чувствуете сейчас ничего подобного, есть вполне себе действенный способ ещё раз ощутить и пережить эти чувства, наполниться ими: довериться музыке Vector Five, не сопротивляться ей.
Vector Five ненавязчиво перестраивает молекулы нашей души на позитивный лад, избавляя от ненужной суеты и всего лишнего и наносного, и это действует не хуже чем книги Эндрю Мэтьюза или Луизы Хэй. Вряд ли можно придумать более подходящую музыку для нынешних смутных дней самоизоляции и вынужденного карантина, чем Vector Five, многие песни которого содержат поистине пророческие и актуальные тексты и послания (“Обнимаю тебя”, “В глазах мамы”), а некоторые строчки действительно напоминают действенные и целительные аффирмации, которые наверняка будут влиять на иммунитет и на здоровье намного лучше, чем взлетевшие до заоблачных высот в цене имбирь, лимоны и чеснок. Посудите сами:
“И мы жили, хоть порой было нечего есть,
Но мама умела из ничего что-то спечь,
И мы пили чай с блинами из космической муки,
И было так много счастья в её глазах и улыбке…”
(с) Vector Five - “В глазах мамы”
“Километры – ничто, время – ничто,
Сердце бьётся в ритме любви,
Вокруг нас то штиль, то шторм,
А я обнимаю тебя, лови…”
(с) Vector Five – “Обнимаю”
У Виктора есть бодрые регги-гимны, зажигательные танцевальные песни (“Без любви”), проникновенные акустические баллады на грани нью-эйджа (“Крутится колесо”) и множество просто хороших стихов с сильными образами и мгновенно западающими в душу рифмами. По большому счёту, чистого регги и регги как такового в песнях Vector Five не так уж и много – в балладах место у руля практически всецело экспроприирует атмосферный нью-эйдж пополам с лёгким, лаунжевым этно, в то время как в большинстве более чётких и ритмичных треков вроде “Внутри есть Sunshine” или “Танцуй в ритме влюблённого сердца” регги без проблем и на равных основаниях соседствует всё с тем же world music в духе Amethystium и светлым прозрачным этно.
Виктор не случайно внешне смахивает на старика Хоттабыча – он действительно самый настоящий добрый аскет, специалист по чакрам, практик и духовный учитель. Не то чтобы я верю в расплодившихся ныне коучей и думаю, что это хорошо (как раз наоборот), но лидер и единственный участник Vector Five – это другой случай. Это человек, который сам научился жить в гармонии с собой, а теперь не против поделиться всем этим счастьем с другими. В том числе совершенно безвозмездно – через свои песни. Забавно и интересно смотреть, как Виктор даёт концерты, стоя на гвоздях, его камерные квартирники по-настоящему завораживают, но дело всё-таки не в этом, а в самих песнях и в их особой “ауре” – именно в них вся магия. Отчаянно плюсую и рекомендую.
Рецензия опубликована в журнале Rockcor N3 (2020). Заказать журнал:
https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz)
Рецензия на альбом группы Солнце Находит Себе Глаза "Зимняя война в Тибете"
Шаманская тематика издавна привлекала музыкантов самого разного профиля и направленности от Ольги Арефьевой до пауэрщиков Shaman и от финских певцов природы Tenhi до Hedningarna и Hagalaz’ Runedance. Кто-то все эти камлания-экзальтации воспринимает предельно серьёзно, кто-то – не предельно, не слишком или вообще не серьёзно, но соответствующая тематика на современной сцене представлена довольно широко, и поэтому нет ничего странного и удивительного в том, что белорусская группа с чудаковатым названием Солнце Находит Себе Глаза тоже решила избрать в качестве своего музыкального поприща шаманский психоделический рок.
Ребята играют музыку в духе классических Grateful Dead и Дюши Романова, но со своим особым почерком и характерным философским подходом. С более философским подходом, чем у Дюши, хотя экс-участник Аквариума, как вы помните, был очень даже неплох. Музыканты очень интересно совмещают иронию, юмор, серьёзные метафизические термины, игривые ритмы и густую психоделичность в единое целое, а на выходе мы имеем интересный экспериментальный рок, в котором гротеск и серьёзные шаманские реалии являются двумя сторонами одной монеты, а рок-квадрат и психоделический астральный полёт дополняют друг друга словно два крыла.
И всё-таки иронии на альбоме “Зимняя война в Тибете” больше всего, о чём достаточно внятно и красноречиво говорит уже и обложка альбома. Начинается диск с ироничной вещи “Поход к реке”, которая временами напоминает детскую считалочку или пыхтелку Винни Пуха про “куда идём мы с Пятачком”, но в то же время довольно тонко упоминает о “сути и зове внутренней звезды” “тени Бога” и “крови собственной души”. Отсылки к Оргии Праведников, к Сергею Канунникову (Возвращение) и многим другим подобным авторам не умаляют собственную уникальность белорусского проекта, а лишь подкрепляют её аутентичность, выступая в качестве ингредиентов и составных частей.
За считалочным началом следует ещё более ироничный кавер на “Беларусь”. И дело совсем не в том, что композиция исполнена на белорусском, а в особом настроении этого трека, а также в том, как исполняют и обыгрывают и без того шутливый текст затейники из Солнце Находит Себе Глаза. А далее нас ждут ещё более отвязный панк и настоящее хулиганство. На первый взгляд лиричная и даже романтическая “Пеплом Стать”, по сути, представляет из себя разухабистый и довольно колючий панк-рок с эпизодическими нецензурностями и прочими типично махновскими штучками, и как раз в этом месте альбом как будто срывается под откос и пускается уже во все тяжкие.
Отсылки к незаслуженно забытому шведскому шаману Карлсону, российским шаманам Буратино и Чебурашке и другим древним авторитетам добавляют этой бурлящей солянке афористичности, а участники СНСГ знай себе кайфуют и хулиганят как бывалые растаманы, одновременно напоминая и Сида Вишеза и Боба Марли, а долгая солирующая импровизация не даёт забыть о том, что для нас звучит всё-таки ни что иное как психоделический рок. Трек с мозговыворачивающим названием “Разговор с котом о базовой метафизике античной трагедии” добавляет в густое варево панковой непосредственности с оттенками регги-раздолбайства фанковые пружины, а вокальные линии здесь вплотную соприкасаются с речитативом и уже ни в чём не ограничивают себя в плане самовыражения.
Карнавальное мироощущение и кабаре-калейдоскоп сменяются нежной полубалладой “Театр”, а вот безусловная вершина пластинки – это 11-минутная философская медитация “Озеро”, где полным-полно мудрых мыслей, удивительных глупостей, неожиданных откровений и парадоксов, а также просто мыслей безо всякой привязки и повода. Забегая немного вперёд, замечу, что альбом имеет причудливую структуру: в своей первой части он задирист и панково-разухабист (“Поход к реке”, “Беларусь”, “Пеплом Стать”, “Разговор с котом…”, “Ведьмин поезд”), во второй части – вдумчив и плавно-глубокомыслен (“Театр”, “200”, “Зимний конь”, “Янут”), а разделяет эти две части – взрывная и ядерная рефлексия “Озера”. Повествование в этой вещи идёт практически непрерывно все одиннадцать минут, а концентрация мысли и ментального напряжения достигают своего апогея.
“Смерть, вода моя, – трансформация,
Старость, мудрость моя - лишь мутация.
А вода всё снесёт, даст здоровье,
Унесёт что-то с чёрными пятнами,
Унесёт и с пиявками-змеями,
Освежит мою голову ватную,
Ну а может и нет, в общем, верю я,
Что красивее места этого на земле не найду лучшего,
А когда к нам придёт лето, на, то душа запоёт ещё пуще, да”.
(с) Солнце Находит Себе Глаза – “Озеро”
Простенькие панковые мелодии снова настойчиво прорастают в “Ведьмином поезде”, вокальные линии спешат, путаясь и сбиваясь, и всё это ещё сильнее создаёт ощущение полубезумного праздника, где в едином хороводе перед глазами что есть мочи мелькают грибы, гномы, лесные обитатели, мульт-герои, дремучие слесари-шаманы и прочие персонажи сказочного фольклора, а психоделично-жутковатый фон подспудно намекает о высоком и вечном. Фолковые и народные интонации в “200”, в “Зимнем коне” и в завершающей диск “Янут” звучат очень благозвучно и раздольно, чего не портят даже вербальные хулиганства и шутки про телему, а, как мне показалось, такой размеренный и взвешенный стиль больше всего идёт группе.
Мне очень сложно оценивать чисто музыкальную и инструментальную составляющую данного компакта, и это не потому что она плоха или невзрачна, просто метафизический месседж и атмосфера больного психоделического сна в данном случае находятся на первом месте, а инструментал, как и полагается ему в случае с творчеством психоделических команд, выполняет роль вспомогательную и создающую настроение. Элементы авангарда, ненаучной фантастики и галлюциногенной инженерии делают этот музыкальный кавардак похожим на эксперименты Сергея Курёхина, Сергея Калугина и на музыкально-вербальные шаржи Б.Г. (Квартет Анны Карениной, альбом мантр и т.д.), но всё-таки у Солнце Находит Себе Глаза всё не так и всё иначе.
Альбом стоит рекомендовать в первую очередь тем, кто не лишён чувства юмора и открыт для восприятия нового и выходящего за пределы ограниченных дефиниций, терминов и категорий. И кстати, ещё герои сказок Эно Рауда Муфта, Моховая Борода и Полботинка утверждали, что психоделичность и психоделики предназначены исключительно для тех, кто знает толк в психоделии, а всем иным и прочим узколобым критикам категорически противопоказаны, и Солнце Находит Себе Глаза очень здорово иллюстрируют это утверждение. Нет сомнений, что “Зимняя война в Тибете” это шарж и шутка, но шутка стильная и хорошая.
Рецензия опубликована в журнале Rockcor N3 (2020). Заказать журнал:
https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz)
Рецензия на альбом исполнителя Billy F Gibbons "The Big Bad Blues"
Это уже второй сольный альбом одного из двух знаменитейших на весь мир задорных бородачей из ZZ Top, незаменимого вокалиста/гитариста оных Билли Гиббонса. Пока в его основной команде царит творческое затишье, чего не скажешь о концертных делах, Билли не теряет времени даром. Он определенно знает толк в том, как с пользой и вкусом провести время. Если вышедший в 2015-м его первый сольник ''Perfectamundo'' утопал в изобилии афро-кубинских и латинских мелодий, демонстрируя сторонние музыкальные увлечения Гиббонса, разделить которые с ним смогли далеко не все поклонники техасского трио, то в этот раз старина Билли основательно и беззаветно углубился в вековые корни настоящего блюза.
На этот раз компанию ему составили Джо Харди – бас-гитара, Элвуд Фрэнсис – гитара, гармоника, Джеймс Харман – гармоника, Майк Флэнегин – клавишные, Грег Морроу – ударные и Мэтт Сорум – перкуссии. “Big Bad Blues” стопроцентно оправдывает свое название: неприглаженный, разбитной и предельно искренний блюз в своем истинном обличии, вдохновленный творчеством Мадди Уотерса, Бо Дидли и Джерома Грина, чьи композиции ("Standing Around Crying", "Rollin' and Tumblin'" и "Bring It To Jerom", а также "Crackin' Up" соответственно) составили основу этой пластинки. В интерпретации Гиббонса и его банды эти вещи, извлеченные из недр старинных винилов, обрели новую энергетику и харизму.
К слову, и оригинальный материал Гиббонса пришелся им под стать. Грубоватый, прямолинейный блюз-рок с превосходнейшей ритм-секцией, местами ленивый и вальяжно-хулиганский, но вдумчивый, с непринужденными заходами в буги-вуги, по-южному знойный, но при этом энергичный и страстный, с долей маскулинности в духе Джорджа Тарагуда. Хриплый голос Гиббонса отдает атмосферой прокуренных кабаре, перегруженная шероховатая гитара сливается воедино с тягучими руладами губной гармошки, продолжительные соло представляют собой чарующую слух импровизацию, а партии хаммонд-органа окутывают все это ностальгической дымкой.
Здесь вы не найдете претенциозных хитов уровня "Sharp Dressed Man" или "La Grange". Материал "Big Bad Blues" рассчитан на плавное и расслабленное времяпрепровождение, и приятно стимулирует чувства, позволяя купаться в теплых волнах далеких приятных воспоминаний. Причем, речь не идет о брюзгливом старческом нытье в кресле-качалке. Альбом Гиббонса и Ко, хоть и умудрен опытом старой школы, но при этом демонстрирует неимоверную крутизну, первобытную пленительность и сексуальную чувственность настоящего блюза, прямого прародителя многих тяжелых стилей. Многим современным рокерам, к сожалению, далеко до этого.
Легкая небрежность и спонтанность записи при абсолютно детализированном звучании всех инструментов добавляют пластинке сочности и честности. Подобный подход чрезвычайно редок в наши дни, но он-то и выявляет реальное положение вещей. "Big Bad Blues" – это не просто дань уважения легендарным блюзменам прошлого, но и красноречивое свидетельство того, что настоящая живая музыка по-прежнему существует вне всяких временных рамок и новомодных трендов.
Именно на такой музыке вырос Билли Гиббонс и его коллеги по группе, именно ее влияние можно без труда отследить еще на дебютном альбоме ZZ Top, потрудившись извлечь сию пластинку из глубин своего аудио-архива. И именно ее, я уверен, они будут играть до самого конца с полным упоением и чувством собственного достоинства. Такая музыка идет напрямую из души и по сути не нуждается ни в лишних комментариях, ни в каких-либо оценках.
Рецензия на сингл группы Цама Юдж "Последний"
Уже почти полтора года прошло со времени выхода последнего на сегодняшний день релиза Цама Юдж “21”, который был выложен в сеть аккурат в новогоднюю ночь и воспевал вечную молодость и вечный гранж с возрастной отметкой 21. Всё это время группа хранила упорное молчание, а сами музыканты, вероятно, весело и самозабвенно праздновали своё двадцатиоднолетие и пускались во все тяжкие, однако как бы там ни было, сейчас Цама Юдж снова на связи и представляют свой очередной однотрековый сингл с тревожным, интригующим и однозначным названием “Последний”. Последний день до каникул, последний киногерой, последний день на Земле? Но всё мимо и всё не то, Цама Юдж как всегда на совсем другой волне.
Вряд ли музыканты надумали в расцвете сил и лет покидать сцену и решили повесить гитары на гвоздь, скорее, здесь мы имеем дело с проявлением характерного для них готического декаданса и с желанием привлечь к себе внимание после долгой паузы, ну а я, забегая немного вперёд, скажу, что “Последний” уже после первого прослушивания стал моей самой любимой композицией в арсенале группы, даже не смотря на то, что я всегда ценил такие их вещи как “Буду Ждать” и считал их на самом деле очень сильными, интересными и заслуживающими внимания. Кстати, если вы уже знакомы с творчеством этой группы и слышали их “13 синглов” и “21”, то их современная работа может вас очень даже удивить. Но обо всём по порядку.
Упругие, шугейзово-готические риффы и искажённый, словно трепещущий умирающим пламенем на холодном осеннем ветру вокал уже в первые секунды звучания “Последнего” напомнили мне любимцев из Lake Of Tears. Стиль Цама Юдж узнаётся, но это уже не тот раздолбайский, слегка дурашливый почерк, свойственный “Одиночкам”, не нирваноподобное бренчание расстроенных гитар “21” и уж точно не танцевальная мечтательность “Взлетим”, а намного более основательный и увесистый темп, в котором можно без труда узнать фишки патриархов серьёзного готического металла и их же декадентствующий настрой с едва уловимым, но всё равно без проблем узнаваемым привкусом стильного и винтажного пост-панка, который всегда так ценила команда.
Нынешние Цама Юдж более собраны и сконцентрированы, более прицельны и серьёзны, но их особая галлюциногенная настроенность никуда не исчезла, лишь слегка мутировав и поменяв цвет своего плаща. Их гитары теперь тяжелы как свинцовые дирижабли, электроники нет вовсе, а вокал зовёт, стенает и увещевает ещё надрывнее и убедительнее, чем когда-либо раньше. Чем больше я слушал трек, тем сильнее мне слышались и виделись вездесущие Lake Of Tears времён “Black Brick Road”, “Illwill” и даже “The Neonai”, более того, мне стало казаться, что общее со шведами у нынешних Цама Юдж не столько в риффах, ритмах и вокальных ходах, сколько в общей “грибной” эклектике волшебно-мечтательного, приземлённо-повседневного и даже грубо-циничного.
Авторы явно не страдают зашоренностью восприятия и готовы экспериментировать до предела, примеряя на себя личину музыкальных хамелеонов, что им очень даже идёт. Не могу сказать, что их ранее творчество было плохим или слабым, но “Последний” – это материал уже совершенно другого уровня. Эти тягучие гипнотические риффы, кайфующий и доносящийся словно из Зазеркалья голос и гротескные тексты действуют как коктейль из снов, магии и лёгкой сумасшедшинки. Пока сами отцы из Lake Of Tears настойчиво тянут кота за хвост, не желая писать новые песни и выпускать новые диски, на их трон попытались забраться питерцы, от которых этого никто не ждал и ждать не мог, и что удивительнее всего, попытка получилась весьма неплохая.
Сделав шаг в сторону от традиционного и по большей части абстрактного русского рока с влияниями панка, электроники, гранжа и бритпопа, Цама Юдж ничего не потеряли, а напротив, получили и обрели намного больше. Их новый саунд моментально располагает к себе и внедряется в сознание как хитроумный вирус, а жёсткий готик-металлический кач в актуальном треке пришёлся как нельзя более кстати, сделав идеи и задумки авторов более конкретными и собранными, что говорится, бьющими не в бровь, а в глаз. Музыканты реанимировали собственные эксперименты времён песни “След”, но добавили к ним ещё больше резкости, однозначности и упругой риффовой стабильности, что привело к созданию очень яркой и хитовой вещи.
Группа продолжает изыскания на тему сорока оттенков романтики, и, сдаётся мне, это далеко не предел, а нас ждёт ещё немало интересных и неожиданных модификаций музыкального кредо данного коллектива. Хамелеоны есть хамелеоны, и постоянства от них не дождёшься, но именно этим они и интересны. Цама Юдж лихорадит от панка к готике и от гранжа к поп-року, но их музыкальная альтернатива действительно предлагает очень неплохую альтернативу привычным и самоидентичным современным трекам, а с точки зрения их последнего на данный момент сингла “Последний” всё их предыдущее творчество предстаёт как будто в несколько ином свете, обрастая калейдоскопом совершенно новых и неожиданных элементов. Что же будет дальше?
Рецензия опубликована в журнале Rockcor N3 (2020). Заказать журнал:
https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz)
Рецензия на альбом группы Blood Red Throne "Fit To Kill"
Если у кого-то раньше и были сомнения насчет того, чтобы назвать норвежцев Blood Red Throne настоящими классиками жанра дэт-метал, то теперь об это можно говорить абсолютно уверенно. Похоже, что их девятое по счету студийное детище ''Fit To Kill'' напрашивается на звание просто-таки идеального дэтх-альбома, а заодно и одного из лучших релизов этого жанра за последние пару лет. Разменяв третий десяток своей деятельности, скандинавы блестяще отточили свои навыки и, вместо того, чтобы скатиться в бесконечные самоповторы (к чему располагает такой достаточно консервативный стиль), продолжают звучать свежо, убедительно и при этом все также внушительно и брутально.
Как и в прошлый раз, над новой пластинкой трудились: Игнви "Bolt" Кристиансен - вокал, Дэниел "Дод" Олайсен и Айван Гуджик - гитары, Оле Бент Мэдсен – бас и Фредди Болсо - барабаны. Исходя из этого, ''Fit To Kill'' в некотором роде выступает последователем "Union OF Flesh And Machine" (на альбоме можно без труда найти отсылки к предыдущему лонгплею), но при этом по большей выступает за сохранение и развитие исконных традиций смертельного метала. Blood Red Throne уверенно встают плечом к плечу со своими соседями-шведами из Entombed, Vomitory, Grave, Firespawn и при этом представляют вполне серьезную конкуренцию для заокеанской братии в лице Cannibal Corpse, Suffocation, Malevolent Creation, Jungle Rot и др.
Влияние скандинавской и американской дэт-школ достигло своего апогея, позволив выявить оригинальные очертания могучего Кроваво-Красного Трона. Напомним, что над совершенствованием оных музыканты работали все эти двадцать лет наперекор критике, обвинявших их в подражании американцам, и остаточным приливам норвежской блэк-метал волны, особо консервативные представители которой, как мы помним, в свое время заклеймили дэт-метал как коммерческую музыку. Не стоит также забывать, что сам Tchort (Emperor, Satyricon) был одним из основателей Blood Red Throne, и созданный им и его соратниками монстр бесцеремонно расчистил себе дорогу к известности и смог отстоять значимость этого жанра в Норвегии.
Грайндкоровые ноты, опять же в сравнении с прошлым релизом, на этот раз сведены на нет, если они и ощущаются, то в абсолютно ничтожных пропорциях. Все посторонние влияния отошли в сторону, будучи смяты и раздавлены колоссальным напором непреодолимой дэтовой туши. Завлекательная тревожность вступительных аккордов, массивная непреклонность рубящих гитарных риффов и брейкдаунов, текстурированных болезненной мелодикой крутейших сдвоенных соло, некоторые из которых имеют терпкий ориентальный привкус, внушающая восхищение монументальность гулкого шероховатого гроула (по сути гуттурала) Кристиансена, изредка чередующего звериную исступленность с истеричным скримом, а также фундаментальность ударных партий, вобравших в себя убойные канонады отборнейшего бластинга, ломовые квадраты и молниеносные брейки, – все это составило основу ''Fit To Kill''.
Композиции стали техничнее, структура упорядоченнее и органичнее. Музыкантам не чужды ни интенсивные сигнатуры с вариативными перепадами молотобойной ярости и зачатками мелодичности (''Requiem Mass''), ни пафосно-гневные манифесты с исполинской поступью (''Bloodity'') в лучших традициях штатовских команд высшего легиона (заставляющие вспомнить мультяшных Dethklok, но без грамма пародийности), ни свирепые всплески dance macabre c кровожадной нарезкой ("Skyggemannen"), ни откровенно прогрессивные темы ("Deal It Or Die"), совмещающиеся методичную тяжесть качающих риффов и мрачно-безысходных зарисовок. Чем дальше, тем сильнее всепоглощающая масса удушающей ненависти сгущается над слушателем, грозя не оставить от него и мокрого места, а эпилогом всему этому служат искаженные ноты болезненного фламенко…
Сами Blood Red Throne не отрицают, что на ''Fit To Kill'' группа вернулась к своим истокам. Об этом говорят едва уловимые вкрапления хэви и разухабистого трэша, а также искрометность подачи материала, креативный голод и первозданная мощь, что часто встречается у начинающих серьезных команд, и это отлично ощущается в дальнейшем. Однако учитывая возросшую техничность, профессионализм и превосходное чувство меры музыкантов в совокупности с основательным, безупречным отшлифованным саундом, способным поколебать столпы земли, мы видим, насколько далеко продвинулись норвежцы в своем экстремальном ремесле.
Обыгрывая название этого релиза, можно сказать, что он действительно вполне пригоден для убийства… Убийства особо изнеженных обывателей, погрязших в низкопробном болоте фастфудных аудио-нечистот. Сокрушительный, монструозно-монолитный, суровый и в то же время углубленный и разноплановый материал от прекрасно сыгранной команды, находящейся на самом пике своего мастерства.
