РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на альбом проекта Тень Моего Эссе "Я и моя тень"
Каждый меломан знает, что хороший и звучный дебют это хорошо, но преодолеть кризис второго альбома совсем непросто и далеко не у всех это получается. Дело тут в том, что чаще всего треки для первого лонгплея создаются и нарабатываются долгими годами, когда музыкант ничем и никем не ограничен, а работа над вторым диском проходит в атмосфере всеобщего и всевозможного давления, когда сроки поджимают, мнение слушателей накладывает свой безусловный отпечаток, а аура не так давно реализованного первенца, словно тень отца Гамлета, постоянно маячит где-то в ракурсе досягаемости бокового зрения и не даёт расслабиться и спокойно работать над песнями, и как же сложно абстрагироваться от этих изо всех сил тянущих в разные стороны факторов и в итоге не только вернуться на высоту дебютного диска, но стать выше!
Думаю, все или почти все из перечисленных выше факторов так или иначе ощущал на себе автор, мастермайнд и единственный участник проекта Тень Моего Эссе Игорь Хайлук, когда работал над альбомом “Я и моя тень”. Ощущал – и постарался сделать его интереснее и глубже, ещё более углубив изначально подразумевавшуюся названием проекта дневниковость и исповедальную обнажённость. Музыкант идёт с козырей и уже в открывающем диск интро вводит в обиход deux ex machina классической литературы – есенинского чёрного человека, говорит о котором Игорь с максимальной драматичностью и даже с надрывом. Болезненность и потерянность, свойственные лирике всё того же Есенина, Пастернака, Блока и иже с ними, обступают слушателя плотной чередой теней, а тревожные фоновые скрипки лишь ещё более углубляют драматизм момента.
Поэтичность – это определённо хорошо, особенно учитывая то, насколько мало в наше время в ходу жанр тяжёлой, мрачной и по-настоящему серьёзной мелодекламации. Помимо Чёрного Обелиска с его “Аве, Цезарь”, Сумеречной Депрессии и проектов вроде Art Faina или сборного коллектива Павла Карачина даже и вспомнить особо некого, но нет, Игорь Хайлук не имел в планах сделать альбом мелодекламаций, и уже второй трек под названием “Бесконечно один” возвращается к песенности и к куплетно-припевной форме. Влияния классической Агаты Кристи и Отто Дикса уверенно выходят на первый план, однако литературность не пропадает всуе и продолжает проявляться снова и снова на диске в виде сэмплов с интересными литературными цитатами, которые своей особой ретроспективностью всемерно углубляют декаданс пластинки.
Трудно не заметить, насколько увереннее и сильнее стал звучать голос Игоря, как удачно и к месту использует он наработки Blutengel и L’ame Immortelle, умело соединяя их с характерными ходами и мотивами классических готик-роковых коллективов. Звук современных Тень Моего Эссе насквозь синтетичен и наэлектризован, а в третьем треке под названием “Открой глаза”, видимо не желая отпускать внимание слушателя и переставать шокировать и удивлять, в ход идёт отвязный речитатив, продолжающий развиваться и разворачиваться под тяжкий индустриальный нойз в сменяющей её композиции “Кровоток”. Несмотря на то, что “Я и моя тень” не является мелодекламацией в полном и собственном смысле слова, поэзия и литературность определённо составляют основу, ядро и сердцевину данной работы, определяя её специфику.
Альбом непредсказуем и на самом деле развивается весьма странно и алогично: пятая вещь неожиданно следует в духе готической меланхолии Кукрыниксов, а индустриальный шум сменяется вполне традиционными рок-риффами и таким же каноничным рок-ритмом. Отличная баллада “Мама” усиливается схожей с ней по настроению “Адель”, а затем нас ждёт окологотическая дельфинизация “Едут Поезда”. Необычно звучит вокал в симфоническом рок-эпике “Когда-нибудь”, ещё более необычной кажется расслабленная электро-готика “Не закрывай лицо руками”, а заканчивается всё ещё одной отчаянно экзальтированной поэтизацией в мелодекламационном интро “Промелькающие ленты”, где экстатический надрыв автора и медитативная глубоководность музыкального сопровождения почти сливаются воедино.
Такие альбомы как “Я и моя тень” надо издавать в виде шикарного дигибука с толстенным буклетом и стилизованными под старину гравюрами-иллюстрациями наподобие тех, что были на ранних релизах Сумеречной Депрессии, чтобы перелистывать его наподобие настоящей записной книжки и с каждым движением всё глубже погружаться в старину, в винтаж, в рефлексирующий декаданс и пыльную поэтическую архаику. Я не сомневаюсь, что в данном случае подобный релиз это всего лишь вопрос времени и Игорь справится с подобным изданием мастерски, ну а пока этого не произошло, есть возможность наслаждаться цифровой версией альбома и напитываться его упадочно-танцевальными настроениями и хорошими (и главное – на самом деле по-настоящему разнообразными) стихами.
Автор играючи преодолел пресловутый кризис второго альбома и даже, кажется, не заметил его, а та лёгкость, с которой он переходит от грузного меланхоличного рока к грузному готическому авангарду, от них к мечтательной синт-электронике, а затем к индустриально-речитативным экспериментам и обратно к меланхоличному року, способна вскружить голову не хуже американских горок. Собственно, альбом по сути своей и напоминает вот такой непредсказуемый окологотический роллеркоастер, а пока мистер Шаблон нервно курит где-то в сторонке, какой-то серьёзный и немного грустный голос за кадром устало интересуется: “Ты сегодня опять забыл принять риталин?”. Конечно, это не ответ на вопрос, стоит ли слушать этот альбом и хороший ли это альбом, но кто сказал, что ответы вообще существуют и должны существовать?
И, кстати, ещё Джек Керуак, помнится, изрёк: “Мне нечего предложить миру кроме собственного заблуждения”, но как часто мы осознанно выбираем заблуждение и продолжаем с упоением наступать на одни и те же грабли по одной только той причине, что это радует и приносит нам удовольствие! Примерно то же самое можно сказать и про альбом “Я и моя тень”. На диске полно мрачных, декадентских, порой совершенно разрозненных и казалось бы абсолютно никак не связанных друг с другом ингредиентов, но он воспринимается как единое целое, опьяняет, влечёт и чарует своей невероятной откровенностью и предельной обнажённостью, а театральные, порой чересчур нарочитые и нарочно доведённые до предельного контраста интонации автора цепляют и надолго остаются в памяти. Альбом яркий и контрастный, и этого у него не отнять.
* Рецензия подготовлена для журнала RockCor и опубликована в номере 7 за 2019 год
Рецензия на альбом группы Move The Moon "The Aim Of Supreme Entity"
Основательные сибирские дэткорщики очень долго записывали свой второй альбом, в общей сложности у них ушло шесть лет на то, чтобы удовлетворить свой голод перфекционизма и сделать всё на таком уровне, чтобы можно было выпустить и реализовать пластинку (именно столько прошло с момент выхода их дебютной работы в 2013 году). Сами музыканты сейчас называют свой материал оккультным и концептуальным, проводят параллели с Volumes, I magnified и даже с Melechesh, суля попутно множество космических тайн и неисповедимых глубин, более того, уже в кратком самоанонсе прямо указывают на то, что это будет “больше чем просто музыка”. А что может быть больше чем музыка? Платон и Архимед ответили бы однозначно и предельно кратко: математика. И если судить по предыдущей полноформатной работе коллектива, без теорем и аксиом в данном случае определённо не обойдётся.
Дебютник “Introduce To The Knowledge” хоть и был неплох, но как очевидно явствует из названия, представлял из себя всего только лишь введение в знание, пролог, увертюру, присказку, а полноценный разговор нас ждёт на “The Aim Of Supreme Entity”. Авторы умело раззадорили аппетит своей аудитории, выложив треклист, сингл и обронив между делом, что шесть из десяти подготовленных для альбома треков будут фит-композициями, записанными с приглашёнными музыкантами, и действительно даже беглого взгляда на треклист достаточно, чтобы понять, что недостатка в гостевых знаменитостях в данном случае не наблюдается: Роман Arsafes, Константин Будяков, John Hawkins- это только часть тех людей, которые решили погостить на актуальном CD, однако (видимо, чтобы не нарушать математические принципы) фитов в итоге оказалось всё-таки не шесть, а пять (ровно столько же, сколько и безфитовых композиций).
“Радио Молчание” называется открывающий релиз трек, и данная сюита с первых секунд своего звучания готова вдоволь нашпиговать ваше сознания атональными гармониями, алогичными сменами ритма и напористой вокальной патетикой. Есть во всём этом даже нечто от современных Septicflesh – Move The Moon одновременно меланхоличны и напористы, а жалеть оккультного тумана совершенно точно не намерены. Недостатка в математичности и удивительно правильных, поистине с аптечной точностью выверенных соотношениях на альбоме тоже совершенно не наблюдается, что становится очевидно уже в этой первой вещи, которая звучит как формула всего ставшая вдруг звуком. В какой-то вязкий психоделический сумрак погружают нас музыканты аккурат в середине композиции, и по вкусу он напоминает что-то среднее между “Фобиями” Voivod, экспериментами Tool и всё теми же греческими жрецами-гедонистами из Septicflesh.
Суровый “dragonvoice” – это ещё одна черта, которая роднит Move The Moon с греками. Увы, женского вокала подобного ангельскому пению Натали Расоулис на “The Aim Of Supreme Entity” запланировано не было, однако даже без него пластинка совершенно не кажется имеющей недостаток в глубине или обделённой какими-либо секторами из эмоционального спектра. Очень впечатляюще звучит эпичное полотно под названием “At The Edge Of Sephiroth”, в создании которого как раз принял участие Роман Arsafes: за знойным южным вступлением, напоминающим по атмосфере терионовский “In The Desert Of Seth”, следуют исповедально-шизофреничные фрагменты, обильно наползающие друг на друга, а затем всё ниспадает в отчаянную вселенскую монументальность, в которую каким-то удивительным и непостижимым образом оказывается вписана меланхоличная психоделика вечного блэксаббатовского “Planet Caravan”.
Соборная “A Hypersphere”, в создании которой принял участие Данил Орлов, звучит как тревожный апокалиптический warning, гремящий на всю вселенную, а дуэт скрима и гроула очень интересно накладывается на хоровые партии и чистоголосые распевки. Психоделические фрагменты контрастно противопоставляются в этой вещи напористому металлическому крошеву, в снежном мареве которого то и дело проступают сочные риффы. Эффектно звучат чистоголосые распевки и намёк на хоры, которые со всё большей интенсивностью начинают проявляться после того как композиция перевалит за середину. Математическая выверенность и идеальные геометрические пропорции трека впечатляют, и даже сам Пифагор наверняка оценил бы стремление музыкантов всё делать в соответствии с законами Вселенной и не грешить против её предвечного порядка.
Очень интересно звучит “Changeling”, которая как будто совмещает в единое целое разнообразные творческие интенции таких групп, как Samael, The Kovenant, Melechesh, Suffocation и Morbid Angel. Техничность на грани фантастики и полная непредсказуемость ритмических и эмоциональных переходов делают эту вещь и альбом в целом подобными калейдоскопу-фантасмагории, где практически невозможно предугадать, какой узор и какое явление предстанет перед глазами в следующую секунду. Показательна в этом плане титульная вещь, записанная совместно с Noetoneya, которая бросает слушателя из пламени в холод, массированно и молниеносно перемежаясь от речитатива к задумчивой меланхолии. Музыкальная полифоничность состава очень ярко проявляется в этой вещи и порой начинает казаться, что перед нами несколько самостоятельных гармонический линий, наслаивающихся друг на друга.
Дискотечные пульсации и чистоголосый припев “Birth Of The Time”, записанной совместно с Константином Будяковым, приносят на альбом россыпи прозрачной звёздной мечтательности, а сменяющая её “Astral Kingdom” скроена по аналогичной схеме и точно так же рассыпается в припеве астральными синтезаторами и чистоголосыми напевами. “Grand Emissary” представляет собой квинтэссенцию всех самых брутальных и жёстких тенденций альбома, шикарная инстурментальная вещь “Until The Beginning Of Prophecy” в плане драматической пронзительности может дать фору всем другим трекам с диска и тоже по-своему напоминает Septicflesh и их молчаливые этюды вроде “Enchantment”, а напоследок нас ждёт невероятный напор концентрации и силы в треке с причудливым названием “Kwisatz Haderach”, где в припеве на нас обрушатся сокрушительные грегорианские хоры и густые клубы восточного этнического колорита.
Если дебютный лонгплей Move The Moon принёс мне больше вопросов, чем ответов, оставив по прослушивании чувство недосказанности и зияющих многоточий, то “The Aim Of Supreme Entity” однозначно расставляет все точки над “ё”. По сравнению с первым диском, актуальная работа выглядит более основательной, целостной и продуманной, более уверенной и мощной, и в то же время более новаторской, экспериментальной и самобытной. На альбоме больше интересных и необычных фрагментов, которые соединяясь друг с другом, образуют словно в мозаике уникальное творческое кредо современных Move The Moon. Авторы обещали обновление концепции и не обманули. Их ритуально-космический оккультизм припечатывает к земле с подлинностью и монументальностью серьёзного алхимического талмуда из прошлых веков, но в то же время совсем не кажется надуманным или искусственными.
“The Aim Of Supreme Entity” – сложный альбом, в котором будет не так уж легко разобраться и сходу правильно расставить смысловые акценты. Сложные структуры треков, сложные для восприятия и интерпретации тексты, достаточно насыщенный и многоступенчатый саунд, множество вокальных линий – всё это сообщает релизу непременный налёт оккультной элитарности. На диске достаточно простых и хитовых мелодий (взять хоть ту же “Birth Of The Time”), но это не делает его проще, а причина тому – всеобъемлющая космическая медитативность, благодаря которой компакт напоминает аудиокнигу или аудиотренинг. Стоит всего лишь включить диск, и нейронные схемы мозга начинают перестраиваться, складываясь в причудливые эзотерические символы, а где-то глубоко в душе просыпается тоска по нашей небесной космической отчизне. Сильные и необычные чувства.
Рецензия на сплит Nervous Impulse, Meat Cutting Floor, Japanische Kampfhörspiele, Brud "Grind Cuts"
Хорошая всё-таки и интересная вещь – география, а ещё более интересна она и хороша, если узнаёшь о национальных особенностях разных территорий под любимую музыку и с помощью любимых групп! Сейчас перед нами ещё один отличный грайндовый сплит от More Hate Productions, во время прослушивания которого мы окажемся сначала в Канаде, затем в родных российских, но от этого не менее экзотических и интригующих широтах, потом в Германии и, наконец, на Украине. Для больше удобства на заднике данного компакта издатели даже поместили географическую карту, и там цветом и пунктиром выделили интересующие нас с вами в данном случае страны, а поодаль прикрепили логотипы групп, в этих странах произрастающих, которые удостоились почтить своим присутствием рецензируемый сейчас 4-way-split.
“Грайндкор не знает границ!” – читаем мы надпись на пяти языках, едва открываем слипкейс, а внутри буклета виднеются фото музыкантов каждой из групп, их лайн-апы и прочие “кредиты”. Как гласят буковки поменьше, размещённые чуть выше данного громкого лозунга, актуальный сплит посвящён десятилетию творческой активности канадских бруталлерос из Nervous Impulse, а пришедшие поддержать их немцы из Japanische Kampfhorspiele и вовсе злобствуют и гремят уже 20 лет, из чего становится совершенно неудивительно, что даже Darknagar Records решил поддержать данную компиляцию своим значком и поучаствовать в издании, что бывает в последнее время не так уж и часто, а обложка диска как будто провозглашает: “мясоеды, готовьте ножи и вилки, наполняйте кружки и садитесь за стол, ибо у нас сейчас будет огромный пир!”
Не стоит делать из своего прошлого священную корову – любят повторять ученики Конфуция и Лао Цзы, но вот почему бы не представить грайндкор и его поджанры в виде такого рогатого млекопитающего? Именно так и решили сделать издатели сего опуса и даже попробовали провести параллели-ассоциации между разными частями-органами флегматичной бурёнки и каждой из помещённых на сплите команд (эх, чую я, Барни из Napalm Death и Ларс из Entombed не одобрили бы эту идею). Не буду уподобляться герою фильма “Полосатый рейс”, который рассказывал, где у тигра вымя и прочие части, пытаясь объяснить на пальцах, какой из отмеченных пунктиром кусков как называется, однако очевидно, что самая лакомая и ценная часть в данном случае это то, что ближе к голове и соответствует канадским виновникам торжества.
В том, что участники Нервного Импульса умеют играть быстро, технично и брутально - сомнений ни у кого, думаю, давным-давно нет, и даже самые ленивые флегматики на данный момент успели послушать и заценить хотя бы один из их лонгплеев или по крайней мере кое-что из многочисленных сплитов, на которых так любят появляться Nervous Impulse. Сказать, что канадцы играют жёстко и шквально, это, пожалуй, ничего не сказать. Если с кем-то или с чем-то сравнивать команду, то только с адским взбесившимся бульдозером, который рычит, хрипит и булькает, остервенело затрамбовывая всё и всех в асфальт. Кстати, самая мощная и безумная из представленных на данном релизе композиций квинтета это финальная “More Hate”, которую они посвятили своему горячо любимому лейблу, и по крайней мере эту вещь нужно послушать обязательно всем-всем, потому как трек действительно исторический и замечательный.
Россияне из Meat Cutting Floor более сдержанны и не столь упирают на зверский карающий шред, предпочитая ему хорошую дозу юмора и смачные риффы. Они не ленятся использовать для самовыражения практически все традиционные грайндовые приёмы, но делают это настолько творчески, авторски и нешаблонно, что не восхититься их великолепию просто невозможно. Мощь и артовая находчивость отличают буквально каждый звук в их композициях, и все они в совокупности воспринимаются с огромным наслаждением и смаком. Недостаток у российской сборной в данном случае только один: треки Meat Cutting Floor имеют предательски малую длительность, и их пять грайндовых сюит пролетают как барон Мюнхаюзен над Парижем верхом на пушечном ядре. Уже при первом ознакомительном прослушивании данного сплита, я не удержался и прогнал их треки туда-сюда по три раза кряду, попутно приговаривая “красота-красота-красота” и лишь затем перешёл к материалу немецких коллег Meat Cutting Floor.
И немцы из Japanische Kampfhorspiele не сильно отстают от именинников в напоре и технике, а, вероятно, кому-то их более осмысленный и менее расторопный кач понравится даже больше. Играют они очень основательно, вдумчиво и совершенно не торопясь, по ходу дела с удовольствием смакуя каждый рифф и каждую сбивку. Нет, в их треках достаточно и скоростных пассажей, но даже их они выдают как будто безо всякой спешки и суеты: уверенно, расслабленно и почти “одной левой”. Даже во внешнем виде музыкантов есть что-то хипстерско-панковское, и их музыка на поверку тоже оказывается не лишена хорошей (и адекватной) прививки классического панка, а также особого немецкого колорита. Мне не доводилось ранее слушать Japanische Kampfhorspiele, и их пять треков, представленные на Grind Cuts, стали для меня просто находкой и откровением, поразив своей изобретательностью и непредсказуемостью.
Украинцы Brud тоже далеко на новички на тяжёлой сцене, а рецензируемый сплит стал для них взлётной полосой для возвращения после долгого молчания, в связи с чем ребята постарались и выдали на гора целых семь композиций, оснащённых зверским гуттуралом и воинственными риффами. В плане инструментала музыканты как будто смешивают в равных пропорциях бенедикшноподобный дэт и стафф в духе Kataklysm, однако недостатка в зверских грайндовых фрагментах в их треках тоже совершенно не наблюдается. Яростные гитарные эскапады и настойчивая канонада ударных в исполнении Brud будут обрабатывать ваши уши то свирепо и яростно, то задумчиво и почти меланхолично (я бы даже сказал, почти “упоительно”), и хотя никаких каверов на украинские народные песни и тому подобного национального колорита я от них так и не дождался, звучит их сторона всё равно достойно и интересно.
Если у вас, как и у Натальи Медведевой когда-то, по географии была тройка с натяжкой, самое время это дело исправлять, и “Grind Cuts” станет в этом плане отличным подспорьем. Сплит на самом деле получился топовый и ломовой, начиная от изящного оформления и заканчивая великолепным материалом всех без исключения команд, которые отлично дополняют друг друга. Лично я так и не смог решить, какой из представленных на компакте коллективов понравилась мне больше всего, а Meat Cutting Floor и Japanische Kampfhorspiele порадовали настолько, что оба состава разом я готов записать в открытие года в жанре брутального дэт-грайнда. Итог предсказуем: для фанатов и поклонников жанра “Grind Cuts” - абсолютный мастхэв, а все иные и прочие, не имеющие аллергии на входящие в состав грайнда компоненты и составляющие, тоже наверняка получат немало позитива от такого праздничного и жизнерадостного релиза!
И не обращайте внимания на Ларса и Барни. Автор этих строк тоже всю жизнь (и до сих пор) придерживается вегетарианской диеты, однако от дегустации “Grind Cuts” не только не удержался, но и получил массу прекрасных впечатлений, и знаете, что всё это доказывает?.. Правильно: “Грайндкор не имеет границ!”. В те далёкие лохматые годы, когда мы с вами просиживали и протирали штаны на уроках геометрии и прочей алгебры в школе, подобные умозаключения было принято завершать триумфальным возгласом “ЧТД!” (что и требовалось доказать), а More Hate Productions, как и когда-то Чак Шульдинер со своим дэт-металлом, доказывает сейчас правильность, “законность”, музыкальность и прочие инвазивные свойства грайндкора, и это у лейбла получается просто на “ура”: после таких шикарных грайндовых релизов, как диск Anus или сплита The Daily Grind, актуальный компакт заходит великолепно.
Рецензия на альбом группы DomiNatioN "На пределе"
Если хочешь довести кого-то до предела, то всё просто: властвуй, доминируй и тому подобное – кажется такими или похожими соображениями руководствовались участники молодой саратовской капеллы DomiNatioN, когда работали над своим дебютным полноформатником. Ребята собрались ещё в 2009 году и сразу же выбрали символ группы, которым стал лохмато-хвостатый хищник, ассоциирующийся с господством и доминированием. Тогда же было принято решение о том, что доминированием в исполнении DomiMatioN будет заведовать не фронтмен, а фронтвумен, и группа с головой окунулась в репетиции, концерты и работу над демо и синглами, а в конце 2012 года музыканты даже записали и реализовали целый EP.
Альбом “На пределе” по своей сути является сборником-ретроспективой, в котором нашли отражение все основные этапы становления команды, бережно собранные и огранённые камешки с их пути, длинной в десять лет. Те, кто следил за развитием этого саратовского дивизиона, наверняка знает некоторые из представленных на пластинке композиций, однако если вы не можете похвастаться такой глубокой и детальной осведомлённостью, то “На пределе” скорее всего станет для вас идеальной возможностью познакомиться с материалом коллектива и составить своё собственное мнение о том, почему стоит добавить DomiNatioN к себе в плейлист или наоборот держаться от этих треков как можно дальше.
Следуя примеру поздних Annihilator нынешние DomiNatioN предпочитают называть свою музыку просто метал, однако в музыке команды без труда прослеживаются элементы модерн-металла, мелодик-металла, грув-металла и мелодик-дэта, а если вы до сих пор так и не решили, кого любить и котировать больше - The Agonist или Arch Enemy, то перед вами сейчас переходное звено, которое вполне может примирить эти противоборствующие полюса. Не упирая на технику и не увлекаясь упоительным мело-дэтовым винегретом, DomiNatioN балансируют на грани, и как все истинные пограничники свято соблюдают изначально выбранный баланс между напором, драйвом, мелодиями и эмоциями, коих в их музыке на самом деле довольно много.
Кстати, что касается вокала, то в нации доминаторов за десять лет успело побывать аж восемь вокалистов и вокалисток, а для записи “На пределе” к микрофону были приглашены Екатерина Михеева и Людмила Саенко. Результат радует и впечатляет: дуэт чистого мелодичного и экстремального вокалов в арсенале DomiNatioN выглядит эффектно, и тем эффектнее, что харш-гроул в исполнении нынешней вокалистки звучит временами почти как кредловский скрим (“Обман”), а разные вокальные техники умело чередуются друг с другом. Чего-чего, а скучать вам по мере прослушивания альбома точно не придётся, ведь предугадать, что придёт на ум вокалисткам в следующую секунду не так-то просто, а их изобретательные голосовые упражнения совершенно не имеют недостатка в эмоциональности и характерных доминантных нотках.
Череда бодро нанизываемых друг на друга соло, а затем такая же энергичная вокальная солянка встречают нас в треке “Битва”, с которого начинается диск, и этот простой, напоминающий ранних Graveworm и раннюю Anckora номер даёт понять, что альбом будет атмосферным, мелодичным и не раз порадует слушателя запоминающимися чистоголосыми припевами и угрюмым харш-ворчанием. Так оно и будет. Титульная вещь более сложна и изобретательна в плане структуры, в ней больше чистоголосых распевок, а в припеве чувствуется даже своеобразная эпичность, которая ещё более углубляется в треке “Обман”, утяжеляется в “Зоне Комфорта” и обрастает густыми парами меланхолии в “Шторме”, после чего команда триумфально выходит на финишную прямую с более хитовыми, знойными и приятными мелодиями.
Песни на альбоме имеют относительно малую длительность и по этой причине разлетаются как горячие пирожки, не успевая надоедать или приедаться. Идея скрестить The Agonist и Satyrian оказалась мудрым решением, и хотя в середине пластинки “Обман”, “Зона комфорта” и “Шторм” способны наводить на не самые светлые размышления, а сменяющая их “Маски” звучит не намного оптимистичнее, припасённые музыкантами на десерт “Не спасти” и “Теряя себя” вносят свежую струю сладко-чарующей мечтательности – той самой, с которой альбом и стартовал. Что ни говори, а чистые голоса и эмоциональные мелодии делают музыку DomiNatioN заметно интереснее и ярче. С другой стороны, альбом можно воспринимать как некий музыкальный аналог символа инь-ян: четыре гипермелодичных и четыре более тёмных и суровых номера размещены и звучат так, что каждый наверняка найдёт среди них то, что по вкусу лично ему.
Мне понравился коктейль, который приготовили для нас на своём дебютном полноформатнике саратовские мело-модерн-доминаторы, а единственный минус актуальной работы, как я вижу, в недостаточном пока ещё уровне сыгранности музыкантов, что становится явно видно, если сравнить “На Пределе” с работами тех же Arch Enemy и The Agonist. Не имея недостатка в ярких цепляющих риффах и смачных мелодиях, ребята на данном этапе своей деятельности далеко не всегда могут адекватно и на должном уровне справляться с тем многообразием смен ритма и музыкальных тем, которые предполагает их материал. Тем не менее, уже сейчас композиции с актуального диска имеют собственный почерк, легко запоминаются и надолго оседают в памяти, а чисто музыкальные идеи и композиторские решения хотя и не идеальны, но интересны.
Авторы нашли свой собственный, очень неплохой стиль, с видимым удовольствием предаются сочинению и исполнению тяжёлых и ритмичных боевиков с буйством мелодий и неожиданных ходов в припевах, но чего пока ещё не достаёт на данном этапе, так это техничности и некоторой объёмности, изощрённости. Если инструментальная составляющая станет сложнее, глубже и разнообразнее, их идеи однозначно засияют новыми гранями и предстанут в совершенно ином, куда более выгодном и впечатляющем свете, ну а пока – перед нами хороший, плотный и достаточно крепко сбитый альбом, песни с которого будет приятно переслушивать снова и снова дома, попутно представляя, как здорово оторвёшься под них в ближайшие выходные на каком-нибудь локальном сейшне. В случае же если сейшна ждать слишком тягостно и долго, то можно не откладывать в долгий ящик и устроить безумный карнавал прямо дома и прямо сейчас – и уж конечно, доминировать, доминировать и ещё раз доминировать, как заповедал великий и вечный В.И. Ленин (гм, или про что он там говорил в своих знаменитых крылатых лозунгах?....)
* Рецензия подготовлена для журнала RockCor и опубликована в номере 7 за 2019 год
Рецензия на альбом группы Марко Поло "Шёлковый путь"
Главные гиды и экскурсоводы отечественного фолк-рока под предводительством вокалистки Людмилы Савостьяновой снова на марше, и на этот раз Марко Поло приглашают своих слушателей пройтись вместе с ними по шёлковому пути. Слово “шёлк” в названии альбома уже само по себе как бы намекает, что в этот раз будет больше нежности, лёгкого шелеста, эфирных материй и прозрачных очертаний… и да, всё в точности так и есть! Мы все привыкли слышать от этой группы волшебный арт-фолк-рок в традициях Blackmore's Night и Мельницы, но в этот раз те, у кого с именем Марко Поло сложились именно такие ассоциации, будут наверняка немало удивлены.
Как вы наверняка знаете, Великий шёлковый путь — это историческое название караванной дороги, связывавшей Восточную Азию со Средиземноморьем в древности и в Средние века. В первую очередь этот маршрут использовался для вывоза шёлка из Китая, с чем и связано его название. Путь был проложен во II веке до н. э., вёл из Сианя через Ланьчжоу в Дуньхуан, где раздваивался: северная дорога проходила через Турфан, далее пересекала Памир и шла в Фергану и казахские степи. А что всё это значит? Конечно, то, что сейчас нам снова предстоит отправиться в далёкий путь, а посетим мы множество восточных стран с их незабываемым жарким колоритом!
По крайней мере три трека на альбоме явно написаны под большим влиянием world music, нью-эйджа и таких групп как Enigma, X-Perience, Era, The Clannad и Эньи. Расслабленный поп-ритм, тёплый, благожелательный вокал, адекватные этно-вкрапления, чарующие гипнотические мелодии и такой же набор используемых слов – всё в композиции “Сердце Океана” предрасполагает к релаксации и наверняка будет созвучно желающим отправиться навстречу приключениям фолк-пилигримам. Традиционные фолк-мелодии слышатся в “Золоте пиратов”, но очень скоро музыкальное обрамление делает резкий крен в сторону, и на слушателя обрушиваются почти джазовые гармонии и неожиданные аранжировочные решения.
“Кайлас” чуть ближе подбирается к привычному стилю команды, но музыканты всё ещё экспериментируют с жанрами и несвойственными элементами, и звучит этот трек очень полётно, воздушно и легко. А вот в “Мастере Кунг-Фу” тяжёлые гитары, бодрый ритм и хардроковый драйв, которыми всегда славились Марко Поло, возвращаются в музыкальный alma mater команды, и мы слышим традиционный саунд группы, за который некогда полюбили их прежние релизы. “Посидим” – это тяжёлый и качёвый фолк-рок с буйством восточных мелодий, а вкрадчивая баллада “Путеводная Звезда” наверняка сильно порадует фанатов группы Блэкмора и Кэндис Найт.
Отрывисто-контрастная вещь “Самурай” напомнила мне Within Temptation, и их знойные хиты, под которые так приятно и естественно прыгается в такт с Шэрон ден Адель на концертах; “Стамбул” дышит горячим песком Востока, щедрой рукой внедряя на пластинку размашистые этно-мелодии и чётко впечатывая их в сознание плотным, чеканящим дисторшном ритм-гитар, ну а нежный арт-фьюжн-инструментал под названием “Старый Город” – это просто чистый релакс и мечта. Вот так очень быстро, почти мимолётно, но ярко и с массой запоминающихся моментов пролетает это путешествие по Шёлковому Пути в компании с Марко Поло.
Интересно наблюдать, как развиваются и эволюционируют некогда начинавшие с очень похожей музыки Марко Поло, Ignes Fatui и Felidae: все эти группы формально по-прежнему находятся в рамках арт-фолк-рока, но каждый из упомянутых коллективов по-своему развивает и дополняет изначально выбранный стиль, сглаживая углы, смягчая и растворяя шаблоны и общие места, ну а следить за таким постепенным преображением устоявшихся канонов и клише поистине одно удовольствие. По мере прослушивания диска, мы станем свидетелями того, как сказка переходит в мечту, фолк переходит в этно, а затем они встречают друг друга, пройдя весь круг алхимического превращения.
В последнее время на сцене всё больше интересных групп, которые творят в жанре прогрессивного фолк-рока, и данному обстоятельству можно только порадоваться. У “них”, там за бугром, это Auri, Leah, Cellar Darling, у нас – Марко Поло, Ignes Fatui, Felidae, Оля и Домовые. Каждая из этих групп создаёт свой собственный мир, в котором свои луна и звёзды, своя эмоциональная атмосфера, свои боги и демоны – что говорится, выбирай на вкус – и Вселенная, в которой творят и живут Марко Поло, это земля чудес и волшебства, сбывшейся мечты и воплотившейся надежды. Здесь нет места для зла и жестокости, для подлости и предательства, а всякий кто устал и хочет отдохнуть душой, окунувшись в добрые приключения, гарантированно обретёт то, что ищет. Седлаем воображаемых верблюдов и отправляемся в увлекательнейший трип по Шёлковому пути!
* Рецензия подготовлена для журнала RockCor и опубликована в номере 7 за 2019 год
Рецензия на сплит Vedmak / Wolf's Hunger "Split"
Едва я начал знакомство со сплитом удмуртских блэкарей из Vedmak с сербскими чернометаллистами из Wolf’s Hunger, как на меня накатила ностальгия, и приятные воспоминания повалили просто толпой. Помнится, в середине 90-х один из моих “боевых” метал-товарищей одно время работал в пресс-центре КТР, и там ему нужно было отвечать на письма страждущих и фанатеющих последователей Паука. Интернета в те времена, как вы понимаете, не было, бумажные письма по-прежнему являлись единственной возможностью держать руку на пульсе своих любимых музыкантов, и заинтересованных в том, чтобы купить на почте или в киоске роспечати конвертик, взять школьно-письменные принадлежности и что-нибудь накрапать было довольно много. Так вот, в письмах иной раз случались просто перлы. В одном из них некий оригинал на полном серьёзе писал: “Мне очень понравился альбом Коррозии 1966 года, только я никак не могу понять, как он называется, подскажите, пожалуйста.”
К чему я это и как эта забавная ситуация связана с данным сплитом? А весьма опосредованно, но всё же связана. Дело в том, что нынешний Vedmak исполняет нечто экспериментальное, что отдалённо напомнило мне как раз Коррозию времён альбома “1966”. Паук в те времена называл свой материал индустриальным дэтом, я же отчётливо слышал на этом диске очевиднейшие цитаты из Venom, вот и отложилось у меня в сознании, что экспериментальный трэш-блэк-дэт-индастриал может звучать в том числе и так. Конечно, “ведьмаки” играют более блэково, угрюмо и сумрачно, чем Коррозия, у них меньше трэшевости, вокал грубее и ниже, но всё равно в атмосфере и в текстах, как я вижу, царит и бесчинствует всё тот же оголтелый “ритуал сожжения трупов”. Музыканты явно котируют современный блэк-дэт за мощь, силу и напор, а Marduk с Behemoth значатся в числе их фаворитов, однако помимо всего прочего они стараются играть максимально технично, и порой их деструктивные сюиты на самом деле звучат довольно слаженно.
Вот отгремели три собственных русскоязычных трека Vedmak, и они затянули кавер на сатириконовскую “Wolfpack”, словно призывая выйти из мрака и сделать шаг к колдовскому костру своих сербских коллег-однополчан, а Волчий Голод не заставил себя долго ждать. Не случайно эти группы решили сообразить в плане релиза на двоих и замутили сплит: сербы на самом деле исполняют нечто очень схожее с композициями Vedmak, но вокал у них более хриплый и колдовской, риффы более качающие и дарк-блэковые (примерно как у Barathrum), прямолинейного трэшевого чёса на порядок больше, саунд не такой плотный и жёсткий, а на поверхность то и дело выныривают достаточно мелодичные и аккуратные соло. Земляки Милорада Павича обошлись всего двумя сюитами собственного сочинения, а затем решили сразу же перейти к бонусной секции с каверами, где удобно разместилась их перепевка слееровской классики “Die By The Sword”, которая в их исполнении оказалась максимально приближена к оригиналу, но звучит чуть более вязко и болотно, не имея арайевской экспрессии и предпочитая другие звуковые настройки и регистры.
Обе группы отстреляются в случае с данным сплитом менее чем за полчаса и отнюдь не будут злоупотреблять вашим вниманием. Оно, наверное, и правильно: лучше оставить слушателя недокормленным и смотивировать его самому попросить добавки, чем насильно перекармливать и вызывать зевотные или, того хуже, рвотные рефлексы. Я буквально кожей чую, как гордятся своим сплитом и Vedmak, и их сербские alter ego (энтузиазм так и брызжет из картонной четырёхстраничной вкладочки буклета, где помимо текстов обеих команд, мрачных черепо-визуализаций и перечислений их лайн-апов затесались ещё по паре слов от авторов в адрес интересующихся), и в данном случае это оправдано: ребята потрудились, перебарщивать и стараться прыгнуть выше головы не стали, а со звоном, чадом, копотью и горящими глазами исполнили то, что радует и приводит в восторг их самих с тем, чтобы порадовать тех, кто имеет такие же или сходные вкусы. Меня порадовало. Сплит вышел ритмичный и качёвый (особенно для блэка), а потому – ставим на repeat и на радость соседям скандируем: “ри-ту-ал сож-же-ни-йа тру-у….”.
