ФОРПОСТ МУЗЫКАЛЬНОЙ АНАЛИТИКИ
АЛЕКСЕЯ ИРИНЕЕВА (МУЗЫКАЛЬНЫЙ ЖУРНАЛИСТ)

РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ

Рецензия на мини-альбом группы Eonic "Sunflowers"

06-10-2019 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

Подсолнухи – это хорошо, красиво и эстетично. Перед очарованием подсолнухов не могут устоять ни поп-модели, ни суровые Paradise Lost (“парадайзы” позируют на фоне поля с подсолнухами на промо-фото к альбому “Tragic Idol”), ни эзотеричные Dead Can Dance (подсолнухи красуются на обложке и в буклете альбома “Anastasis)”, стоит ли удивляться, что талантливые питерские экспериментаторы из Eonic, также известные по проекту N-616, тоже не преминули поместить маленькие цветочные солнышки на обложку своего релиза и назвали в честь них диск. Поместили, назвали, и… мрак, готика и дарк-эмбиент, немало занимавшие авторов-креативщиков из Eonic в далёком и недалёком прошлом, ныне окончательно ретировались, уступив место вполне себе солнечному (и подсолнечному) лаунжу. Но кто сказал, что это плохо?

Электронные хамелеоны, скрывающиеся за псевдонимами Z и VS не были бы сами собой, если бы повторялись, топтались на месте или делали то, что от них требуют и ждут – вот, собственно, ветер перемен и занёс их к незателивым поп-берегам, где X-Perience, Angelzoom и Enigma встречают CC Catch, а в ближайшем отдалении пасутся Deine Lakaien, Pink Floyd и Alphaville. Очень интересно варьируется эмоциональный фон рецензируемого релиза от прохладной, несколько отстранённой меланхолии первых двух вещей до тёплого, околоджазового релакса последующих, что означает, что после долгого молчания Eonic ныне не просто снова в строю, но и очень даже жизнеспособны, однако для того чтобы понять и по-настоящему оценить всю магию и прелесть их актуального EP, нужно посмотреть на него в контексте прошлых работ коллектива, чем мы сейчас и займёмся.

Этереальное путешествие Eonic началось в 2002 году с альбомом, который так и назывался - “Ethereal Travel”. Очевидно, ныне авторы воспринимают свой дебют уже не с таким энтузиазмом, как это было семнадцать лет назад (что ни говори, первый блин частенько выходит комом и по прошествии лет редко способен радовать так же сильно, как это, случается, бывает в ходе его приготовления), в связи с чем в свободном доступе для прослушивания его найти не так уж и легко, а никаких ремастерингов и переизданий данный релиз в наше время не удостоился. Кстати, есть ещё информация, что в свои ранние времена Z и VS творили какой-то невероятный pagan ambient в проекте предшествовавшем появлению Eonic и называвшемся Алатырь, но за давностью лет и по причине отсутствия соответствующего желания-рвения у авторов данные работы ныне уже не тиражируются и слушателям отнюдь не предлагаются.

А вот свой первый официальный ныне и официально переизданный в ремастированном виде альбом “Shadows” (2003) сами авторы расценивают как поворот в сторону классического (не тёмного) эмбиента и нью-эйджа, что можно воспринимать как желание прикоснуться к гипнотической этереальности Enigma и созданного ими тренда enigmatic. Этот релиз получил наибольшее количество рецензий и стал, вероятно, самым доступным и хитовым в ранней дискографии проекта, хотя простым, ванильным или очевидным совсем не является. Расслабленные “цветочные” пульсации здесь запросто уживаются с окологрегорианскими хоровыми всплесками, таинственными сэмплами и пугающими эмбиентными зарисовками, и даже самые спокойные и безмятежные фрагменты кажутся тревожными и какими-то пасмурными, что лишний раз подтверждает, что даже в раю и на солнце бывают тени, а от Enigma до Dead Can Dance не так уж и далеко.

И во всём этом легко убедиться, если обратить своё внимание на последовавший за “Shadows” альбом “Fragile Dreams” (2004). Не случайно уже в названии мы видим очевидную параллель к Anathema – пластинка на самом деле вышла намного более сумрачной, тёмной и контрастной, очевидно сделав акцент на стилизованных окологотических битах и общей атмосфере декаданса/упадка. Чёткие готик-роковые ритмы слышатся в открывающей работу “Splinter Of The Day”, и хотя на пластинке будет предостаточно абстрактных синтезаторных размышлений вроде тех, что в таком обилии слышатся в треках “Son Of Night, Brother Of Death” и “Daughters Of Twilight”, пальму первенства во времена данного релиза Eonic однозначно отдавали зажигательным дарквейвовым ритмам и торжественной, словно торжествующей печали, которая лично мне очень напомнила классику L’ame Immortelle (“5 jahre”, “Fallen Angel” и т.д. и т.п., только без вокала.)

Альбом “Secret Land” (2010) уверенно продолжает продолжать, и с первых секунд своего звучания погружает слушателя в мир хитовых, ритмичных и с лёгкостью въедающихся в подкорку эзотеризаций. Сделать таинственное и высокое лёгким для восприятия, удобным для использования и уместным в самых разных жизненных ситуациях – это то, в чём Eonic определённо преуспели, продвигаясь по своему тернистому пути, и если они хотели придти именно к такой эзотерической поп-доступности, то всё сделали правильно. Нужно заметить, что “поп” в данном случае совсем не означает что-то плохое, а всего лишь служит для констатации успешности и состоятельности музыкантов в деле адекватного и профессионального донесения своих достаточно изящных (оцените хотя бы полуавангардную электронщину “Easterly Wind” или звуковую солянку титульной вещи) идей до максимального числа потенциальных слушателей.

Диск под названием “Light House” (2015) стал триумфом светлой рефлексии, прозрачных звуковых конструкций и расслабленно-мечтательных настроений. Впервые за всю свою историю Eonic обратились к традиционному песенному формату, что демонстрируют такие вещи с релиза как “On The Run” и “Hidden Universe”, что звучит интересно и аутентично, но в общем контексте воспринимается как окончательный отказ авторов от всякой мрачности, непонятности и довлеющей оккульной фундаментальности. Сами музыканты характеризуют данный релиз как симбиоз “битов классического хауса 80-х и психоделического рока”, ну а я бы, несколько упрощая, просто сказал бы, что перед нами самая позитивная, ламповая и тёплая (и электронная!) из всех возможных вариаций Pink Floyd, ELO и поздней Anathema.

Помимо полноформатных номерных работ в дискографии проекта значатся несколько релизов поменьше, среди которых стоит, прежде всего, упомянуть трёхтрековый “Autumn”, который интересен уже хотя бы тем одним фактом, что содержит русскоязычный трек “Я буду ждать…”, исполненный самозабвенно-экстатическим женским вокалом и построенный на контрасте перегруженных дисторшновых гитар и беззаботного фанкового поквакивания. Записанный в такой же беззаботной лайт-джазовой (а кое-где и трипхоповой) манере “On The Run” подобных языковых экспериментов не содержит и не предполагает, однако в титульной вещи выдаёт удивительное откровение: “on the run I hide myself from the emptiness inside” (не здесь ли ключ к пониманию громоздких и не всегда удобопонимаемых символов ранних релизов Eonic и их квази-оккультной концепции?)

Пройдя такой внушительный путь, Eonic на своём примере очень ярко и доходчиво демонстрируют нам, как эзотеричность, завершив полный круг, становится экзотеричной, как осень сменяется зимой, а затем расцветает зелёном шумом весны, как все противоречия теряют свою остроту и успешно снимаются на новом витке планетарного развития, и всё это легко, просто и без каких-либо парадоксов-антиномий вписывается в дивную и бесконечную реку под названием Жизнь. И мезозойский шум раннего “теневого” периода, и строгие готические ритмы “Fragile Dreams”, и витающий в облаках, почти повсеместно вокальный и неземной “Light House”, и даже сегодняшние подсолнухи “Sunflowers” это всё те же самые Eonic, которые не устают экспериментировать, искать, терять и снова и снова обретать себя в перманентном развитии.

Трудно представить себе более подходящее и адекватное звуковое сопровождение к воцарившимся повсеместно сейчас дождливо-осенним локациям: вряд ли вы сможете придумать себе лучшее времяпрепровождение в октябре, нежели мерное восхищение дивным природы увяданием в компании с кружкой глинтвейна под звуки музыкальных гирлянд “Fragile Dreams”, “Shadows” или “Sunflowers”. Если сомневаетесь, с какого альбома начать и не желаете уподобляться домашнему питомцу профессора Буридана, начинайте с самого начала дискографии (с “Fragile Dreams” я имею ввиду, хех) и точно не ошибётесь, а по ходу дела сможете узнать на собственном опыте, какие из разноликих и противоречивых ипостасей Eonic вам ближе, понятнее и симпатичнее. Эта музыка требует к себе внимания и предполагает неспешное вдумчивое прослушивание, но если вы соблаговолите уделить коллективу и его работам должное почтение, будете тут же вознаграждены сторицей.

Рецензия на альбом-компиляцию BOJENA "BOJENA 2.0"

04-10-2019 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

Последний на данный момент, третий по счёту альбом Божены Войцешевска назывался “Серебряные Пули” и вышел совсем недавно, весной нынешнего года, однако уже сейчас в сети доступен совершенно новый релиз, который позиционируется как четвёртый полноформатник певицы. Если вы сейчас, как и я в первые минуты знакомства с этой новостью, готовы удивиться и произнести сакраментальное “а как же так?”, лучше не тратить на удивления и ненужные вопросы время и силы, а просто заглянуть в пресс-релиз, где сама Божена всё обстоятельно объясняет. Как явствует из её слов, “Bojena 2.0.”, это подведение итогов, взгляд назад, осмысление и переосмысление, а воспринимать релиз на самом деле стоит как новый альбом, хотя далеко не все из вошедших на него композиций именно новые. Если совсем кратко, то “Bojena 2.0.” – это своеобразный “best of”, подводящий итог минувшему творческому году певицы, куда вошли её самые-самые треки, написанные и реализованные в минувший весенне-летний период.

Строго говоря, именно новой с “Bojena 2.0.” является только песня “Сон”, а всё остальное это синглы, выпущенные после выхода “Серебряных пуль”, плюс переработанная и перезаписанная ранняя вещь “Пьяная девушка”. Вокалистка не скрывает энтузиазма и радости по поводу возвращения к творческой деятельности, идеи так и фонтанируют у неё в голове, а собственная студия и возможность самостоятельно продюссировать весь материал что говорится “от и до” лишь ещё более подливают масла в огонь, и в итоге песни у неё выходят яркими, искристыми, колючими и цепляющими. Вероятно, вам даже доводилось читать мои рецензии на пару её пост-альбомных синглов, поэтому составить общее впечатление о современном творчестве Божены в общих чертах вы вполне могли, ну а в том случае, если сейчас вы впервые делаете шаг в сторону terra incognita по имени Bojena, то добро пожаловать в мир рок-хулиганства, озорства, искренности на грани с беззастенчивой прямотой, женского кокетства и отвязного поп-альтернатив-рока.

И распечатает этот сборник хорошего и лучшего всё-таки новое – “Сон” звучит мощно и хитово, напоминая рок-кабаре 80-х, когда песни умели писать такие, что душа разворачивалась и расцветала от одной композиции так, что от её благоухания весна приходила даже к булочникам и хмурым вечноворчащим тёткам из пивных ларьков. Неспешно-качающий хардовый ритм, блюзовая размеренность, фирменный сиплый голос Божены и вальяжно-соблазнительные интонации запевов-припевов в совокупности звучат так, будто Ирина Аллегрова и Крис Кельми (если у вас аллергия на Аллегрову, вариант сравнения лично для вас: Бони Тайлер и Эксел Руди Пелл) своих лучших времён решили объединиться и замутили невероятно чувственный медляк в лучших традициях Кельми и его рок-ателье. Ну а в том, что касается звука, продакшна и сведения, “Сон” и весь материал “Bojena 2.0.” это действительно высшее и лучшее из того, что когда-либо делала и записывала Божена Войцешевска, где только мощь, драйв, чувства, эмоции и яркие краски.

Певица не стала искусственно затягивать диск и пытаться забить его под завязку, а ограничилась только действительно самыми-самыми песнями. Дерзкая, провокационная “Мой Мир”, изломанно-алогичная, наэлектризованная до краёв “Пьяная девушка”, мечтательный винтаж “Дитя Бесконечности”, нежная лирическая баллада “Ты ушёл”, амбивалентно-хулиганская “Я запуталась”, философичная “Я не умру”, театрально-рок-н-ролльная “Я ухожу” и наконец великолепная “100 комет”. Можно по-разному оценивать тот факт, что один из самых провокационных хитов минувшего лета “Sex” на сборник не вошёл, но даже без него (или “особенно без него”, “благодаря тому, что без него”) альбом вышел невероятно целостным, хитовым и мощным. Приятно и удобно, что теперь не нужно рыскать по разным музыкальным платформам в поисках последних синглов Божены, а можно просто включить “Bojena 2.0.” и услышать самые лучшие из них в отличном качестве и в авторской последовательности.

Исполнительница остаётся верна своей эпатажной, немного сумбурной, хаотичной и противоречивой, но от этого ещё более узнаваемой и самобытной манере, а её смесь ретроспективного свинга, мощных хардовых гитар, будоражащей рок-н-ролльной экспрессии и лунной блюзовой тоски теперь воспринимается так же опасно, жизненно и по-настоящему, как и те разнокалиберные жизненные коллизии, о которых Божена повествует в своих текстах. “Мы делаем полезное вкусным!” – рассказывают нам хитрые рекламщики, убеждая купить свои продукты, а Божена никого ни в чём не убеждает, а просто пишет и поёт о том, что ей близко и интересно, и в итоге разные бытовые, повседневные, грустные и даже трагичные события в её интерпретации предстают в совершенно ином свете, получая некий ореол дерзкой чувственности. (И да, шутливо-эпатажный, шаржевый “Sex” на самом деле просто не вписался бы в компанию попавших на пластинку треков, нарушив целостность релиза своими предельными контрастами и откровенными темами).

В первый момент мне было несколько странно увидеть на обложке альбома четыре звезды, так напоминающие те самые звёзды, что мы в ASTARTA и в РокКоре используем для оценки релизов, но потом всё-таки стало понять, что четыре звезды – это четвёртый альбом. Что ж, оценка 4 из 5 это тоже очень и очень хорошо: это гарант качества, это уровень, постоянство, профессионализм и утверждение, что вы наверняка будете возвращаться к прослушиванию этих песен снова и снова. Конечно, несмотря на невероятную хитовость и искрящуюся энергетику представленных на пластинке треков, это, за исключением “Сна”, всё-таки старые, уже известные, хоть и переработанные вещи, а релиз воспринимается скорее как сборник-компиляция, singles collection, которым он на самом деле и является, нежели как очередной полноформатный номерной альбом. Да и обложка в данном случае тоже из той же серии “best of compilation”, а потому – ценим, котируем, всячески приветствуем, добавляем в плейлист “Bojena 2.0.” (в плане слушабельности пластинка действительно заметно превосходит “Серебряные пули” и если выбирать, что поставить и что послушать, то я скорее предпочту “Bojena 2.0., чем “Серебряные Пули”), но всё-таки ждём очередной настоящий полноформат. Должно выйти ещё более целостно, бодро и терпко.

Рецензия на альбом группы Ruf Croc "Жизни путь"

04-10-2019 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

Дебютный альбом таинственного столичного one-man-проекта с не менее таинственным и не самым лёгким для запоминания и произнесения названием позиционируется самим автором и создателем как концептуальный, причём говорить об этой концепции мастермайнд не хочет, предпочитая, чтобы каждый слушатель сам для себя решил, как воспринять и оценить его работу. Замечу сразу, в данном случае это не просто рекламный ход, а действительно понимание того простого факта, что лучше один раз услышать и самостоятельно распробовать и оценить “x”, чем сто раз услышать о “x” и услышать о том, как кто-то оценил и понял “x”.

Человек, придумавший и записавший альбом “Жизни путь”, явно не страдает зашоренностью восприятия, ведь как иначе объяснить, что у него получилась настолько лихая смесь из прямолинейного хэви-металла, разухабистого колхозного панка, уличного хип-хопа и альтернативного рока. Материал пластинки на самом деле напоминает рок-оперу (и не только классические или раскручено-топовые варианты, но и таких незаслуженно подзабытых в наше время деятелей как Waltari и Sieben!), имеет достаточно сложную структуру и весьма непредсказуем, свеж и почти авангарден.

Недостатков на данный момент у альбома всего два: звук (запись, сведение) и вокал. В первом случае, полагаю, всё понятно без особых пояснений (самодеятельный diy-релиз, к тому же и дебютный, очень редко вообще в принципе способен звучать круто и впечатляюще, и “Жизни путь” не стал исключением, хотя и избежал какой-то нарочитой пластмассовости или подвальности), а вот о вокальной манере музыканта, занимавшегося интеллектуальным дизайном рецензируемого альбома, стоит сказать особо. Не заметить сходство его вокальных упражнений с исполнительской манерой Юрия Клинских не просто трудно, а невозможно. Более того: совершенно невозможно. Я не думаю, что это однозначно плохо, но профессионализма автору в плане вокальных дел на данный момент пока ещё явно недостаёт.

А вот музыкально-концептуальные идеи Ruf Croc оригинальны и на самом деле интересны. Несмотря на то, что на первый взгляд они напоминают всё тот же Сектор Газа и самодеятельные коллективы вроде Стальных Нервов и Diagor, на поверку и при чуть более внимательном и заинтересованном рассмотрении оказываются куда интереснее, разнообразнее и глубже. Даже нарочитая простота и безыскусность некоторых вокальных партий не портят ощущение неоклассической экспериментальной глубины, которое перманентно присутствует во всех без исключения треках с альбома. Ну а к вокалу нужно просто привыкнуть.

Помпезное, размашисто-саундтрековое интро настраивает сознание потенциального слушателя в духе “ждите неожиданного”, а первый трек “Иллюзия” хоть и звучит мощно, но оказываемый им эффект лучше всего описать как “фейсом об тейбел” или “с небес на землю”. Здесь вокал автора звучит не совсем характерно, более хрипло и надрывно, но незатейливые рифмы и как будто слегка глумливый, уличный стиль пения обескураживают. Смесь System Of Down, Tool, Opeth и Сектора Газа в исполнении Ruf Croc звучит очень по-русски и очень авторски, но всё-таки не кажется клоном, калькой или пародией. Это определённо переосмысление и не такое уж плохое.

Порой альбом предлагает своим слушателям совсем уж парадоксальные выверты: так, в треке “Тишина” нас ждёт интересная вокальная полифония, и эти напевы-начитки воспринимаются тем эффектнее, что разворачиваются на фоне вальсоподобных эфирно-неоклассических инсинуаций; в “После себя” слышится чуть ли не ядовитый немецкий индастриал-фолк в духе In Extremo и Tanzwut, а “Жизнь в радость” устремляется куда-то в сторону дарквейва и дайнелакайненовскогого индустриально-электронного авангарда. И заканчивается всё, само собой, величественным инструментальным заключением, которое звучит помпезно как и интро.

Что ещё более интересно, пластинка обладает какой-то почти магической харизмой, и чем больше слушаешь её, тем больше проваливаешься в гипнотическую паутину музыкально-текстовых фантазий автора, которые при всей их внешней и кажущейся примитивности примитивными совсем не являются. У альбома есть своя внутренняя логика, в каждом треке присутствует немало достаточно интересных музыкальных решений, а рифмы прямолинейны и очевидны далеко не всегда, и даже в тех случаях, когда это всё-таки так, мы скорее имеем дело со стилизацией, чем с неумением выразить себя более адекватным, возвышенным и интересным образом.

На случай, если основного (концептуального) материала вам показалось мало, релиз дополнен бонусной секцией, куда входят четыре совершенно автономных трека, которые дают возможность взглянуть на Ruf Croc немного под другим углом. Наиболее интересен из них последний – “Весна пришла!”, где Ruf Croc поёт в дуэте с приглашённой вокалисткой Анной Косьяновой. Здесь музыкант ещё более опасно, чем обычно, балансирует на тонкой грани между хаосом, авангардом, безумием, гениальностью и полным ниспадением в тотальную пучину диссонансов и антизвука, но именно этим данный трек и вся рецензируемая работа в целом и интересны.

Альбом авангарден, и данный факт в очередной раз заставляет меня вспомнить Waltari и в частности провести параллель к их “Death metal symphony”. Несмотря на то, что у Ruf Croc заимствований из дэт-металла не имеется (воспринимать в таком качестве “брутальные” моменты в “Жале” я бы всё-таки не стал), сам подход к сочинению и исполнению материала у автора на самом деле имеет немало сходств с творчеством этих финских авангардщиков. Перед нами определённо рок-опера, и это не просто мюзикл средней руки и попытка воссоздать внешний видимый лоск настоящих рок-опер, а нечто гораздо более серьёзное, масштабное и настоящее.

У меня релиз оставил по большей части положительное впечатление, и хотя после многократных прослушиваний достаточно однообразные вокальные партии и специфический гитарный звук успели набить оскомину и завязнуть на зубах, оригинальность и смелость автора по-прежнему были совершенно очевидны, и проигнорировать их было просто невозможно. С вокалом и гитарами определённо надо что-то делать, а вот способность музыканта так легко, креативно и свободно обращаться с металлическими, панковыми и альтернативными клише заслуживает внимания и уважения. Для начала очень ярко и многообещающе, да ещё и со смысложизненными мировоззренческими текстами, заставляющими вспомнить о самом ценном и сокровенном!

Рецензия на альбом группы Лаймрок "Limerock"

04-10-2019 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

Хорошее и звучное определение жанра или сочное название для группы – это уже, как правило, половина дела, если ты хочешь достучаться до целевой аудитории и убедить потенциальных слушателей послушать свой материал. Посудите сами: стиль - лайм-рок, на обложке сочный лайм, сама группа называется Лаймрок. Даже ослику ясно, что здесь явно не обошлось без цитрусовой свежести и манящей пати-прохлады, и послушать хотя бы пару песен с такого релиза стоит хотя бы ради проформы и для того чтобы поставить галочку в сознании и со спокойной совестью забыть. Ну или чтобы не пропустить хорошую вещь, в случае если эта вещь действительно хороша. Всё в точности так, словно по писанному и случилось со мной неделю назад: открыл новостную ленту, наткнулся на “Limerock”, послушал, заинтересовался и – вуаля: вот я уже сижу и пишу эту рецензию, потому что… А вот про “потому что” уже чуть ниже.

Лимонный стафф в исполнении этого молодого столичного коллектива, ведущего свою историю с 2016 года, а уже в 2017 году засветившегося на Emergenza, звучит очень расслабленно, кайфово и винтажно, а порой даже откровенно ностальгически, что, впрочем, совсем не означает, что Лаймрок архаичны или несовременны. В данном случае дело в том, что ребята просто очень любят инди-рок, джаз, блюз, фанк, спейс-рок и глубокомысленные инструментальные проигрыши. Их музыкальный коктейль не столько тонизирует, сколько освежает и расслабляет, а драйву и напору музыканты явно предпочитают неторопливый взрослый релакс, который так бывает уместен после суматошного рабочего дня в виде бокала Hennesy где-нибудь в тёмном уголке тихого придорожного кафе. (А как вы, наверняка, знаете, нет ничего более коварного и бодрящего, чем бокал Hennesy в тихом придорожном кафе, так что тут тоже своя диалектика!)

Всё начинается с самой ритмичной, игривой и самой джазовой на альбоме вещи, которая называется “Супер диско” и на самом деле звучит очень коктейльно. Массированное наступление мечтательно-романтических, хоть и всё ещё довольно бодрых настроений в “Джазе” сменяется пространной, лаунж-медитацией в треке “Девушка одна”, а затем авторы мощно вдаряют по газам, вспоминая Dire Straits и ZZ Top в рамках тяжёлого, ритмичного и дисторшново-отвязного стадионного эпика “Навсегда”. Авторы явно разделяют мнение А.П.Чехова о том, что в человеке должно быть прекрасно всё: и душа, и тело, и разум, а потому на своей пластинке чередуют разные настроения, разные исполнительские приёмы, разные ритмы и разные жанры с тем, чтобы дать возможность своим слушателям и поразмышлять, и помечтать, и немного потанцевать, и просто отдохнуть душой и телом, проведя их по разным регистрам эмоционального спектра.

Расслабленные акустические зарисовки “Планеты” напоминают одновременно новых романтиков, атмосферных рокеров и меланхоличных ска-панкеров (во второй половине этой вещи на авансцену на самом деле неожиданно выходят духовые), в “ЕКБ” рефлексирующей рок-атмосферы становится ещё больше, а “Выше чем небо” окончательно узаконит флегматичные вокально-инструментальные размышления в качестве самостоятельной жанровой находки современных Лаймрок. То, за что вы когда-то полюбили бритпоп и творчество братьев Галлахеров, на “второй стороне” рецензируемого компакта зацветёт пышным цветом, а в “Песне” вас ждут чуть больше драйва, энергетики, а также красивых околоджазовых проигрышей, в то время как финальная “Дожди снега” замыкает круг и качает почти в духе открывавшей диск “Супер диско”, лишь немного смещая акценты и по-другому представляя всё те же самые фишки.

Верность классическим песенным традициям и умение генерировать цепляющие и надолго застревающие в памяти комбинации нот помогают участникам коллектива выглядеть стильно, привлекательно и импозантно, а их материал наверняка порадует тех, кто знает и ценит классику U2, Rem и Radiohead. Конечно же, небесный тихоход Лаймрока это сооружение явно из классической рок-эпохи, из тех самых лет, когда такие титаны как Blood Sweat And Tears, Budgie и Blue Oyster Cult только-только выкристаллизовывали и осваивали свои неповторимые рок-конструкции, а потому рекомендовать их стоит в первую очередь тем, кто уже знаком со всеми перечисленными выше музыкальными именами, и, тем не менее, их музыка вполне способна говорить и сама за себя, имея шансы впечатлить и влюбить в себя даже тех, кто совершенно не интересуется музыкальными трендами и жанровыми тенденциями прошлого века.

Исторически так сложилось, что подобную музыку больше любят и котируют на Западе, где Брайн Адамс, Стинг, Джо Коккер, Род Стюарт и иже с ними всегда пользовались огромной популярностью, приближаясь к статусу национальных героев, но Лаймрок не растерялись и добавили к апробированным этими западными гуру жанра рок-повествованиям чисто отечественные фишки из арсенала Смысловых Галлюцинаций и Танцев Минус. Получилось довольно неоднородно и пока ещё не слишком сбалансированно, зато разнообразно и не скучно, а любители лайм-содержащих коктейлей и осмысленных, качественных и не напрягающих аранжировок скорее всего не останутся в претензии. Что сказать, если жизнь приносит вам лайм за лаймом, и вы уже устали от этих кислых фруктов, самое время сделать из них лимонад, ну а если всё сложилось так, что перед вами сейчас альбом “Limerock”, можно просто выделить час в своём плотном графике и как следует расслабиться, отправившись в путешествие по волнам своей памяти!

Рецензия на мини-альбом группы Sodom "Partisan"

03-10-2019 Дмитрий Фомин

Казалось бы, ничто уже не может внести изменений во внутренний механизм такой отлаженной и неудержимой боевой машины как Sodom, как вдруг… Одним прекрасным днем ее основатель и бессменный лидер Том "Angelripper" Зух решил прекратить многолетнее сотрудничество с гитаристом Бернеманном и ударником Маккой. Но почти также быстро, как появились новости об увольнении этих музыкантов, стало известно о тех, кто придет им на замену. И здесь уже попахивает настоящей сенсацией!

Мало того, что отныне Sodom выступает в формате квартета (!), о чем никто и помыслить не смел, да к тому же в его ряды вернулся гитарист Фрэнк ''Blackfire'' Годжик, с которым были записаны классические ''Persecution Mania" и "Agent Orange", о значении которых говорить и вовсе излишне. Также в гитарный дуэт вошел Йорк Зегац (Beyondition), а тыл всем им теперь прикрывает мастер своего дела, драммер Стефан ''Husky" Хюскенс, отметившийся в составах Asphyx и Desaster. Ну а во главе этой дивизии как всегда дядюшка Том со своим знаменитым прищуром, верным басом в одной руке и бутылкой пива в другой.

Теперь "содомская" броня обновлена и надежно защищает ее участников со всех четырех сторон. Но каковы же в деле эти ветераны тевтонского трэша сейчас и чего от них ждать в обозримом будущем? Ответ на этот вопрос призван дать трехпесенный (две новые оригинальные темы и один лайв-трек) миньон ''Partisan'', о котором и пойдет речь.

Монохромная обложка EP, напоминающая об андерграундных кроссовер-релизах 80-х и поблекших винилах, и которая, кстати, чертовски подходит милитаристкой тематике группы (такую нашивочку да на спину), дает небольшую подсказку о том, что ждет нас внутри. Музыканты как всегда не стали размениваться на сантименты и выдали то, в чем им, кажись, равных нет.

Без каких-либо церемоний титульная композиция наносит внезапный хук в виде сурового, но чертовски забористого трэшака с узнаваемым хрипловатым скримом Энджелриппера, рельефным канатом гудящей и ухающей бас-гитары, цепкими риффами и нещадно вколачиваемыми ударными. "Содомцы" филигранно и последовательно, что свойственно лишь настоящим мастерам, чередуют простецкие припевы, интенсивную железную нарезку и вкуснейшие качевые эпизоды, попутно добавив зловещих мизантропичных красок, после чего все успешно возвращается на круги своя.

Последующий забойный боевик ''Conflagration'' выстроен по схожей схеме, но получился даже более экстремальным и диким - к жесткой трэш-основе добавилась доля разухабистого трехаккордного панка, что в совокупности своей в какой-то момент свелось к бескомпромиссной блэк-метал резне с неистовым бластингом. А финальный протяжный ор Тома можно назвать достойным воплей его тезки из Slayer. Техничность и драйв неразрывно идут бок о бок, что придает эффектности новому материалу. Чего только стоят виртуозные соло-запилы Блэкфайра, который словно соскучился по этому делу и спешит наверстать упущенное.

Холодная ярость, прямолинейный натиск и железная сырость саунда наводят на мысли о том, что эти песни вполне могли бы появиться еще в начале 80-х, когда начинающие Sodom, находясь под стойким влиянием Motorhead, Tank, Raven и Venom, причисляли себя к только-только зарождающему блэк-метал течению и старались куда-либо пристроить свои незрелые и неотесанные творения. То, что мы слышим на ''Partisan'', пропитано тем самым духом первых грубых подвальных демо-лент, где первобытная агрессия являлась доминирующим элементом, в то время как технический профессионализм музыкантов и композиционная зрелость напоминают о том, что мы имеем дело с самым настоящим культом жанра.

Что же касается трека под номером три, знаменитого ''Tired & Red'', зафиксированного во время выступления группы на германском Rock Hard Festival 2018, то здесь мы можем отчасти понять, насколько могуче и слаженно зазвучал обновленный и усиленный Sodom. По-прежнему ему ничего не стоит завести толпу с пол-оборота, бросив ее в настоящую железную мясорубку, и довести до полного исступления.

Похоже, Энджелриппер действительно нашел тех самых голодных и преданных своему делу музыкантов, которые должны были помочь ему выбраться из "трясины, в которой невозможно полноценно творить". Подкупая своим олдскульным нутром, ''Partisan'', несмотря на крайне малый хронометраж, представляет собой сильный и свежий релиз, присутствие которого в коллекции любого уважающего творчество этих немцев металхеда будет делом чести. Отличная разминка перед грядущим полноформатом, выход коего, по заверениям все того же дядюшки Тома, уже не за горами.

Рецензия на сингл группы DarkSense "Fearless"

02-10-2019 Алексей "Astarte Eel" Иринеев

Кого можно назвать бесстрашным?.. Того, кто постоянно занимает деньги у индуистского бога Ганеши и никогда не отдаёт? Того, кто смешивает симфонический метал и модерн-метал? Того кто полагается на волю судьбы и случая в ходе работы над новыми песнями, не выверяя “от и до” всю концепцию и не прорабатывая заранее линейкой и транспортиром генеральную линию во всех деталях? Нет, нет и ещё раз нет! И хотя второй и третий пункты из этого списка вполне подходят к деятельности столичных модерн-симфо-металлистов из DarkSense и в частности к их новому синглу, речь в их новейшем треке пойдёт совсем не об этом.

Лично мне примитивный и наивный атеизм всегда казался не просто категорически редкой штукой (“настоящих” атеистов на свете на самом деле крайне и крайне мало: человек может не верить в Христа или в догмат о божественном триединстве, но в то же самое время он будет с поистине религиозной убеждённостью доказывать правдивость гороскопов, примет про чёрную кошку, ратовать в пользу непогрешимости научных аксиом и т.д. и т.п.), но и вещью сильно пресной и скучной, а к тому же вредной, вот и DarkSense, судя по всему, считают так же, ведь иначе как объяснить тот факт, что “Fearless” посвящён посмертным путешествиям.

Для того, чтобы адекватно донести до всех интересующихся свою мысль и избежать кривотолков и неверных толкований, музыканты даже перевели англоязычный текст на наш с вами родной язык и написали пояснительный пост, где рассказали о своих религиозно-философских взглядах, которые оказались интересной комбинацией индуистско-буддистского учения о реинкарнации и христианского утверждения приоритетности и самоценности человеческой личности как таковой и всего того накопленного багажа знаний, симпатий и воспоминаний, которыми она обладает, что в итоге в интерпретации DarkSense оказалось густо замешано на индийском этно-колорите.

Я так и не понял, при чём тут вроде как вполне себе эпикурейский и гедонистичный Ганеша, который в индуизме считается богом мудрости и благополучия, но на деле чаще всего ведает финансово-меркантильными делами, однако мрачно-художественный арт обложки выглядит стильно и впечатляюще, да и вообще с многоруким слоном астральные путешествия кажутся как-то интереснее и свежее (особенно если вспомнить, что иногда Ганешу воспринимают как слона, исполняющего желания), а потому – Ганеше определённо быть! Есть что-то очень мечтательное и звёздно-воодушевляющее в атмосфере трека, чему не вредит даже довольно-таки свирепый рык вокалиста, и образ персонажа с обложки как нельзя лучше сочетается с такой звёздной мистикой.

В целом новая композиция являет нам узнаваемый модерново-симфоничный стиль команды, но звучит более эпично, вкрадчиво и масштабно, а балладно-камерный фрагмент с женским вокалом в первой части трека напоминает классические медляки таких же классических симфо-метал-команд (вплоть до найтвишевского “Sleeping Sun”), однако подаётся совершенно иначе, а, перевалив за середину композиции, обрастает обильными этно-фишками в духе Betray My Secrets и Shiva In Exile. Размах и атмосферность трека впечатляют, и я совсем не удивляюсь тому, что сами DarkSense очень гордятся своей современной работой, и ничуть не удивлюсь, если в обозримом будущем они захотят продолжить данную индийско-религиозную тематику и записать что-то вроде полноценной симфо-метал-оперы обо всей этой метафизике.

За звук в данном случае отвечают Tiny Sound Productions при участии Фёдора Боровского (Second To Sun, The Lust, Tame The Lightning), известного по своей работе со Slaughtered Studio, а потому по поводу качества звука можно совершенно не волноваться (когда за дело берётся профессионал такого уровня, всё просто не может случиться как-то иначе, нежели отлично); сами же DarkSense не стали изменять себе и помимо оригинальной версии “Fearless” дополнили релиз инструментальной и оркестровой версиями, чтобы утолить информационно-эстетический голод всех перфекционистов и дать им возможность оценить свою актуальную работу со всех возможных ракурсов.

Кто не мечтал о том, чтобы после смерти всё было как в легендарном романе Михаила Булгакова про Мастера и Маргариту, чтобы не было ни рая, ни ада, а только неисчерпаемая, бесконечная Вечность и возможность снова и снова тонуть в глазах того, кого любишь больше жизни, вновь и вновь радовать друг друга и наслаждаться миллионом новых нереализованных возможностей и всё новыми, не похожими на предыдущие днями и ночами. Именно об этом “Fearless”, и да, если кто-то (пусть даже и многорукий индийский слон) готов дать гарантию, что всё будет именно так, почему бы, собственно, и не стать бесстрашным, да и кого уже боятся при таком раскладе?

Неврологи и психиатры вполне могли бы использовать “Fearless” в своих медицинско-клинических целях и помогать людям с паническими атаками и навязчивым страхом смерти избавляться от фобий и обсессий под аккомпанемент рецензируемого трека. Музыканты DarkSense так естественно, легко и ненавязчиво вывели рецепт преодоления боязни неизвестности, ожидающей нас за порогом физического умирания, что поневоле диву даёшься: оказалось, всего-то нужно “со слонёнком подружиться и поймать перо Жар-Птицы”, а при обострении симптомов снова слушать и переслушивать актуальный трек коллектива, и все фобии вкупе с религиозно-философскими недоумениями уйдут без следа. Что ж, можно попробовать.

Показать ещё