РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на мини-альбом группы What For? "Ржавый"
Эти питерские рокеры очень любят мини-альбомы и цифру 5, и вот после выхода их предыдущего пятитрекового EP “Ганнибал у ворот” перед нами очередной миник с очередными пятью треками на борту. Было бы, наверное, странно, если бы такие убеждённые традиционалисты начали что-то радикально менять и перекраивать в своей музыкальной или лирической концепции, и они не стали этого делать, а просто устроили очередную вечеринку в стиле “продолжение следует…”, стартовав как будто в точности там, где полгода назад остановился их предыдущий студийный релиз.
Альбом называется “Ржавый”, и это слово окажется очень в тему, если вы захотите описать их саунд. Звучание группы действительно оставляет ощущение старых, изрядно прогнивших металлоконструкций, которые вот-вот грозят обвалиться, всё похоронив под собой, но по-прежнему качают воду в человеческие рекреации и служат задачам жизнеобеспечения. И единственное отличие между двумя их релизами – это заметно больший градус тяжёлых, ржавых и железных ноток в инструментале их актуальной работы по сравнению с дебютом, а также его чуть большая основательность.
Не случайно я сравнивал их в своей предыдущей рецензии с ветеранами и легендами отечественного хард-н-хэви из 99% - габаритные саунд-очертания группы на “Ржавом” невероятно напоминают этих старых, ржавых и заслуженных отечественных прото-металлистов, о чём намекает и лирика коллектива. “Карфаген должен быть разрушен”, “если рубить, то только с плеча”, “не забудь сделать контрольный выстрел” – перед мысленным взором слушателя стройными рядами проходят герои отечественной тяжёлой сцены и их песенная классика, и выглядит это словно торжественный парад в честь какого-то большого и важного события.
Конечно, ни о каком плагиате в данном случае речи не идёт, и, очень мало вероятно, что участники What For? являются фанатами таких групп как Мафия, Кранты, Маркиза, Э.В.М. и Чёрный Обелиск – скорее, они просто очень успешно настроились на ретро-рок-волну, и теперь транслируют из своего хрустального захолустья угловатые риффы классиков жанра вкупе с философской лирикой. Пусть сейчас такая музыка априори воспринимается как очень ностальгическая штука, но упрекнуть музыкантов в ретроградности и архаичности всё-таки не получится, поскольку этого у них попросту нет.
What For? всего лишь очень любят старомодное аналоговое звучание, с удовольствием котируют винтажный хард-рок и, ни в чём себя не ограничивая, фантазируют на тему русскоязычных Samson, Saxon, Fist и Quartz, переправившихся на машине времени с рубежа 70-х-80-х в нашу мега-информационную эпоху. И всё-таки хоть их всесторонняя историческая тематика в текстах серьёзна, умна и назидательна в лучших традициях некоей несуществующей ныне страны, она совсем не кажется устаревшей или наивной. Скорее, их тексты выглядят грозным предупреждением всем тем, кто не желает учиться на уроках истории и помнить ошибки своих легендарных предков.
Музыканты лихо примеряют на себя личину рок-пророков и рок-мессий, и убедительно вещают под рёв перегруженных гитар про великое, вечное, должное и недолжное. Наверное, если бы Сократ был рок-музыкантом, его тексты и песни звучали похожим образом, и такой радикальный минимализм в сочетании с серьёзностью и иронией воспринимается в итоге очень даже вкусно. Напевный вокал, запоминающаяся лирика, качающая ритмика инструментала – у What For? всё в точности как и полагается настоящим рок-гуру и рок-героям, да ещё и с бонусной искренностью навылет, а потому такой рок-учебник истории в их интерпретации лично мне очень по душе.
Я долго сравнивал “Ганнибала у ворот” с “Ржавым” на предмет, что круче и что сильнее цепляет, но так и не пришёл ни к какому однозначному выводу. Эти альбомы действительно очень похожи (хорошие песни, отличные попадания в текстах, забористые риффы, прочувствованные темы, плюс всё тот же исторический римско-греческий пафос со знаменитыми крылатыми изречениями великих философов и полководцев), а мой финальный вывод прост и весьма предсказуем: перед нами невероятно стильная аудиофильская штука с первоклассным балансом содержимого. Настоящий олдскульный хард-рок, сделанный с любовью и со знанием своего дела.
Рецензия на альбом группы Лестница Эшера "Риф"
Так вышло, что я долгое время безуспешно пытался расслушать и понять творчество замечательной даркфолковой группы Sieben, но самое интересное в данном случае совсем не количество потерянных мной впустую лет, а тот факт, что ключик к пониманию их творчества нашёлся, когда я уже давно перестал надеяться и искать его. Как вы уже наверняка догадались, таким волшебным артефактом стали мурманские конкистадоры струнных экспериментов из группы Лестница Эшера, и про их новый диск мы как раз сейчас с вами и поговорим. Кстати, сами музыканты называют свой стиль дрим-рок, поясняя, что за этой вывеской скрывается смесь традиционного русского рока, фолка и неклассического академизма, но на самом деле в данном случае всё ещё немного интереснее и разнообразнее.
“Риф” – это набор интеллектуальных среднетемповых повествований с доминирующим звучанием виолончели и достаточно традиционным для отечественного рока и фолка вокалом, но подход музыкантов к своему творчеству иначе как шекспировским не назовёшь. Наверное, если бы его бессмертные Розенкранц и Гильденстерн решили собрать группу и играть рок, это звучало бы именно так, как и получается сейчас у Лестницы Эшера. Концептуальная, визуальная и музыкальная составляющие в данном случае дополняют друг друга, а в итоге у группы выходит нечто целостное, театрализованное и художественное с явными отсылками в сторону классического арт-рока и современной неоклассики в духе Caprice.
Я бы не сказал, что в плане текстов, музыки или количества противоречий и музыкальных парадоксов рецензируемый альбом проще, чем “High Broad Field” или “Ogham Inside the Night” Мэтта Хоуденна, но понять и прочувствовать его мне определённо было проще. Не знаю, дело ли здесь в русском языке исполнения или в подспудных параллелях с классиками русского рока, присутствующих на альбоме, но данный диск при всём огромном количестве содержащихся в его лазерных дорожках антиномий практически с первых нот стал мне абсолютно близок и понятен, а в свете этой понятности заиграли совсем другим светом и релизы Sol Invictus и Sieben. Недостающее связующее звено было найдено, и головоломка обрела смысл.
Можно находить в творчестве Лестницы Эшера параллели к А.Башлачёву, Возвращению и неоднократно упоминавшимся сегодня Sieben, можно сравнивать их с рокерами-интеллигентами вроде Граф Цеппелинъ или копать вглубь, вскрывая межпредметные связи с Кейт Буш, Iron Butterfly и King Crimson, но главное в данном случае совсем не это. Эта группа существует уже двадцать лет, и за такой солидный промежуток времени музыканты успели попробовать себя в самых разных творческих амплуа, а на своём новейшем альбоме как будто окинули ретроспективным взором весь пройденный путь и представили своеобразную выжимку. От Арефьевой до Башни Rowan – так я определили бы эмоциональный разброс “Рифа”, но это только вершина айсберга.
Есть определённое звуковое сходство между Лестницей Эшера и финскими апологетами виолончели из Apocalyptica, но подают свой академический классицизм мурманские рокеры совершенно иначе. Уверенные и разнообразные тексты являются в данном случае основой основ, и параллель к Арефьевой по поводу их творчества действительно пришла мне на ум неслучайно. Умение быть разными, пластичными, текучими и так виртуозно обращаться со словами и рифмами выдаёт в участниках данного коллектива настоящих пилигримов и менестрелей. Они примеряют на себя разные личины и маски, а в итоге так сильно вживаются в образы своих персонажей, что те оживают и призрачной процессией пристраиваются где-то за спинами музыкантов.
Как ни странно, при всей моей любви к “Острову сокровищ”, пиратские треки на альбоме мне не очень понравились, а вот лирика вроде “Метели”, “Эгира”, “Один на один” и “Снов о тифозной Мэри” очень порадовали, вдохновили и вообще оставили под мощным впечатлением. Есть нечто общее у этих треков с лучшими вещами Сергея Канунникова, арефьевского “Папоротника” и групп вроде завтраккусто, и звучит это в конечном итоге действительно очень интересно. Атональный неоклассический скрип виолончелей, обнажённый надрыв вокала и нарочитая литературность текстов рисуют меланхоличные картины в стиле Достоевского, и выходит это всё с тем же минимумом хоть какой-то однозначности и с особым театральным пафосом, но по-настоящему стильно и красиво.
Долгое время слово “декаданс” у меня ассоциировалось с опиумом Агаты Кристи, упадочной готикой и пост-роком, а потому вызывало скорее негативные ассоциации, однако участники Лестницы Эшера сумели перекрасить все мои впечатления по данному поводу в совершенно иные краски и цвета, убедительно перетянув канат в совершенно иную и противоположную сторону. Их декаденствующий театр базируется на совершенно иных мировоззренческих началах и простирается своими корнями к аристократичным экспериментам классиков Монмартра, что по определению сообщает их творчеству соответствующую атмосферу и характерное настроение. Они шутят и дурачатся, играют в пиратов, но траурной некротической серьёзности болот Невы из их музыки не вытравить и не изгнать никакими дезодорантами и шампунями. Это существенно.
Полифоничный дарк-фолк с явными прогрессивными вкраплениями и чугунной готической поволокой печали в исполнении Лестницы Эшера пьянит и чарует своими лирическими образами, но если вы не готовы свалиться в обморок от такого дурмана, в таком случае обухом по голове вас ударит и уже наверняка вырубит непролазный прогрессивный бурелом их инструментала. Психоделично, медитативно, зловеще, по-настоящему жёстко, филигранно как Роберт Фрипп и Тони Левин, но с душой русского рока и с потрясающими образами в стиле классиков отечественной литературы – вот что такое “Риф”. Мне понравилось бродить в этом царстве гротеска, и я рад, что наши соотечественники способы создавать тексты и музыку не слабее Sol Invictus и Sieben, но в то же время не переставать быть собой. И да, кстати, “Риф” выпущен даже на виниле, и данный факт лишь в очередной раз подтверждает его уровень и определённый вес.
Рецензия на сингл группы Нижняя Тундра "Get Out"
О творчестве тюменской психоделик/стоунер-группы Третья Планета мы уже как-то заводили разговор в октябре прошлого года, и тогда от их “Ведьминого болота” впечатления у меня остались самые цветущие. Я бы даже сказал, дикорастущие, буйные и опасные, ведь звучали их инструменталы как настоящий шаманский праздник с тамтамами, фанковыми причпокиваниями гитар и ритуальными криками. “Настоящие музыкальные джунгли” – снова и снова повторял я, воссоздавая в памяти их музыку, ну а сейчас у нас снова есть вполне официальный повод вспомнить о данном интересном коллективе, и в то же время копнуть немного вглубь, поговорив о команде, которая послужила фундаментом и трамплином для Третьей Планеты, выступив в качестве полигона для разгона и обретения опыта будущим авторам “Shaman Trip“, “Массаракш!!!” и “Witch Swamp”.
Насколько я знаю, Нижняя Тундра как таковая давно не существует, однако бывшие участники решили всё-таки не забывать своё прежнее детище и понемногу записывать свои старые треки, а начали с “Get Out”. Характерные звонкие басы, необычный женский вокал с яркими илистыми нотками, медитативно позвякивающая перкуссия, нарастающая с развитием трека эмоциональная экспрессия – перед нами всё тот же сибирский рок Третьей Планеты, но чуть более прямолинейный, рокерский и… с вокалом. И последнее обстоятельство особенно сильно влияет на финальный вариант. В “Get Out” нет такой безудержной свободы, сумасшедшей смелости и галлюциногенных экспериментов, зато вместо них в данном случае мы имеем волшебство вокальных фантазий и чарующий сплин русалочьих колыбельных, которых так боятся жители отдалённых российских сёл и деревень. А ведь бояться есть чего – в звуках данного трека вязнешь и тонешь, словно в банке с мёдом, и выходит это и сладко, и страшно.
Главный козырь Нижней Тундры и “Get Out” – их самобытность. В каких-то отдельных своих фишках они похожи на многих, но в целом и глобально не похожи ни на кого. В их треке есть магия и особый лесной задор, вокал гипнотизирует и влечёт, инструментальное обрамление выполняет свои функции на все сто и двести, а в итоге получается прифанкованный ведьминский рок-вариант Ланы Дел Рей, который при надлежащем уровне раскрутки мог бы достичь тех же высот и столь же оглушительного признания заинтересованной аудитории. А кроме того нужно заметить, что в данном треке не наблюдается абсолютно ничего лишнего. Как будто мы случайно подслушали пение лесной нимфы, а после того, как она исчезла в изумрудной листве, всё не можем придти в себя от восторга, красоты и дивного влекущего очарования.
Музыканты подошли к записи и реализации сингла со всей возможной ответственностью, вновь задействовали набор очень крутых тюменских студий, и результат у них вышел соответствующий. Когда слушаешь “Get Out”, становится жаль, что Нижняя Тундра больше не существует, а пение их вокалистки вспоминаешь ещё очень долго. Говорят, что при достижении определённого уровня и возраста все великие музыканты испытывают искушение стать в некотором роде Ричи Блэкмором, бросить всё и поселиться в замке с красавицей-женой, чтобы играть средневековый фолк. Как описанная ситуация могла бы реализоваться у нас в Тюмени, мы с вами только что увидели на примере “Get Out”, и такая поправка на географическую специфику в данном случае очень даже существенна и интересна. Получился болотный этно-фанк-фолк-прогрессив, и звучит он блестяще.
Вкус у данного трека хвойный и терпкий как самая кедровая и на совесть забродившая лесная настойка, а подача аутентичная как самый карельский перешеек из всех возможных. Собственно, на этом можно было бы с чистой совестью заканчивать данную рецензию, ведь что-либо писать про “Get Out” вряд ли имеет какой-то смысл. Такое нужно слушать. И желательно в условиях максимально приближенных к тем, о которых идёт речь в данной композиции и в которых она создавалась. И да, я думаю, что рано или поздно участники этого интересного квартета всё-таки сойдутся вместе снова, чтобы продолжить начатое. Возможно, когда их возраст приблизится к рубежам маэстро Блэкмора или просто придёт нужное время. Ведь от судьбы и от себя не уйдёшь, а такие ядерные болотные хиты просто не имеют права прозябать в безвестности.
Рецензия на альбом проекта Hyperomm "In My Own Spaceship"
На своём третьем по счёту альбоме проект Антона Трубина Hyperomm продолжает делать вид, что играет финский мелодик-дэт, а на самом деле фантазирует на тему того, как могли бы звучать в современном метал-оформлении классические арт-рок-боги вроде Saga, Magma, Omega и Yes. Риффы в стиле Алекси Лайхо, характерный для классиков мелодэта хрипо-скрим и напирающий кач – всё это в данном случае всего лишь стилизация и фасад, выходящий во двор, а за ним внимательный и заинтересованный наблюдатель без труда обнаружит серьёзные структуры треков и размах, характерный для классических произведений и гениев вроде Прокофьева, Фриппа и Стравинского.
Мдм как таковой - это музыка скорее молодёжная, экспрессивная и плотно завязанная на драйве и юношеском максимализме, и Антон со своим проектом совсем не прочь играть по придуманным не им правилам, но вот чего он делать не желает, так это воспринимать мелодичный дэт-метал в традициях суоми как набор штампов и клише, чем так часто грешат многие группы, желающие повторить успех Children Of Bodom, Eternal Tears Of Sorrow, Kalmah и Norther. “In My Own Spaceship” – это не попытка воссоздать характерное звучание этих групп и написать нечто в их стиле, но по-своему, а достаточно смелая, художественная и открытая импровизация на тему качественной, осмысленной и имеющей нечто общее с мдм музыки.
Элементы грува, модерн-металла, симфо-металла, техно-дэта и ядерной электроники музыкант заимствует так естественно и беззастенчиво, что их на альбоме в первый момент даже не замечаешь. Ухо воспринимает всю картину целиком, разум цепляется за концепцию и заворожено внимает разговорным русскоязычным сэмплам, и задействованные ингредиенты так уверенно и слаженно льют воду на общую мельницу, что совершенно не выделяются из общего контекста и не выпирают куда не следует, пытаясь перетянуть внимание на себя. А вот прогрессив в музыке проекта даёт о себе знать уже в первом треке и делает это очень убедительно, в чём окончательно не остаётся никаких сомнений, когда дело доходит до соло на клавишных.
Что касается до сходств с Children Of Bodom, то они действительно выходят на поверхность в “Emotional Anchors” и в некоторых других треках с пластинки, но доминирующего или вообще хоть сколько-нибудь заметного влияния на финальный результат и общее впечатление не оказывают. Hyperomm с удовольствием играют тяжёлый арт-рок с классической изысканностью 70-х, и то, что у них получается, могли бы оценить, а затем чествовать как прорыв и находку даже такие строгие любители классицизма как Всеволод Баронин. Изысканные, почти неоклассические соло, продуманные переходы, медитативная космическая атмосфера и филигранный инструментал дополняют интересные англоязычные тексты, и в итоге слушатель действительно отправляется в некое астральное путешествие.
Ну а я могу только констатировать, что прогулка по историческим эпохам, датам, фактам, фантазиям и теоретизированиям в компании с Hyperomm вышла захватывающей и нетривиальной. Автор не пытается выплыть, как это у нас зачастую случается, за счёт механического соединения элементов разных стилей, а просто творит, создаёт, креативит и следует голосу своей души. А душа у Антона поёт. Быть техничным, прогрессивным, академичным и в то же время мелодичным – это достаточно редкий дар, но у этого человека он определённо присутствует, а получается на альбоме кристально-чистая, словно млечный путь, музыка с грустными и сдержанными намёками на серьёзное и настоящее искусство.
Творчество Hyperomm носит экспериментальный характер, но это совсем не означает, что материал проекта сложно слушать или оценить его смогут только посвящённые. Поддавшись очарованию мелодий “In My Own Spaceship” и отправившись за ними, словно за флейтой крысолова, готовый к восприятию нового и не зацикленный на шаблонах прошлого слушатель найдёт на диске немало интересных фишек, ведь коллектив представил нам сейчас собственную версию эволюции “умного мдм” вроде Gardenian и TOC, и их вариант звучит так же фирменно и претенциозно, как если бы был создан и записан в стране тысячи озёр, а затем пришёл к нам в посылке с обратным адресом Spinefarm. Красиво, мощно, вдохновенно и даже в некоторой степени оригинально.
Рецензия на альбом проекта Dryadel "Night Songs"
Нас привлекает всё тёмное и прекрасное, а романтичные, тонко чувствующие души особо восприимчивы к ночной и мистической музыке, звучащей из истоков мироздания. И особенно когда они страдают от бессонницы или наслаждаются ею. Материал новейшего диска краснодарского one-man-проекта Dryadel был записан как раз в такие бессонные ночи, а открывающий альбом трек “Black Magic By Moonlight” так и вовсе оказался перенесён на носитель в Вальпургиеву ночь, и это очень чувствуется по звучанию и атмосфере данной работы.
Музыка страхов, суеверий, колдовства, древних ритуалов и проклятых мест – таким образом сам Rux описывает своё творчество под вывеской Dryadel, и тут же добавляет, что часто обращается за вдохновением к фолковым и средневековым мелодиям, а также к таинственным и необъяснимым явлениям реальности. “Я видел заброшенные дома и покрытые мхом стены, следы засохшей крови на деревьях. Это действительно странно, таинственно, удивительно и в некоторой степени жутко” – размышляет и конкретизирует он, описывая свой новейший диск.
Английское слово “weird” в своей многозначности оттенков очень точно описывает настроение и характер “Ночных песен” с их оттенком сверхъестественного и потустороннего, ну а если выражаться более научным и точным языком музыкальных терминов, то нас на данном альбоме ждёт эзотерический эмбиент с лёгкими вкраплениями неофолка и тягучей мистической атмосферой долгого болезненного сна, где бред, галлюцинации, фантазия и реальность сплетены так тесно и прочно, что их никак не распутать, да и распутывать бесполезно.
Шесть треков почти на пятьдесят минут в компании с Dryadel пролетают незаметно – даже самый внушительный по хронометражу “Black Magic By Moonlight” (его длительность составляет более четырнадцати минут) не кажется затянутым или надуманным. В этих композициях всё органично, природно и в то же время представляется вниманию слушателей с увлекательной и почти детективной интригой. Если в таком жанре как эмбиент вообще бывают хиты и блокбастеры, то “Night Songs” как раз один из них, и сделан он просто с невероятным профессионализмом.
Лёгкие отсылки к Hagalaz’ Runedance в “Hagalaz” (там даже присутствует нечто, отдалённо напоминающее пение), роскошный фолк в духе лучших произведений Sopor Aeternus в “The Witch’s’ Mark”, очаровательный сумрак “Through The Enchanted Forest”, цветочный шелест и звуки природы “River Of Dark Souls”, таинственные перешёптывания “Unholy Ritual (Epilogue)” – такой альбом способен впечатлить и любителей эмбиентного периода Burzum, и завсегдатаев затерянных миров вроде Karnash, и вообще каждого, кто ценит мрак, красоту и тёмный восторг.
К счастью, тёмная ритуальность Dryadel не перешла в хоррор и никаких радикальных перегибов с жуткой и похоронной эстетикой на альбоме не случилось. На “Night Songs” всё таинственно, чарующе, аристократично, холодно и эстетично. Призывные колдовские барабаны, нежная флейта, призрачные синтезаторы и тематические сэмплы дополняют друг друга, и прослушивание релиза в итоге напоминает долгий путь через воспоминания, фантазии и навязчивые больные видения, но альбом не пугает и не шокирует, скорее, он призывает расслабиться и помечтать.
И это звучит таинственно, мрачно, но в первую очередь красиво. Музыка ничем не детерминированного воображения, восхищения и тёмной эстетики, от прослушивания которой получаешь сильные и приятные эмоции, а возвращаешься к “Night Songs” всегда с большой охотой и с предвкушающим нетерпением. Я слушал альбом дождливым вечером, дедлайны и дела-обязанности остались в стороне, и это действительно было похоже на астральную прогулку сквозь века и измерения, где фавны и ведьмы встречаются намного чаще, чем скучные и сухие факты современного естествознания.
Единственное, что мне не очень понравилось на “Night Songs” и в творчестве Dryadel в целом – это достаточно угловатый и немного грубый логотип. Нет сомнений в том, что визуальная составляющая играет в случае с подобной музыкой очень важную роль, и Rux великолепно справляется с оформлением своих работ (посмотрите ради интереса хотя бы мельком обложки солидной дискографии Dryadel и его другого проекта Evilnox), но логотип “дриад” мог бы быть и чуть изящнее (как лого того же Evilnox, например).
И я не случайно заметил выше про хит и блокбастер. На данный момент Dryadel уже достаточно созрел для того, чтобы стать настоящим… я чуть не написал “брендом”. Нет, не брендом, потому что бренд часто подразумевает приоритетность внешнего над внутренним, а скорее культом. Настоящим ночным культом утончённой средневековой эстетики с определённым набором своих собственных узнаваемых символов, который все симпатизирующие оному будут рады нашить себе на рюкзак и на куртку, подчеркнув таким образом свою приверженность ему. Настоящая магия, ставшая музыкой.
Рецензия на мини-альбом Polina Mauer "U"
Как должна звучать модная современная музыка, которая желает снискать определённый успех у молодёжи и продвинуться в чартах? Она определённо должна быть броской, яркой, клиповой, доходчивой и универсальной. И такой, чтобы цепляло сразу, на интуитивном уровне было понятно, о чём речь, но не было примитивно и глупо (чтобы было, о чём задуматься и куда расти, так сказать). Все перечисленные составляющие давно и с успехом использует уже достаточно известная московская певица Polina Mauer, но даже по её собственным стандартам её новейший EP стал откровением и большим шагом вперёд. Что общего у C.C.Catch, Pet Shop Boys, Сандры и Мэйби Бэйби? Ответ на этот вопрос, а также на ещё сто тысяч других прямо сейчас перед вами.
Писать “v” вместо “we”, “2” вместо “too”, а “u” вместо “you” было круто ещё во времена U2, и эта молодёжная фишка – одна из тех редких вещей, которые совершенно не претерпели никаких изменений с течением времени и всё так же котируются у тех, кто юн и горяч. Здорово иметь свой собственный язык, непонятный предкам и прочим профанам, круто общаться непонятным большинству шифрами и понимать этот шифр – всё это делает тебя как будто причастным какой-то тайной секте, а всякий, знающий ваш особый позывной, автоматически становится почти другом, товарищем и братом. А ещё можно нарисовать на стене индейскую национальную хижину, и всем посвящённым сразу же станет ясно и понятно, о чём речь. Чем не идиллия?
Вот на всех подобных вещах и решила сыграть сейчас Polina Mauer, по-новому обыграв и переосмыслив свои эпатажные фишки последних лет. И переход из кардио-рока в кардио-поп совершился окончательно, и данный факт никаким сомнениям не подлежит. Конечно, рок-дисторшн всё ещё присутствует в треках исполнительницы, однако его удельный вес значительно понижен, а сам он стал фоновым фасадом и на роль доминирующего ингредиента более не претендует. Я бы сказал, что весь рок был растворён со временем в экспериментах и творческих поисках Полины, а затем поднялся в атмосферу в виде паровых испарений и всё пропитал собой, в то же время изменив и скорректировав молекулярный состав её современных композиций.
И получился очень ядрёный, энергичный, заводной, но не лишённый особых изломов, горьких противоречий и готических драм, материал с особым привкусом, по которому человек знающий без труда определит, что перед ним именно Polina Mauer. Звучат новые треки Полины модно и по-европейски (в какой-то момент мне даже вспомнились поп-диско-энтузиасты, которые так часто гостят в последнее время на Евровидении), поэтичные русскоязычные тексты делают композиции понятными даже не самым продвинутым современным российским подросткам, а непредсказуемость и эпатаж исполнительницы ехидно посматривает из-за угла, норовя вот-вот выкинуть что-нибудь неожиданное и сумасшедшее.
А доминируют на “U” просто драйв и стиль. И, конечно же, эмоции. Эти песни просты и даже безыскусны, но в таком хип-хоп-примитиве уличной романтики и молодёжного сленга здесь как раз и содержится вся звёздная пыль. Стоит немного присмотреться, и становится очевидно, что за нарочитой элементарностью аранжировок и простотой задействованных ингредиентов скрывается богатая палитра эмоций, вроде той, что мы привыкли находить на дисках Нелли Фуртадо. Такой показной и однозначный примитив – это не свидетельство неумения сочинять красивые мелодии, это желание показать, что в определённой ситуации музыкант способен обойтись самым минимумом выразительных средств и достичь необходимой цели, что называется “одной левой”.
Пружинящий диско-ритм классического евродэнса, релаксирующая атмосфера и мечтательные мелодии оставляют достаточно сильное, но в то же время и несколько противоречивое впечатление. Под такие песни можно танцевать, мечтать или отдыхать в шезлонге на морском побережье, и всё это легко, естественно и с полным соответствием настрою и атмосфере новейших треков Полины. Лёгкая, слегка ироничная грусть текстов, искрящийся позитив инструментала и эпизодические вокальные дурачества-хулиганства “U” в совокупности действуют как насыщенный коктейль со странным и удивительным сочетанием вкусов, идентифицировать и свести к единому знаменателю которые совсем не просто.
Самая хулиганская “U”, самая балладная и лиричная “Последними словами” и самая медитативная “Оставь своё имя” – это три грани альбома, но за ними угадывается широчайший спектр хорошей мировой поп-музыки и тайные отсылки к ней. От Глюкозы до Мэйби Бэйби и от X-Perience до t.A.T.u. – Полина мастерски жонглирует самыми разными эффектами и заимствованиями, создавая из них свои собственные шедевры расслабленной меланхолии. И слово “меланхолия”, пожалуй, можно считать ключом к пониманию творчества певицы, каким бы разным, противоречивым и не похожим на себя оно ни казалось. Новый звук, новые способы самовыражения, новые рецепты создания хитов, но это всё та же прежняя Polina Mauer.
Эти песни действительно могут показаться примитивными и в каком-то смысле даже ретроградными, но это обманчивое впечатление. Какой-нибудь узколобый сноб-филолог запросто может решить, что “u” вместо “you” используют только недалёкие малолетки, у которых интеллект ниже плинтуса, но вот с плаката сурово смотрит Боно, и разве можно упрекнуть его в ограниченности и интеллектуальной несостоятельности? Не нужно стараться быть серьёзнее, чем тексты U2 и праведнее, чем святой и праведный Иоанн Кронштадский – иногда стоит просто улыбнуться удачной, пусть и слегка наивной фишке, позволить себе покачаться на волнах позитива и, в конце концов, немного проплыть по течению сильных и позитивных эмоций.
Я думаю, именно это и предлагает нам альбом “U”, и мне он показался очень сродни метаниями краской в праздник Холи, обливаниями водой в день Нептуна и незатейливым песенкам растаманов. Вы уже догадались, что объединяет эти такие разные явления? Правильно, способность отбросить на время свой снобизм и умение просто веселиться и не судить самого себя слишком строго. Кроме правильных фраз, цитат из энциклопедий и идеальных музыкальных гармоний, в этом мире есть ещё очень много разных замечательных вещей, и порой наступает момент, когда попробовать их на вкус нужно именно вам. Если вы дочитали эту рецензию до конца, думаю, вам уже ясно, что прямо сейчас этот момент настал именно для вас, а тайный знак Вселенной, свидетельствующий об этом, как раз “U”. Приятного путешествия.
