РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на альбом группы TVOY "Single"
Да не введёт вас в заблуждение название данной пластинки - перед нами сейчас совсем не сингл, а вполне себе полновесный и полноформатный дебютный альбом one-man-проекта из Сыктывкара под предводительством Константина Поташова. Не имею ни малейшего представления по поводу того, что хотел сказать автор таким названием своего диска, но внимание оно привлекает – это факт, а попутно, вполне вероятно, наведёт кого-то на размышления о внутренней связи и оттенках в значении английских слов “single”, “alone”, “lonely” и “one”, а также о том, как они способны корреллировать с аббревиатурой diy (do it yourself) – да-да, вы всё правильно поняли, и самобытности на данном CD хоть отбавляй!
Достаточно продолжительное интро звучит в своей первой половине в духе релакс-медитаций, но во второй половине утяжеляется, и “голос за кадром” неожиданно откровенно заявляет “соберём все вместе синглы, вот и альбом”, хотя я бы не стал утверждать, что всё в данном случае настолько уж просто и безыскусно! Первый трек “О ней – о любви” представляет свою собственную вариацию автора на тему, как мог бы звучать классический русский рок в духе Кино в содружестве с полифоничным ньюэйджем вроде X-Perience, Era и Enigma. Голос Константина напоминает одновременно Цоя и Бутусова, а музыкальное оформление его песен вызывает в памяти Лорину Маккеннитт и всё тех же Enigma, Era, Deep Forest и иже с ними.
Кстати, о Лорине. Третий по счёту и второй песенный номер на пластинке “Если уйдёшь…” записан совместно с Аллой Саревой, и на самом деле за счёт использования женского вокала ещё ближе подбирается к владениям Лорины, Эньи и всяческих Clanned, а вот сменяющий эту вещь трек “Жить мечтой” неожиданно делает крен в сторону колхозной панк-эстетики Сектора Газа, и даже голос вокалиста неожиданно начинает смахивать на Юрия Клинских, что происходит на фоне всё тех же арфовых переборов и прочей стилизованной музыкальной кельтики, а потому pfvtnbnm, что это звучит диковинно, будет сейчас как нельзя более уместно.
Тяжёлые металлические гитары “Кино” приносят на диск влияния индастриала, который в сочетании с разухабистой вокальной манерой автора звучит как какой-то полунездешний вариант паган-металла (и, кстати, в текстах и в голосе в данном треке проскальзывает что-то от Шклярского), а вот звук и сведение настолько атмосферны и разреженны, что в них можно утонуть. “Падший” и по тексту, и по исполнению смахивает на классические хиты Наутилуса Помпилиуса, хотя и здесь не обошлось без характерной для Tvoy мистической подоплёки и появившихся в прошлом треке тяжёлых массивно-припечатывающих гитар.
“Недоброе утро” выглядит как апофеоз индустриального панка, где на фоне тяжёлых рамштайноподобных гитар и буйства синтезаторов Константин то подражает вокальным упражнениям Короля и Шута, то пробует себя в экстремальных дьявольских повествованиям, ну а коротенький финальный набросок “Праздник приходит” это уже откровенный стёб, шарж и всецело эмоционально-импульсивная, ситуативная запись. Что будет если смешать Несчастный Случай, Шмелей, Пикник и Наутилус Помпилиус? Вероятно, ответ сейчас перед нами, и звучит он довольно органично и почти естественно.
Не нарушает эту органичность даже тот факт, что альбом как будто состоит из двух равных, но совершенно разных частей, и первые четыре трека словно написаны и записаны совсем другой группой, нежели последние четыре: очень мало общего у эфирных, воздушных, почти ньюэйджевых “О ней – о любви” и “Если уйдёшь…” с грузными, рваными, монолитно-свинцовыми “Кино”, “Падший” и “Недоброе утро”. Саунд, настрой, даже эмоциональная окраска лирики совершенно разные в первых четырёх пьесах и в последних четырёх, а в целом создаётся ощущение, что музыкант сам ещё не решил, в каком направлении ему больше хотелось бы развиваться, и представил эдакий концептуальный шеридан – музыкально-словесный инь-ян.
При всех очевиднейших недоработках в плане саунда, сведения, композиции и общем diy-уровне продюсирования актуальный релиз привлёк моё внимание и заинтриговал своей экспериментальностью и свежим взглядом на феномен русского рока. Есть на диске что-то отдалённо напоминающее атмосферу и настроение аквариумовского “Пепла”, раннюю классику Наутилуса и Агаты Кристи, и какая-то ничем не связанная и ни на что не ориентирующаяся непосредственность, из которой так часто рождались великие диски и великие группы. Конечно, на данном этапе всё это ещё очень далеко не про Tvoy, но задел весьма неплохой и многообещающий.
Порой “Single” смахивает на ранние происки The Cure, Bauhaus и Sisters Of Mercy, порой кажется каким-то визионерским винегретом, а в общем и целом представляет собой набор пока ещё очень сырых и не вполне доведённых до ума музыкально-текстовых скетчей, но именно в этом его сила. Чистый неогранённый алмаз всеобъемлющей экспериментальности на почве великого и несравненного русского рока в исполнении Tvoy можно сравнить с тем, что выдали нам в недавнем прошлом N & B, Hagat и Турбогроб, а можно ни с кем и ни с чем не сравнивать, а просто прильнуть к этому источнику чистой музыкально-текстовой непосредственности и освежить своё восприятие музыки, а заодно избавиться от вросших в сознание шаблонов и стереотипов.
Рецензия на сингл Фелиссы Белиол "Любовь"
Любовь и в Африке любовь. И, наверное, даже в Японии. Хотя сейчас, после выхода новейшего сингла Фелиссы Белиол делать такие утверждения про страну восходящего солнца, самураев и хокку можно уже с полной определённостью и безо всяких “наверное” – Фелисса так увлеклась идеями и идеалами вижуал-кея, что для большей аутентичности и правдивости даже отправилась в Японию на некоторый период, а вернувшись продолжила заниматься собственным творчеством уже на родине, не оставляя попыток поразить мир своим оригинальным русскоязычным вариантом любимого жанра.
Не так давно у исполнительницы вышел дебютный полноформатный альбом, а летом нынешнего 2019 года у неё вновь премьера и даже две: клип на одну из самых запоминающихся песен с альбома “Душа” и совершенно новый сингл “Любовь”. Собственно, тематически эти два релиза пересекаются или точнее, один переходит в другой: если “Боль и счастье свободы” повествует о расставании, прекращении отношений, то “Любовь” это новое начало и новый расцвет чувств, когда история начинается с чистого листа, а впереди только доброе, хорошее и прекрасное.
В точности следуя традициям азиатской созерцательности и правилам вижуал-кея, Фелисса сделала свой новый видеоролик именно таким: созерцательным, костюмированным и калейдоскопично-вращающимся вокруг одних и тех же повторяющихся, но эффектных образов. В видео девушка предстаёт то в виде самурая, решительно отсекающего прошлое своим острым мечом, то беспечно обмахивается веером в предвкушении своей свободы, то вдруг становится грозной хищницей, вырвавшейся на волю, то просто кружится по полю в окружении цветов и трав.
Лёгкие, достаточно светлые, хотя и не лишённые внутреннего стержня и напора образы, некоторая доля кокетства и театральности в поведении, костюмы в прояпонском стиле и мягкий природный фон в совокупности создают ощущение приятного видения, посетившего уставший, но вовремя расслабившийся посредством пары-тройки бокалов саке и отхода ко сну у себя на веранде в летний июльский полдень разум. Следить за перемещениями на экране и мимикой Фелиссы – это вам не ловить абсентовых фей: всё намного приятнее, хотя и довольно энергично.
Конечно, видео не отличается разнообразием и какой-то особой зрелищностью или динамичностью, однако в качестве тематической вижуал-кей-иллюстрации к треку подходит довольно неплохо, да и динамика с надрывом там, конечно же, присутствуют: кровь, решительность, резкие движения – всё предельно очевидно иллюстрирует серьёзный настрой исполнительницы, а достаточно жёсткое музыкальное оформление с намёком на металлический драйв ещё более подчёркивает ревущий накал страстей и непреклонность героини.
А вот новейший трек “Любовь” это нечто совершенно противоположное песне, на которую был снят клип. Здесь правит бал расслабленная весенняя меланхолия и традиционный для Фелиссы поп-рок с элементами неоклассики. Уже нет ни следа металлических аранжировок, да и рока как такового почти нет, а на троне восседает эфирно-воздушная полётная мечтательность, характерная для творчества Эньи, The Clannad и Лорины Маккенитт, но с характерной японской атмосферой и прозрачной аллюзией к самурайским мелодиям, которых так много было в “Боли и счастье свободы”.
Чувствуется, что Фелисса с интересом посматривает в сторону от традиционного вижуал-кея в направлении более компромиссных, изящных и разнообразных жанров: если “Боль и счастье свободы” вполне умещается в стандарты традиционных вижуал-кей-артистов вроде Malice Mizer и Cinema Bizzare, то её актуальный сингл это уже что-то более напоминающее синти-поп и даже эмбиент, что можно без труда заметить если сравнить “Любовь” с треками Канон Вакэсимы (японская певица и виолончелистка в жанрах дарк-эмбиент и барокко-поп) “Marmalade Sky” и “Koi no Doutei”.
Фоновый, достаточно мерный и ровный характер композиции призывает слушателей быть предельно внимательными, предлагает им вслушаться, всмотреться, затаить дыхание, на время отойдя от сумасшедшего ритма жизни мегаполисов, и открыть своё сердце азиатской мудрой неспешности и актуальной вариации российско-японского вижуал-кея в исполнении Фелиссы. Сходств с Эньей на самом деле немало, а если воспринимать “Любовь” в связке с предшествовавшим релизу сингла клипом, картина обретает целостность и завершённость.
Конечно, сейчас перед нами не шедевр и не прорыв, да и уровень продюсирования и реализации всё ещё остаются на diy-уровень, однако всё смотрится в совокупности довольно приятно, а что важнее - рельефно, выпукло и образно, визуально, что для заявленного жанра, конечно же, первостепенно. Фелисса явно чувствует себя очень свободно, уверенно и комфортно в тех образах, которые на себя примеряет, а её лучистый энтузиазм действует как радиация счастья или как какой-то аналог вечного двигателя. Это заразительно и способно поднимать настроение не хуже чем саке, что уже само по себе замечательно.
Рецензия на альбом проекта Чароит "По пути к рассвету"
Моё знакомство с творчеством ролевиков-менестрелей произошло при довольно романтических обстоятельствах: это был 2000 год, я был тотально забаррикадирован металлическими идеалами, идеологией и эстетикой, меня несла и подбрасывала безудержная металлическая магия. Это было время дисков и кассет, высоких трав, веры в высокие идеи (а что важнее – желания и готовности этими идеями жить), бумажных журналов, писем и обмена музыкальными редкостями в почтовых бандерольках. Именно в одной из таких бандеролек как-то от одной из моих питерских знакомых по переписке ко мне пришли записи Ниенны (позже Элхе Ниеннах), Тэм Гринхил, Иллет и Скади. И хотя эта музыка была по звучанию совершенно не похожа на метал, меня она захватила сразу, ведь вдохновенное исполнение, волшебные тексты и убеждённость, убеждённость и ещё раз убеждённость стояли у менестрелей на первом месте. Энтузиазм, веру и эмоциональный накал этих авторов было просто невозможно не увидеть и не почувствовать, и хотя я никогда не причислял себя к толкиенистам, это ничуть не помешало мне полюбить эту музыку всем сердцем.
А потом были записи Лоры Провансаль, Йовин, Джем, Рыжего Канцлера, только-только начинающей тогда Хелависы, Башни Rowan, совсем уж эксклюзивы вроде Werwolka, Предел, Чайки и бесчисленные “и иже с ними”. Эксклюзивность и какая-то особая элитарность – это ещё пара слов, которые можно добавить, описывая, почему такие вроде бы простые и безыскусные песенки цепляли настолько глубоко и всерьёз. И да, далеко не всегда менестрели ограничивались одной только акустической гитарой, и примером тому могут служить как раз упомянутые сейчас мной Башня Rowan, Предел и Werwolka. Или певица, скрывающаяся под псевдонимом Чароит. На своём дебютном четырнадцатитрековом альбоме Чароит (в миру Яна Григорьева) исполняет песни, напоминающие классику Тэм Гринхил, Йовин и Иллет, но с более богатым и разнообразным музыкальным сопровождением в духе Башни Rowan, Ignes Fatui, обязательными рок-барабанами и таким же обязательным шагающим рок-ритмом, поверх которого ненавязчиво наслаиваются почти джазовые импровизации и клавишные пробежки.
Чароит напоминает Тэм Гринхил не только тембром голоса и особой героически-зовущей подачей, но и мастерством обращения со словами и рифмами, что однозначно стоит расценивать как комплимент. Слова классика “словом можно убить, словом можно спасти, словом можно полки за собой повести” относятся к песням Яны если не на сто процентов, то на девяносто пять – точно. Поёт она вдохновенно и вдохновляюще, а хитовость, припевность и рок-песенность, которые проявляются уже в открывающей альбом “Город на перекрёстке”, не вредят серьёзности и рельефности её композиций, делая их разнообразнее и легче для восприятия людей, не привыкших к андеграундности ранних менестрелей. Чуть более сдержанная, грустная и драматичная “Там под защитой высоких стен” обладает интересным, как будто плавающим музыкальным сопровождением, а сменяющая её “Когда стрела сорвётся с тетивы” при радикальной верности заветам и канонам Тэм в плане аранжировки сближаются с группами вроде Лицей, что звучит как минимум непривычно, а как максимум – оригинально.
И по мере продвижения по трекам альбома музыкальной оригинальности становится всё больше: почти регтайм в “Две трети волшебства”, чуть ли не классический арт-рок 70-х в “Ста причинах”, что-то вроде этно-перкуссии в “Ледяном копье севера” – всё звучит очень интересно, разнообразно и профессионально, если бы не одно “но”. Музыка как будто искусственно задвинута на второй план и служит исключительно обрамлением, барельефом, не надеясь на полноправность с вокальной линией. Конечно, жанр менестрель-композиции уже по определению предполагает доминанту голоса и текста, и всё-таки такая очевидная фасадность и второплановость столь изобретательных и интересных партий вызывает некоторое недоумение. И ещё одно “но”. Кое-где (в том же “Ледяном копье севера”, например) на альбоме проскакивают дисторшновые гитары, и они, как это водится на подобных релизах, совершенно никакие: пластмассовые, неестественные и блеклые. Кроме того, они здесь совершенно не в тему. Но это мелочи (тяжёлых гитар на альбоме всего ничего), и при прослушивании на восприятие и атмосферу данные нюансы ничуть не влияют.
Особая романсовая задумчивая печаль, свойственная Тэм Гринхил, очень интересно звучит у Чароит благодаря её затейливым музыкальным решениям, в чём вас без труда убедят “Моя погибель” и “На волне откровений”, а не впасть в беспросветную грусть и омут отчаяния помогут шутливые алко-гимны в лице “Баллады о лесных стрелках”, “Оды элю” и “Рыцарской застольной”. Коротенькие музыкальные пьесы альбома “По пути к рассвету” никого не станут утомлять и грузить, а вот порадовать любителей интеллектуальных афоризмов вполне способны. Есть на альбоме и небольшой сюрприз-привет поклонникам ранней Мельницы (“Роща Тивери” звучит очень в духе и в традициях “Сонного рыцаря” и “Княже”), однако мне больше всего запомнился и понравился особый “эльфийский рок-н-ролл” трека “Середина лета” (почти “Мои жёлтые ботинки”, только с особой мечтательной фэнтези-спецификой), хотя полюбил и люблю я такую музыку за драматические баллады и героические эпосы в духе “Пепла”, “Моей погибели”, “На волне откровений” и “Между светом и тьмой” (мои любимые треки на пластинке, которые мне приятнее всего переслушивать).
Я не усмотрел какой-либо логики в развитии альбома и сочетании треков - насколько я могу судить, “По пути к рассвету” это просто сборник разных песен в рандомной последовательности, а объединяет их в единое концептуальное целое, в единый альбом общее настроение или скорее даже настрой, который сама Чароит определяет как надежда. “Эти песни о том, что как бы ни было темно, рассвет всегда приходит. Нужно только дождаться!” – читаем мы в авторском эпиграфе к альбому, и песни на диске действительно очень светлые и жизнеутверждающие. Даже в самых горьких и лунных “Моя погибель” и “На волне откровений” нет беспросветной безысходности, а всегда и неизменно на две трети (плюс-минус полстакана) волшебства. Альбом и в должной степени традиционен, и в столь же должной степени экспериментален и оригинален, музыкально-лирические упражнения Чароит звучат приятно и наверняка порадуют не только почитателей творчества менестрелей, но и людей более широкого профиля, знающих толк в хороших стихах и хороших песнях со смыслом. Если бы это был типичный менестрель-альбом, оценка была бы 5 из 5, но коль скоро Яна экспериментирует с аранжировками и столь усложняет их, ей есть, куда расти и к чему стремиться. Пока что 4 из 5.
Рецензия на альбом группы Dissector "Loss"
Этот легендарный коллектив, стартовавший в Магадане ещё в начале 1990-х и предводительствуемый по сей день своим бессменным лидером и основателем Яном Федяевым (The Lust, GOOT, Tartharia, etc.), исполняет весьма интересную музыку, которую очень сложно описать, да и вообще вряд ли стоит описывать словами. Подобно нынешним Megadeth, “диссекторы” играют нечто очень самодеятельное и авторское, о чём легче и правильнее всего было бы сказать “Dissector – это Dissector”, а распробовать лучше под хорошее крафтовое пиво.
Альбом 2017 года стал особым и переломным для группы. В разгар работы над пластинкой безвременно покинул наш мир давний друг Яна и Олега Андрей Глухов, в связи с чем название релиза, да и сам диск приобрели глубокий экзистенциальный смысл, пропитавшись почти физически ощущаемым чувством потери. Диск имеет впечатляющий чёрно-белый арт и предельно претенциозно смотрелся в виде дигипака, тираж которого на данный момент полностью распродан, а ему на смену давно вышел вариант в стекле с дополнительным бонусом.
Англичане из Metal Mag отметили присутствие на альбоме элементов энергетики (“power”) таких групп как Sabaton, и Dissector не преминули указать в описании своего сообщества ВКонтакте о влияниях трэш-пауэра на свою музыку, однако не спешите принимать данное утверждение как указание на трэш-пауэр таких групп как Metal Church, Meliah Rage и Morgana Lefay – Dissector куда более основательны, сумрачны и меланхоличны; если с кем-то их и сравнивать сейчас, то скорее с Rage или с экспериментальной эрой Kreator времён “Cause For Conflict” и “Endorama”.
Мелодии, атмосферность, плотный трэшевый риффинг и окологотическая мечтательность навроде той, что отличала Paradise Lost времён “One Second” присутствуют практически в каждом треке с “Loss”, однако их процентное соотношение друг с другом заметно варьируется от композиции к композиции, и если открывающий пластинку номер “We Are The Voice” предельно мягок и эпичен, спешащая ему на смену “The Architect” в плане инструментала намного более напориста, ребриста и шероховата, вызывая ассоциации с апокалиптическим трэшем.
Вокал Яна на альбоме кажется каким-то разреженным и почти призрачным. Все те же самые знакомые поклонникам Dissector интонации без толики сомнения узнаются и угадываются даже когда вокала ещё и нет в помине, а звучат одни только инструменты, но когда он всё-таки выходит на сцену, кажется, будто Ян вещает из какой-то забаррикадированной горной пещеры, где попутно ведут оживлённую беседу друг с другом обитатели этой самой пещеры – свирепые лесные тролли.
Вокальные партии диссекторов эпохи “Loss” действительно сложны, полифоничны и многогранны: Ян то стенает и жалуется, то с жаром убеждает и гневается, то зовёт куда-то и сулит несметные кары и беды незримым супостатам-неприятелям, и всё это в рамках одного трека (взять хоть “The End”) и с такой драматической страстью и жизненной натуральностью, что остаться в стороне на самом деле непросто. Даже такие простые считалочки-рифмовки, как припев “Pay” Ян исполняет с такой многострадальной глубиной, что в ней реально тонешь.
Как я уже говорил, описывать музыку Dissector с помощью слов – тухлое дело, однако у меня по мере прослушивания рецензируемого компакта родилась ещё одна вербальная ассоциация. Dissector – это готик-дум в духе Paradise Lost, Cemetary, Tiamat, Sentenced, Theatre Of Tragedy и т.д, но исполненный холериками, исполненный на предельных скоростях, с пылом, с жаром и вообще так, что гвозди отлетают от стен, а штукатурка сыплется на буйные головы будто густой январский снег. “Loss” – это почти что сентенседовский “Crimson”, но утяжелённый и затрэшёванный до дэта.
Как когда-то Slayer сыграли свой “Seasons In The Abyss” на записи в три раза быстрее, чем то было задумано, так и по ходу прослушивания меня всё время неотступно преследовало чувство, что вокалиста и композитора буквально разрывают на части противоречивые стремления, боль, грусть, тоска, вина, желание что-то делать (и делать побыстрее, сию минуту, сию секунду, делать отчаянно, спешно и энергично), что его состояние и внутренний эмоциональный градус практически соответствуют адским мукам грешников со средневековых гравюр.
Диск так раскочегаривается к середине, что “Pieces Of Heart” и “Spark” буквально сочатся энергией и огнём, и всё это на фоне меланхоличных, а порой и почти флегматичных, словно медитативно обращённых внутрь себя риффов и какой-то злобной созерцательности. Именитые гости из Rage и Angelcrypt подбавили в этот жаркий котёл по красивой соло-партии, но кипящее варево “Loss” ничего не потеряло бы и без них. Подобные настроения действительно можно найти в пауэре, но не у Sabaton и не у Metal Church, а у групп вроде Helstar, Sanctuary и Nevermore.
Современный метал (да и не современный тоже) – это по большей части музыка личностей. По-настоящему интересно слушать, как правило, не столько набор удачных риффов и соло, сколько целостный концептуальный метал-ураган, за создание которого отвечает человек, который чувствует, думает, понимает, за словом в карман не лезет и обладает такой харизмой, что в его присутствии вянут цветы, а крышки с пивных бутылок взлетают как пробки шампанского. Ян Федяев именно такой человек, за это я ручаюсь, и его музыка сильна и самобытна – за это я ручаюсь тоже. Отличный альбом, преисполненный боли, настоящих эмоций и откровений.
Рецензия на EP группы Caesarius "Road To Rome"
Как известно, кесарю - кесарево, а слесарю – слесарево, и амбициозные новички из столичной группы Caesarius в точности следуют этому мудрому принципу. Они не стараются втискивать в прокрустово ложе олдового пауэр-спида прогрессивные элементы или джентовую гитару, не заигрывают с модерновым саундом и вообще не ищут от добра добра, а вместо этого с неистовством и упорством римских легионеров следуют давней коммунистической поговорке про лучше меньше да лучше и с удовольствием нарезают свой сырой и первозданный материал в духе Attacker, Iron Angel и ранних-преранних Helloween и Blind Guardian.
Однако совсем без изменений после выхода дебютного EP “Dreamland” всё-таки не обошлось: обновился логотип, заметно повысились инструментальные навыки участников коллектива, за записью и сведением ребята обратились к Сергею Лазарю, явно вознамерившись выйти на более профессиональный и впечатляющий уровень звучания, и хотя количество треков осталось всё на той же, что и год назад, отметке “4”, на этот раз один из этих треков заявлен как баллада. Да, это всё тот же самый любимый нами с вами перво-прото-пауэр/спид из самой бездны 80-х, но записан, реализован и представлен он сейчас с чуть большей оглядкой на каноны шоубиза.
В сети обретается множество восторженных отзывов по поводу актуального релиза Caesarius, и восторг слушателей и ценителей олдскула можно понять – звучит “Road To Roam” на самом деле мощно, свежо и вдохновенно. Они по-прежнему восхитительно олдскульны и прямолинейны, но музыка определённо стала сложнее и изящнее, а вместо ассоциации с Attacker мне на ум приходят Forgotten Tales, ранние Dark Moor и White Skull. Определённо стало больше мелодий, больше осознанности в построении гармоний, структура композиций уже не столь линейна и безыскусна, а вокал Васи Лихтенберг стал заметно разнообразнее и изысканнее.
Кстати о White Skull. Уже обложка и звучание первой титульной вещи с “Road To Rome” напомнили мне альбом этих итальянцев 2000 года “Public Glory, Secret Agony” и их возгласы-выкрики в духе “oh, greedy Rome”. Конечно, звучат сейчас Caesarius чуть более по-германски и заметно косятся в сторону Steeler, Brainfever, Veto и других локальных немецких патриархов олдскула ранних 80-х, но очевидно влияния названия (как вы лодку назовёте…) и тематики, заявленной для альбома, не прошли бесследно, и на диске густо повеяло югом, Римом, Италией, Цезарем, песками-сандалиями, тогами-мантиями и тому подобными жаркими и батальными вещами.
Можно по-разному расценивать изменения в звучании команды, и угрюмые пещерные олдфаги наверняка будут недовольны уходом сырости и андеграундной подвальной непосредственности, а также общим смягчением саунда коллектива, но их мнение в данном случае вряд ли на что-то сможет повлиять – Caesarius рвутся к признанию, к массовому слушателю и как когда-то Hammer Fall усиленно ратуют за возвращение на обложки метал-журналов первой величины героев тру-хэви-пауэра в поблёскивающих на солнце кожаных напульсниках и железных патронташах, и да, мотивы массированной интервенции ребят на самом деле весьма высоки и благородны.
Балладная вещь “The Sun” записана с учётом всех спид-канонов по поводу создания медленных вещей из 80-х и звучит как пламенный привет Iron Angel с их “Winds Of War” и White Skull с их “Mama”. Строго, сдержанно, даже сурово, но не без намёка на мелодию, эмоциональность и чувственность Caesarius возносят свои солярные молитвы под глубокомысленное гитарное арпеджио, а заканчивают миник на более характерных и свойственных для себя шустрых скоростях с узнаваемыми мелодиями и смачными сменами ритма. Вы любите подобный материал и вам давно хотелось чего-то свежего и искреннего? Получите, распишитесь!
Мне немного жаль, что напора в духе Omen и Sacred Steel сейчас у ребят на порядок меньше, чем было ещё год назад, но что поделать: развитие есть развитие, даже Metallica на “Ride The Lightning” звучала уже совсем не так как на “Kill’Em All”. Жаль, что вокальные мелодии вокалистки сейчас уже не так очаровательно наивны и эмоциональны (по мере прослушивания “Dreamland” мне на самом деле немелко вспоминались Veto, Maniac, Excess, Siren и тому подобный дремучий, но такой прекрасный олдскул), но тем не менее “Road To Rome” стоит признать намного более цельной и профессиональной работой с куда более впечатляющим продюсированием, а мелодии наверняка ещё вернутся, когда ребята дойдут до записи лонгплея - свой Рубикон они уже перешли, а все дороги, так или иначе, ведут в Рим!
Рецензия на альбом B.T.R. "Чужая Война"
Суровые, но не чуждые веселья и всего человеческого хардрокеры-индустриальщики из B.T.R. продолжают свои планомерные военные операции, и спустя три с половиной года после выхода сокрушительного лонгплея “Родина” представляют новый полноформатник. Как видно из названия пластинки, военная тематика продолжается (да и могло ли быть иначе), однако у современных B.T.R. скорее больше отличий, чем сходств с самими собой времён альбома “Родина”.
Не обошлось без кадровых перестановок и ласточек, несущих вести о радикальных переменах: ещё осенью 2018 года из коллектива выбыл драммер Дмитрий Литвинов, место которого за ударной установкой немного погодя занял Андрей Дыдалин, у основателей коллектива Михаила Карповича и Александра Терехина за это время успели родиться дочери, а свой новый сингл “Ленинград 1943” музыканты решили добавить в альбом “Родина”, мотивируя это тем, что в материал его преемника данный трек просто не впишется. И последнее было многозначительнее всего.
Как бы там ни было, сейчас долгое молчание, наконец, прервано, альбом вышел, и мы имеем возможность предметно ознакомиться с тем, какой облик приняли наши давние знакомцы из B.T.R. и что нового они там сочинили. А сочинили они невероятную солянку из Сектора Газа, E.S.T., Rammstein, Mordor, хитовых битов Danse Macabre и мечтательных синтезаторов a la Crematory – собственно, всё как и было на альбоме “Родина”, но чуть с другими акцентами, большей долей танцевальной энергетики и не со столь прямолинейными патриотическими пассажами в текстах.
B.T.R. явно решили чуть расширить собственную тематику и границы своего стиля, но основа их музыкально-лирических изысканий осталась прежней, и это хорошие, качественные песни со смыслом – песни, не лишённые иронии и самоиронии, разухабистых ритмов и панковой непосредственности, но в основе своей предельно серьёзные и поднимающие насущные, первостепенные проблемы. Я бы даже сказал, что серьёзности на новом альбоме больше, чем это было когда-либо раньше, а альбом в целом более воинственный и суровый, чем “Родина”.
Погружаясь в лазерные дорожки свежего творения музыкантов, сразу же обращаешь внимание на заметно скренившийся в сторону традиционного рок/метал-звучания саунд, на основательный скрежет гитар и на посерьёзневшие вокальные линии. Конечно, это всё тот же B.T.R., но электронно-танцевальная подкладка уже не столь выдаётся вперёд и не столь очевидна, а вокал уже не такой въедливый и безраздельно-хитовый. “Больше чистого рока, больше драйва и простых искренних эмоций” – именно под таким лозунгом идут бои на “Чужой Войне”.
Очень внушительно, сумрачно и тревожно звучат такие новые номера столичных милитаристов, как “Война”, “Шаг”, “Образ”, “Дыши”, “Кто-то”, хотя по-прежнему не обошлось без характерной дискотечно-пружинящей индустриальности в “Призрак, рождённый тобой”, “Рок-н-ролл жив!” и в “Птица-Душа”, а также отчасти в упомянутых “Дыши” и “Кто-то”, ну а “Помирать нужно весело” это стопроцентный E.S.T. с их залихватской анархистско-разудалой революционностью и знаменитой махновской широтой. И всё-таки серьёзности и фундаментальности стало больше, много больше: уже не Rammstein, а Stahlhammer.
Очень интересная, почти этническая вокальная линия присутствует в “Есауле”, интересно вписался в припев трека “Птица” дивный женский вокал Джины, известной по таким проектам как Rose of Steel и Kruger, Евгений Виноградов (Дай Records) на совесть поколдовал над сведением и мастерингом, да и нижегородская студия Два Кота Records не подвела с записью, но что важнее – “Чужая Война” по-прежнему состоит сплошь из отличных хитово-бронебойных вещей, которые приятно слушать и переслушивать снова и снова, напевать себе под нос или орать в пьяном кураже у себя на даче с друзьями-соратниками.
Со смыслом, но без напора на этот смысл и без менторского занудства B.T.R. продолжают гнуть свою генеральную воинственную линию, и у них это с блеском получается. Никаких легкомысленных синтезаторов и примитивных аранжировок в духе Короля и Шута, только настоящая мужская музыка для настоящих мужчин – похоже, сами B.T.R. очень гордятся своим новым музыкальным амплуа и найденным балансом между хитовой доступностью и металлической брутальностью. Собственно, почему бы и не гордиться – вышло здорово.
