РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на альбом группы Avenger Kills "The End Has Come"
Настоящие воины металла не знают ни отдыха, ни сна, ни покоя. Они либо коротают дни в жестоких битвах за безраздельное доминирование во Вселенной, либо к этим самым битвам готовятся, либо приходят в себя после боя. “No rest for the wicked” – утверждал старик Оззи, “No sleep till’ hammersmith” – замечал Лемми, а наши ярославские витязи из Avenger Kills ничего не говорят, а просто жарят свои огненные сталелитейные сплавы и рады быть теми, кто они есть. Новый альбом, полноценный состав, возвращение на сцену с концертами – кажется, они и правда очень горячи и серьёзны!
Одиннадцать сокрушительных треков, брызги расплавленного железа вместо ритм-секции, сочный риффинг, знойный пивной вокал и слегка меланхоличная металлическая мелодика в вокальных линиях и гитарных соло – вот что ждёт нас на этом диске многострадального музыкального детища Александра Красильникова отмечающего в нынешнем году своё десятилетие. Даже сказать, что звучит это всё чертовски мощно, фирменно и зажигательно будет, пожалуй, слишком мало, а потому мы лучше пойдём по порядку и рассмотрим всё в хронологии.
Есть что-то в техничности и амбициозности “The End Has Come” от позднего Annihilator, а Александр всё больше начинает походить норовом и характером на лидера и руководителя этих канадских трэшеров Джеффа Уотерса. Всё больше трэшевости в риффах, всё больше энергии и напора в атмосфере – Avenger Kills забивают свои музыкальные гвозди со всё большей страстью и харизмой, а результат напоминает сумасшедший каток, выруливший на высокоскоростное шоссе и устроивший там адский слэм на предельных скоростях.
Не все треки, попавшие на альбом, новые, но переработаны и переосмыслены были все они. Некоторые фэны уже успели заметить, что вариант “Metal Child” – самая лучшая и бронебойная модификация этой вещи, а рок-н-ролльный отрыв “Hangover” и лиричная баллада “Time Of Sins” – это две отдельно стоящие вершины альбома, которые значительно отличаются от всего остального, но в то же время на удивление органично вписываются в брызжущий мощью материал команды и по-своему подчёркивают и дополняют его.
А потом… а потом всё смешивается, и получается нечто новое. Именно за это я люблю садоводство и классический хэви с привкусом пауэра. Даже когда Avenger Kills просто переигрывают материал своих прошлых релизов и непонятно, зачем и для чего записывают его для нового альбома, это не кажется унылым повторением пройденного, а звучит свежо, яростно и провокационно как самый новый и доселе не слыханный стафф. У них юбилей, они дико рады вернуться с живыми шоу и… в самом деле, почему бы и не переосмыслить собственную классику?
Ещё одна группа, которую напомнил мне рецензируемый альбом, это Reactor, в составе которого самовыражался в середине 90-х вокалист Angel Dust и Scanner скрывающийся под псевдонимом S.L.Coe, а помимо них по ходу прослушивания альбома мне приходили на ум Judas Priest, Primal Fear, Iron Savior, Iced Earth, Power God и Rawhead Reх. Мощнейший пауэр-хэви-трэш Avenger Kills звучит самобытно и мощно, и хотя на моих любимцев данного направления в лице Liege Lord, Metal Church и Morgana Lefay всё это не слишком похоже, релиз оставил у меня исключительно бодрые и позитивные впечатления.
Даже когда всё плохо, невозможно не любить того, кто делает тебе тосты и играет для тебя огненный хэви-метал старой закалки, а “The End Has Come” – это, наверное, один из лучших вариантов подобного смешения жанров на отечественной сцене. Мне немного странно, что такой мощный и полновесный (в отличие, например, от короткострельного EP “Metal Child”) набор металлической агрессии музыканты не стали издавать на CD, но в конце концов это всё уже детали, а на концертах такие вещи уже давно идут на “ура”, да и дома в комфорте можно всё это послушать теперь, благо, всё записано и сведено очень качественно и убедительно.
Рецензия на мини-альбом Фелиссы Белиол "Грех"
Эпатаж – дело тонкое, и Фелисса подходит к нему очень осторожно и осмотрительно. Впрочем, в грехе неосмотрительности её было и раньше не обвинить, а сейчас, поднабравшись опыта и освоившись в мире шоубизнеса, она дёргает за рычаги настройки и нити кукловода решительнее и прицельнее, чем когда-либо. Не сингл, но и не полноформатник - в её дискографии ещё не было мини-альбомов, вокалистка решила исправить это упущение и попробовать себя в EP-формате, и вот перед нами её новый короткометражный альбом, амбициозно названный “Грех”, а на обложке в её руке то самое яблоко раздора, благодаря которому этот термин вошёл в наш мир.
Заинтриговать названием, привлечь, возбудить интерес – думаю, с этой задачей название справляется на все сто, и эротики на диске будет действительно очень и очень много. Несмотря на то, что обложек в духе ранней Шакиры здесь не предусмотрено и никакой обнажённости на арте тоже не присутствует, чувственности, интимности и сокровенного на альбоме будет более чем достаточно. Я бы даже сказал, что название пластинки намекает как раз на то, что в своих новых песнях Фелисса решила затронуть те темы, которых избегала или не решалась поднимать ранее в своём прежнем творчестве.
Всё начинается с наверняка многим уже знакомой песни “Поезда”, на которую Фелисса ещё до выхода альбома сняла довольно провокационный видеоклип, но при всей своей одиозности эта вещь не является самой яркой на альбоме, и уже сменяющая её титульная вещь значительно поднимает планку эпатажа и провокаций. Тяжёлые риффы, вокальные мелодии в духе Elisabat Muse, гротескная рифмовка-считалочка вместо припева и угрожающие трубы Апокалипсиса на заднем фоне – всё это выглядит довольно причудливо и необычно, но дальше экспериментального, непривычного и неформатного будет ещё больше.
Самая провокационная на альбоме вещь под названием “Только секс” откровенно играет с садо-мазо-эстетикой, но это не единственный её козырь-провокатор. Создаётся впечатление, что в эту вещь исполнительница вложила всю свою страсть, все свои самые потаённые и интимные мысли-рефлексы, а в итоге перед нами трек, который звучит как чистый поток чувственности и игривых провокаций, хотя на самом деле песня совсем не о сексе, а вся эро-символика является метафорой, изображающей Демонессу, олицетворяющей современные СМИ. Отголоски творчества Каиры и её помпезных симфо-аранжировок здесь вступают в свои права на все сто, отсылки к классике и неоклассике тоже выведены на самый высший максимум, а традиционные песенные структуры и все моральные устои успешно спущены в утиль и преданы забвению.
Трек “Слёзы” погружает слушателя в пучину чистых экспериментов, околоклассических симфонизмов, изломанных вокальных линий и неожиданных переходов (как будто Therion и Карл Орф были обезжирены до самого остова и попали за это на Русское Радио), а вслед за ним Фелиссу бросает в другую крайность, и “Война” звучит уже как эпичный паган-метал в духе Арконы с патриотическими темами в лирике, героическими мелодиями и чеканным ритмом. А завершается всё ещё одним современным разнузданно-соблазнительным эпиком, в роли которого исполнительница представила экспериментальную эротику трека “Запрет”.
Самым удивительным на новом альбоме Фелиссы для меня стали её нестандартная композиторская стратегия и общее звучание релиза. Здесь как никогда много экспериментов, симфонизмов, вплотную смыкающихся с авангардом, неожиданных переходов и контрастов, а в итоге остаётся ощущение потустороннего праздника греха – инфернального бала-маскарада, где возможно всё, а подсознательное и бессознательное ничем и никем не ограничены. Что будет, если смешать квазисимфонический секс-метал Каиры, эксперименты HAGAT, авангардный дарквейв Otto Dix с Elisabat Muse и патриархов вижуал-кея вроде Cinema Bizzare? Получится максимально сексуализированная экспериментальность Фелиссы Белиол и её альбом “Грех”!
Если задумка альбома состоит в том, чтобы максимально иллюстративно продемонстрировать с помощью всех доступных звуковых средств праздник плоти, страсти и чувственности, то всё у Фелиссы вполне получилось. Это не симфо-метал, не паган-метал, не готик-рок и не дарквейв, хотя элементы всех этих стилей и их характерные особенности во множестве присутствуют на альбоме. Перед нами феерическое буйство стилизаций и торжество синтетического синкретизма вижуал-кея, который вбирает в себя всё, что только можно вобрать, но на выходе представляет всем интересующимся нечто уже совершенно другое, с другим вкусом и с другой эстетикой.
Рецензия на альбом группы IX Reflections "Fragile Border"
То, что электронная музыка и в частности дарквейв могут быть очень разными, иногда даже пронзительными, проникновенными и чарующими, стало понятно ещё со времён ранних L’ame Immortelle. Хотя на самом деле это было ещё раньше. Впрочем, нет смысла копаться в истории и доискиваться до сути и причин музыкальных феноменов, закапываясь в генеалогию, ведь прямо здесь и сейчас все любители хорошей, качественной и осмысленной электроники могут с удовольствием насладиться прекрасным дебютом отличной московской команды.
Почему отличным? Насколько я понимаю, у по-настоящему хорошего альбома должно быть сердце, должна быть душа, впечатляющая атмосфера и стильная подача, и все эти составляющие превосходно представлены и соблюдены в случае с “Fragile Border”. Участники коллектива пошли даже дальше и лихо заретушировали своё звучание под стильный ретро low-fi, а затем изящно дополнили этот синтетический минимализм сдержанными вокальными виньетками и разного рода нюансами-красивостями, призванными стильно облагородить их звуковые пейзажи.
Скажу сразу, участники состава не являются новичками на альтернативной сцене и много где уже засветились, а потому все перечисленные мной выше достижения IX Reflections не являются каким-то случайным выигрышем в лотерею. Ребята явно всё продумали, детально проработали стратегию, а концепция и визуальная составляющая у них наверняка будет сквозной и вернётся в эфир на последующих релизах команды. А вот тут было бы уместно уделить чуть больше внимания и места как раз этой самой концепции.
Группу не случайно сравнивают с Angelzoom, Fading Colours и Fatal Aim, и дело здесь не только в женском вокале. Психоделичная сказочность их альбома и визионерско-апокалиптические образы клипа запустили свои щупальца глубоко в саунд и настроение этого релиза, сделав его почти живым. Доводилось ли вам проснуться ночью в темноте, сесть на кровати в этой звенящей ночной тишине, заглянуть под кровать и встретиться там взглядом с кем-то странным, удивительным, потусторонним, непонятным, но жутко привлекательным? Если “да”, то “Fragile Border” принесёт вам похожие впечатления!
И закопавшись в лазерные дорожки этого компакта, вы наверняка очень скоро согласитесь с теми, кто считает, что у IX Reflections с их дебютом всё получилось если не блестяще, то почти блестяще. Во всём, начиная от имиджа (Алиса в стране чудес и Коралина Нила Геймана в одном лице вокалистки, скрывающейся за конспиративной кличкой Джо) и заканчивая звучанием (ретро-синт-вейв в традициях очень здоровских и очень старых групп) и вокалом (холодный, отвлечённый, сдержанный, но всё равно очень классный и многослойный женский голос с массой интересных эффектов и подкладок-наложений) альбом практически безукоризнен и невероятно хорош.
Критики и музыканты культовых групп прошлого вроде Биоконструктора уже спели свои хвалебные оды этому проекту и их дебютному полноформатнику, но, как говорят алкоголики, давайте посмотрим на всё трезво. А если трезво и с включённым режимом беспристрастности, то общий ландшафт звуковых прерий IX Reflections и его эмоциональная окраска не так уж и сильно меняются. Даже если вы не любите ретро-минимализм, сказки, никогда не мечтали разбудить поцелуем Спящую Красавицу и вам по барабану саунд-перфекционизм и физические носители (да-да, они выпускали свои синглы даже на кассетах, а “Fragile Border” доступен на CD!), устоять перед отстранённым очарованием прекрасной незнакомки по имени Джо вы вряд ли сможете.
Участники IX Reflections особо не скрывают свои музыкальные сайд-проекты, но и специально их не афишируют, а потому я тоже не буду сейчас их называть, скажу только, что если вам понравился “Fragile Border”, есть смысл потратить немного времени и сил, решить этот небольшой квест и оценить творчество закрывшихся за новыми и непривычными псевдонимами участников команды в их других коллективах. Квестовость – вот ещё одна черта, которая очень характерно отличает “Fragile Border”, и я совершенно не сомневаюсь в том, что побродить по этим исполненным очей полям пожелают очень многие, а большинство однажды посетивших территории Девяти Отражений, будут возвращаться туда снова и снова.
Рецензия на альбом группы Havukruunu "Uinuos Syömein Sota"
В 2017 г. финны Havukruunu явили миру свой второй студийный полноформат ''Kelle Surut Soi'', побудив всех неравнодушных заговорить о новом значимом имени в андерграундных кругах. Эта формация представляет собой не только воплощение наследия как сугубо скандинавской, так и в частности финской блэк-метал сцены, о чем вещал их впечатляющий дебютник, но также считает для себя делом чести разнообразить собственное творчество классикой тяжелого металла и фолка. Эти парни отчетливо дали понять, что не намерены топтаться на месте и нацелены выдавать материал исключительно качественный и основательный по всем категориям.
Убедиться в этом проще простого, достаточно лишь внимательно ознакомиться с их пока еще достаточно скудной, но от того не менее добротной дискографией. Как и релиз 2017 г., что достаточно разительно отличался от дебютного "Havulinnaan", так и их третья по счету студийная работа ''Uinuos Syomein Sota'', название которой можно примерно перевести как ''Томись, война внутри моего сердца'', делает значительный марш-бросок к новым свершениям.
В этот раз финны скрыли зловещий погребальный саван тру-блэка под крепкими доспехами и бесстрашно ринулись в гущу сражений. Мифологичность и эпичность, вдохновленные сюжетами ''Калевалы'', обрели новый размах; воинственность и упоенность боем определили основную фабулу альбома. Жанровые корни ''Uinuos Syomein Sota'' по-прежнему глубоко уходят в блэковую почву, но в большей степени новая пластинка переживает влияние эпик- и викинг-металла, наделенного суровым северным характером. Саунд стал как будто чище и объемнее, но сохранил прежнюю железную и гулкую основу, а традиционное монохромное оформление a-la Теодор Киттельсен от Heidi K с первого взгляда настраивает слушателя на правильное восприятие материала.
Альбом сохраняет единый напористый темп практически от начала до конца, не считая отдельных лирико-атмосферных отступлений и интерлюдий, но обвинить его в однообразии не получится. Стремительные тремоло-риффы обрели смертоносность разящего клинка и на одном дыхании вырисовывают ритмичные запоминающиеся узоры, но теперь все чаще чередуются бравурными маршеобразными эпизодами, где шквалистые бластбиты уступают место простому чеканному груву. Ведущий скриминг заметно ожесточился, превратившись в этакий звериный рев, что в сочетании с финноязычной лирикой звучит весьма угрожающе. Разудалые мужские хоры, как а-капелла, так и в сочетании с инструментами, получили более значимую роль и вполне органично вписались в батальную концепцию пластинки.
Здесь как никогда ранее отчетливо проявили себя жилистые NWOBHM гармонии, представленные в виде забористых вступительных риффов, сдвоенных гитарных прогонов и соло, в своей экспрессии доходящих аж до хард-роковых основ. Особый "архаизм" и сказительный настрой в звучание принесли уже традиционные для Havukruunu фолковые партии акустики и минималистичные вкрапления клавишных, под финал же финны и вовсе погрузили своего слушателя в угрюмые дебри первозданного дарк-эмбиента. По сути из всех этих элементов и был когда-то создан скандинавский экстремальный метал, в равной мере патетический и боевой, но одновременно мрачный и фаталистичный. Музыканты не только грамотно скомпоновали все вышеперечисленные элементы, но и сделали свое творение по-настоящему одухотворенным по примеру легендарных нетленок первопроходцев жанра.
В лучших традициях олдскула хронометраж ''Uinuos Syomein Sota'' составляет чуть более сорока минут, и этого вполне достаточно, чтобы вдоволь насладиться этой работой пару-тройку раз за один присест. С первого раза альбом восхищает своей необузданностью берсеркера и щедро хлещущей энергетикой. Со второго захода уже начинаешь оценивать непосредственно композиционные тонкости, аранжировки, технику музыкантов. Ну а с третьего раза приходишь к выводу, что это действительно наиболее пропорциональная, насыщенная и зрелая работа Havukruunu на сегодняшнем этапе.
Мрачное, агрессивное, эпическое и в нужной мере мелодичное творение, заставляющее вспомнить будоражащие саги грандов языческого метала, начиная c Bathory (как на раннем, так и на позднем этапе) и заканчивая Windir, Mithotyn, Thyrfing, Manegarm, Ereb Altor и др. Сохраняя приверженность своим корням, эти финны, как творцы и настоящие художники, каждый раз бросают вызов себе самим, вознося свое творчество на все более высокий уровень. И, к чести их, каждый раз выходят безоговорочными победителями.
Рецензия на сингл группы DarkSense "The Bat"
Модерновые симфо-экспериментаторы из DarkSense любят подолгу обходить студии стороной, но затем возвращаются из небытия с новым материалом, и он всегда оказывается ярким и увлекательным. Они не любят повторяться, а в каждой новой сингловой главе у них всегда присутствует что-то новое, интригующее и свежее. Не стала исключением и их новейшая работа “The Bat”. Детальная прорисовка, мрачные тона и таинственные восточные слоны времён “Fearless” канули в прошлое, и теперь настало время графического минимализма, карандашных скетчей и прозрачных (в прямом смысле) намёков. Хм, намёков? Петь про летучих мышей в разгар пандемии коронавируса это не совсем намёк, конечно, но не спешите судить столь поверхностно!
Сингл с подназванием “Ода нашей депрессии” действительно стал очень многогранной и глубоко концептуальной работой, имеющей самые прямые связи с нашей эмпирической действительностью и с нашими экзистенциальными переживаниями. Я бы даже сказал, что здесь художественный вымысел, литературность и драматургия настолько реалистичны, что их практически невозможно отличить от прозы жизни, а в лирическом герое практически каждый узнает себя, поскольку те чувства и бездны трагедии, которые переживает персонаж из “The Bat”, в той или иной степени касались каждого, а на фоне разбушевавшегося ковида данная ситуация получила не просто масштабное, но поистине катастрофическое распространение.
Музыканты обращаются к теме утраты, к проблеме из серии “мы никогда друг друга не забудем, но никогда друг друга не вернём”, и эту болезненную и сводящую с ума тему они прорабатывают с удивительной глубиной и в то же время с неординарной и всесторонней метафоричностью. Летучая Мышь - аллегория депрессии, и она, подобно дементорам из книг Роулинг, олицетворяет сущность, незаметно высасывающую из нас всё светлое. Мышь пробуждается при появлении новой души в своём пристанище и предлагает близким умершего простой выбор: бороться, сохранить свои чувства и горевать, либо поддаться её уговорам, и, лишившись способности чувствовать, превратиться в “шкурку” - отдать Мыши всего себя, а взамен избавиться от страхов и горя.
Лирический герой что есть сил сопротивляется и старается сохранить верность памяти об ушедшем по млечному пути в мир снов и воспоминаний человеке, но голос, зовущий сделать выбор в пользу второго пути, становится всё громче и настойчивее, и к концу трека Мышь всё-таки побеждает. Можно рассудочно оправдывать такой исход и такой выбор героя, можно осуждать его и обвинять в слабости и приземлённости, но факт остаётся фактом: никто не может постоянно пребывать в оковах отчаяния и мрака, это просто невозможно. Жизнь продолжается, и светлая память о светлых людях, её покинувших, не должна омрачать живущим их радости, искания и жизненные коллизии.
В плане же инструментала перед нами классический DarkSense с их фирменными контрастами и жгучей театрализованной драматургией. Сочный мужской гроул дополняется нежным ангельским женским пением, тяжёлые риффы обрамляются атмосферными и камерными кусками, а по звучанию и манере габаритные очертания “The Bat” напомнили мне “большое чудо из маленького Лихтенштейна”, как называли некогда критики группу Elis, но со своими характерными симфоническими вставками. Более конкретно и однозначно, более ритмично и жёстко, более рвано и яростно в куплетах и более мелодично и мечтательно в припевах – именно в таком духе следует новейший сингл DarkSense, и это звучит здорово. Прямолинейно, но не однообразно.
Мне понравилось, как интересно, художественно и метафорично DarkSense на своём новейшем сингле обыграли заинтересовавшую их тему, понравилось, что тема не взята с потолка, а логически вытекает из предшествовавшего актуальному треку “Fearless”, и всё это в совокупности складывается в интересную и нетривиальную мозаику. А кроме всего прочего, всё это очень даже неплохо звучит, воодушевляет и заводит. Глубокие размышления о смерти, разные подходы, неудобные вопросы и нестандартная их постановка – последние два сингла этой команды позволяют ждать от них в обозримом будущем интереснейший концептуальный диск в стиле философских изысканий на тему хроник Харона. Посмотрим, насколько верна моя интуиция!
Рецензия на альбом проекта Anna D'Ark "Стоя над крышами"
Я до сих пор не знаю, что такое рейв-рок, но знаю, что у них там, за бугром The Pretty Reckless, Тэйлор Свифт, Lafee и всякое такое, а у нас теперь – Анна Д’Арк. В отличие от большинства продюсерских проектов, Анна всегда сама сочиняла свои песни и вообще принимала самое активное участие в работе над своими релизами, концертами, клипами и визуальным имиджем, однако продюсерский лоск и обращение за дельными советами к профессионалам никто не отменял, и в итоге мы имеем сейчас очень качественный, фирменный и в то же время искренний и экзистенциальный современный рок с женским вокалом. Стильные фотосессии, мощные концерты, яркие синглы, а теперь ещё и совершенно новый полноформатник – Анна явно goes big.
Кстати, можете представить себе, что будет, если взять текст любимой песни, перевести его, скажем, на французский, потом перевести на древнегреческий, а потом то, что получилось снова перевести на русский? Вот примерно так звучит сейчас новый альбом Анны Д’Арк. Задиристый подростковый рок с тяжёлым гитарным фузом (привет Tractor Bowling, Lafee, The Pretty Reckless и Lacuna Coil), характерной тинейджеровской инфантильностью (параллели к ТаТу, Вилли Винки и Alizee замечены и оценены) и с социально-хитовыми текстами про то, что волнует современное подрастающее поколение в возрасте с 12 до 45, напоминает целую массу отечественных групп, но звучит как-то очень по-западному и вообще свежо и по-новому.
Эмоциональные придыхания Анны, жёсткий риффинг гитар и легкомысленно-радиоформатные синтезаторы делают своё дело. Не знаю, насколько оправданно в данном случае такое бескомпромиссное крошево дисторшна, этот торопливый галопирующий темп, сбивающаяся тахикардия ударных (будь я продюсером всего этого дела, я бы точно такое не допустил и не одобрил), но есть в этом что-то особенное и притягательное. То есть я имею в виду, что даже такой явный и достаточно прямолинейный металлический драйв не портит и не искажает изначальную задумку авторов, а наоборот подаёт её в очень привлекательном, интересном и интригующем свете, даже не имея практически никаких отсылок к ню-металлу и металкору.
Современные стандарты продакшна и реализации, блеск софитов и прямолинейные провокации пополам с действительно цепляющими мелодиями, хорошими ритмами, потрясающей натуралистичностью и по-настоящему проникновенными текстами – вот то, что вас ждёт на альбоме “Стоя над крышами”. Голос у Анны действительно простоват, но даже эта излишняя схематичность вокальных партий кажется в данном случае уместной и оправданной, словно дополняя её художественный образ и делая его более реалистичным и натуральным (а как ещё должен звучать голос вчерашнего тинейджера, который сражается один на один с жестоким миром?!)
Я могу сколько угодно говорить о недостатках этого диска, вскрывать параллели и даже явные заимствования, осуждать безотчётное желание авторов понравиться слушателям и буквально заставить их купить этот диск, придти на концерт, тыкнуть на “play” напротив случайно встреченной ВКонтакте рандомной песни Anna D’Ark, но в конце концов почему бы и нет? Иван Шаповалов тоже не был святым, а разного рода заморочек и переклинов у него было больше, чем у кого-либо из смертных, но ведь то, что он делал для ТаТу работало и делало нас счастливее! Работает оно сейчас и у Anna D’Ark. И я с огромным удовольствием прослушал “Стоя над крышами” четыре раза подряд, а на следующий день вернулся к альбому снова.
Можно сколько угодно критиковать этот релиз, но это не пустышка и не жвачка шоу-бизнеса. Я слушал его, отмечал про себя простоту и безыскусность отдельных фрагментов, желание идти словно танк напролом в других местах, а сам вспоминал дневники Джейн Биркин, “Белую свадьбу” с Ванессой Паради и целый ряд подобных культурно-психологических и даже философских феноменов. Различия мужчин и женщин, подростков (даже если им уже под 45) и взрослых, здоровых индивидов и невротических личностей – всё это можно без труда найти на этом альбоме, и это ярко, интересно, жизненно, увлекательно и в то же время абсолютно понятно как “я не хочу засыпать, чтобы увидеть тебя во сне”.
“Стоя над крышами” хорош и выразителен, более того, он характерен и при всех своих заимствованиях и параллелях кажется очень авторским, индивидуальным и свойственным времени. И совершенно не имеет значения, как это всё называется – рейв-рок, альтернатива, инди, просто рок, гитарная поп-музыка или как-то ещё – песни на пластинке хорошие, правдивые и запоминающиеся. Выстраданные. Даже если эта выстраданность стилизованная и надуманная (нет разницы, какая она, это не важно и не принципиально, ведь слова и образы достигают своей цели и заставляют слушателя следить за их развитием и сопереживать им). Хорошая работа, всё качественно и заслуживает самого пристального к себе внимания.
