РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на альбом группы Prime Alone "The Essence Lies In The Depth"
Этот таинственный инструментальный питерский one-man-проект очень любит длинные и говорящие названия. Может быть, таким образом руководитель и единственный участник Prime Alone Пётр Гидулянов компенсирует отсутствие вокальных дорожек в своих треках, а может просто старается настроить потенциального слушателя на нужную волну? Думаю, и первое, и второе имеет место в данном случае в совершенно равной степени, и никакого противоречия между двумя этими вариантами совершенно не наблюдается. Названия треков коллектива буквально сочатся поэтичностью, и это можно уже считать характерной чертой творчества PA.
“Суть кроется в глубине” называется актуальный лонгплей Prime Alone и после “Великого искусства саморазрушения” и самоназванного дебютника это выглядит как вполне логичное продолжение и закономерная эволюция. Или как поэтапно разворачивающийся и последовательно реализуемый план по собственному усовершенствованию. В любом случае, перед нами сейчас нечто достаточно прогрессивное и совершенное, нечто философское и настроенное на предельные смыслы человеческой экзистенции, а значит, Prime Alone продолжают действовать в своём обычном репертуаре и сворачивать никуда не намерены.
А ведь и правда – музыка проекта всё так же всецело инструментальна, глубокомысленна и философски настроена, всё так же атмосферна и геометрически выверена и сейчас даже, пожалуй, в большей степени, чем когда-либо. Степень уверенности в себе, техничности и геометрического совершенства сейчас находится на максимальном из возможных уровней и сразу же бросается в глаза, но что гораздо интереснее и примечательнее в данном случае, так это то что инструментальная слаженность и прозрачные аллюзии к мат-металлу нисколько не вредят одухотворённости “The Essence Lies In The Depth” и общей мечтательности релиза.
Слегка грузноватая, как будто несколько неповоротливая и чрезмерно выпирающая ритм-секция кажется порой искусственно прикрученной к прозрачным, словно призрачным гитарным переборам и задумчивым водопадам рефлексирующих мелодий, но именно в этом и состоит особый стиль проекта. Можно сколько угодно упирать на то, что формально музыкальный стиль Prime Alone обретается на берегах пост-рока и пост-металла, такие вещи как “My Own Blackthorn” или “Darkness” по своему посылу и настроению это настоящий дум с явными отголосками дэтовых трагедий и траурных гроз ранних My Dying Bride.
Ревущие гитары “Encircled By Wolves” напомнили мне холодную классику Katatonia, а финальная “Starry Nights In Kaalamo” вызвала в памяти что-то из неоклассики Ophelia’s Dream. Не знаю, насколько это так на самом деле и задумывал ли автор что-то подобное, когда сочинял и записывал вошедшие на диск треки, но альбом напоминает долгое и концептуальное путешествие к глубинам собственного “Я”, к обретению смысла жизни и к раскрытию своего изначального предназначения. Альбом преисполнен невероятным чувством покоя и печального очарования, и именно эти секторы эмоционального спектра так любили первые дэтовые думстеры.
Заdoomчивых тенденций у Prime Alone сейчас действительно много как никогда, а некоторые фрагменты с “The Essence Lies In The Depth” могли бы превосходно вписаться в треки классических работ Paradise Lost, Anathema, Tristitia или Sadness. Пётр Гидулянов записал невероятно целостный, настроенческий и атмосферный диск, который слушается на одном дыхании от начала и до самой последней ноты. С чем сравнить такое? Мне на ум в этой связи приходит органичная солянка из анафемовского “Alternative 4” и поздних Katatonia с The Gathering, хотя палитра влияний и инспираций актуального полноформата даже ещё шире.
“Все настоящие сокровища должны лежать нетронутыми на далёком берегу, в этом их суть и судьба. Твой истинный берег сокровищ полностью недоступен для других” – говорил герой книг Владимира Серкина, и “The Essence Lies In The Depth” словно решил проиллюстрировать своими музыкальными фантазиями такое уединённое существование в удивительном и волшебном мире невероятных открытий и несказанных чудес. Этот альбом напоминает сеанс релаксотерапии или гипнотическое путешествие в глубины подсознания, где за каскадами впечатлений и воспоминаний обретаются поражающие воображение находки и неожиданные сюрпризы.
Третья полноформатная работа Prime Alone стала самой вдумчивой, серьёзной и впечатляющей из всей дискографии питерского проекта, а её цельность и атмосферность без проблем позволили бы “The Essence Lies In The Depth” стать саундтреком к какому-нибудь серьёзному и хорошему фильму или даже к целой жизни некоего йога и отшельника, ушедшего от цивилизации и компромиссов в мир изначальной природной гармонии и первозданной радости. Тишина, спокойствие, жизнь в единении с природой и в ладу с собой, истинные ценности, далёкие от идеалов потребления и накопительства – вот о чём напоминает этот альбом, и это прекрасно.
Рецензия на мини-альбом группы What For? "Ганнибал у ворот"
Как известно, философом становишься, когда разум охватывают удивление или сомнение, но для того, чтобы стать философом настоящим, а не липовым (сейчас, кажется, принято вместо слова “липовый” говорить “фейковый”?), нужно обладать достаточным мужеством, чтобы не побояться выглядеть глупым, нелепым, не знающим чего-то и вообще попадать впросак раз за разом, ничего с этого не имея, и лажать – громко и страшно лажать. Кто в наше прагматичное время решится на такое? А ведь питерская группа What For? занимается в точности этим самым вот уже почти десять лет, и смелости с безрассудством им явно не занимать!
Сначала они бродяжничали и странствовали в лучших традициях Экхарта Толле и древних анахоретов, старательно обходя официальные релизы и качественную альбомную запись стороной, в 2015 году так и вовсе распались, но в конце концов всё-таки нашли в себе силы собраться с мыслями и вернулись со своим первым и единственным за девять лет мини-альбомом “Ганнибал у ворот”. И здесь можно было бы вспомнить героя “Молчания ягнят” или гениального предка Александра Сергеевича Пушкина, но обложка EP конкретна и не особо оставляет нам простор для фантазии, отсылая к урокам истории.
Ганниба́л Ба́рка (247—183 до н. э.) — карфагенский военачальник. Считается одним из величайших полководцев и государственных деятелей древности. Был заклятым врагом Римской республики и последним значимым лидером Карфагена перед его падением в серии Пунических войн – читаем мы на пыльных страницах такой же пыльной энциклопедии, и упоминание этого воинственного персонажа из древности вновь как будто само собой наводит на мысли и воспоминания о философах, мыслителях, парадоксах, апориях, антиномиях, а также бочках, лампах, остротах и прочих подвигах Диогена.
“Хороши у немцев выходят башмаки, а у русских зато хороши народные пословицы и поговорки” – заметил как-то ещё один замечательный философ В. В. Розанов, а музыканты What For? в лучших традициях скитающихся мыслителей-правдорубцев точно так же симпатизируют афоризмам, крылатым выражениям и пословицам (как они ещё название альбома не написали на латинском – на латыни, как известно, что ни сочетание слов, то крылатый афоризм), и предлагают каждому слушателю самостоятельно разобраться с тем, какой смысл был заложен ими на диск и расставить в нужном порядке используемые ими цитаты (про Г.Барка забудьте – он ни при чём).
What For? не боятся признаваться в том, что у них нет никакого ясного понимания по поводу того, кто они такие, зачем занимаются музыкой, что играют и чего хотят, но они ищут, заставляют серое вещество у себя в подкорке активно фосфоресцировать и вообще всерьёз озабочены поисками смысла и осмысленности. И да, эта группа с гордостью и с удовольствием продолжает те славные традиции отечественного русскоязычного рока, которые состояли в том, чтобы петь о важном и значимом, развиваться, вскрывать наличествующие в мироздании закономерности и вообще не быть идиотом.
Их соло и риффы просты как дважды два, а в вокальных вибрациях достаточно претенциозных, пророческих и мессианских интонаций, благодаря которым классический русский рок так котировали и уважали в своё время на западе, и всё это со своеобразной хитовостью последнего издыхания, которую столь беззастенчиво использовали все от Моррисона и Кобейна до Кинчева, заставляя нас внимать себе с открытым ртом. Они похожи на всех или почти на всех и в то же время не похожи ни на кого, и в этом тоже их особая изюминка и их сила, а элементарная запоминаемость их мелодий кажется идеальным плацдармом для высоких идей и размышлений.
Они играют классический русский рок, но делают это так резко, громко и на таких перегруженных дисторшном гитарах, что по драйву и энергетике финальный результат вплотную приближается к гитарной агрессии гордых металлических патриархов. Как будто Башлачёва позвали вокалистом в 99%, а в это время мимо проезжали на репетицию Тяжёлый День, где-то потерявшие Бажина, или у Чёрного Обелиска времён “Ещё Одного Дня” на вокале Александр Непомнящий или кто-то вроде него. И это похоже на самые жёсткие и самые претенциозные группы 70-х с их вызовом и шармом. Как Iron Butterfly, Led Zeppelin и Blue Cheer, но про то, что волновало Достоевского.
Как известно, все люди делятся на читающих и не читающих, и What For?, будучи представителями первой группы человеческих индивидуумов, решили обратиться к своим собратьям по разуму, предпочитающим шелест книжных страниц всем иным и прочим радостям жизни. И ведь их думающий рок наверняка придётся по душе тем, кто в 90-е рефлексировал бы под Г.О., Янку или А.Непомнящего, а в наше время котирует Урсус или Agenda. Да, кстати, с Урсус наши герои из What For? даже выступали на одной сцене и запомнили друг друга, и что это как не родственность душ и не начало нового тренда осмысленного и литературного рока, который спасёт и реанимирует некогда славные традиции?
Сам по себе интеллектуальный и записанный с ориентацией на метафизические горизонты рок не такая уж и невидаль, но What For? при всей своей осмысленности и интеллектуальности ещё и однозначно оптимистичны. Никого давно не удивить пиром во время чумы, но светлый и последовательный исторический оптимизм (пусть и скрытый под залежами не самых оптимистичных и светлых образов) – это штука из совсем другой оперы, и вот такого в наше время уже почти не найдёшь. Метафоры, загадки, кроссворды-шарады, универсальное и элементарное – пожалуй, эти ребята действительно редкие птицы, а их “Ганнибал у ворот” – это что-то новенькое, подтверждающее извечный тезис о том, что всё новое – это… ну, вы знаете.
Рецензия на альбом группы Археоптерикс "Предвоенный воздух"
В последнее время всё больше современных отечественных групп выбирают себе в качестве музыкального кредо арт-рок, и всё это начинает походить на новый тренд. Все мы знаем, что всё новое – это хорошо забытое старое, однако далеко не в каждом из современных российских артрокеров можно сходу распознать наследников и продолжателей дела Genesis, Yes, King Crimson, Jethro Tull или Rush. Посудите сами: что общего у Felidae, Мыс Луны, StaVroS или хоть сегодняшних наших героев из Археоптерикс хоть с одной из этих без сомнения культовых и заслуженных групп и можно ли вывести их музыкальный материал из того, что играли и играют эти забугорные первопроходцы умного и неслучайного рока.
Общего действительно мало или почти нет, но вот в артовости и художественности, которые тоже, вроде как, предполагает уже своим названием арт-рок, у всех наших современных приверженцев данного направления более чем достаточно. Барды-интеллектуалы из группы Археоптерикс представляют сейчас уже свой пятый по счёту полноформатник, и “Предвоенный воздух” по сути своей это всё та же расслабленная рефлексия под атмосферный перезвон гитар и красивые мелодии дополнительных и не совсем свойственных для рока инструментов (харп, варган, духовые и т.д.), с которого они когда-то начинали. Кстати, существуют “археоптериксы” вот уже почти тридцать лет, и их опыт и профессионализм в своём деле не подлежат никаким сомнениям.
Есть что-то очень фолковое и очень родственное классическому русскому року в традициях Б.Г., Науменко, Ревякина, Каннуникова и чуть ли не Башлачёва в том, как подходят к своему творчеству эти умудрённые годами музыканты, а я мог бы добавить к этому списку рок-патриархов ещё современных деятелей вроде Граф Цеппелинъ, Тропы не врут, Тем Паче и Радиограммы, но на самом деле оттенков и параллелей в данном случае ещё больше. Достаточно традиционный для отечественных групп звук со всеми нюансами звучания русских рокеров, такие же ожидаемо многословные тексты, которых априори ждёшь от каждой новой группы, выросшей на почве ортодоксального русского рока, в исполнении Археоптерикса неожиданно уходят так глубоко в традиции Достоевского, что становится диковинно и восхитительно.
К раздольным и напевным традициям отечественного интеллектуального рока Археоптерикс добавляют техничные ударные и вокал с оттенками Александра Васильева, а на выходе нас ждут сложные структуры композиций, извилистые и причудливо развивающиеся гармонии, а обнажённая интеллигентность истинных арт-рокеров и аристократов духа легко совмещается у них с самоиронией в духе разухабистого кабацкого шансона и Гарика Сукачёва (“Кабак и сраное ретро”) – ну а что, какой может быть Достоевский без истерики, крайностей, по-митьковски разорванных на груди тельняшек и прочих чисто русских и чисто рокерских эксцессов? Так “Преступление и наказание” переходит в “Село Степанчиково и его обитателей”, но всё это про больших и прекрасных душой людей и про самые чистые и бессмертные порывы духа.
Музыка “Предвоенного воздуха” по большей части меланхолична, грустна и серьёзна, а фолка временами здесь так много (“Красный цвет”), что поневоле начинаешь подозревать авторов в какой-то скрытой и подпольной фольклорности и приверженности к некоей тайной секте почвенников-толстовцев. Даже самые отвязные, хулиганские и очевидно безбашенные их вещи вроде “Каин TV” или всё той же “Кабак и сраное ретро” не кажутся весёлыми, а в сарказме и показной весёлости авторов слишком отчётливо прорисовываются апокалиптические нотки Agenda и КВН-скоморошество Несчастного Случая, которое кажется смешным только на первый взгляд, а при более внимательном и детальном рассмотрении словно скальпелем режет нарывы.
Влияния великих русских классиков вроде Вертинского и Окуджавы начинаешь ощущать на диске уже с четвёртого трека под названием “Модерн”, и именно эта вещь, пожалуй, является самой важной, яркой и центральной для развития релиза. Одной из наиболее важных и центральных. Параллели к Кашину и группам вроде завтраккусто здесь напрашиваются сами собой, а изысканная джазовая оторочка инструментала эффектно оттеняет не менее изысканный текст, напоминая бессмертную “Back To Black” Эми Уайнхаус. Сами музыканты говорят, что их новейший лонгплей посвящён духу времени, но я бы сказал, что он скорее про дыхание вечности – про то, что было, есть и будет, про цикличность мироздания, хотя и про современность, конечно, тоже.
И всё-таки вершина и апофеоз альбома это, на мой взгляд, завершающая пластинку, девятая по счёту “Огонь в ночи”. Это самая цельная, серьёзная и глубокая вещь на диске, в голосе Павла Полянина здесь больше всего оттенков и метафизических отсылок, а текст хорош как никогда. В этом треке снимаются все противоречия, сходятся крайности и противоположности, и все разноликие тенденции “Предвоенного воздуха” усмиряются под единым знаменателем всепримиряющего последнего прощения и понимания. Можно, конечно, было бы посетовать на то, что весь альбом в таком стиле был бы интереснее и благозвучнее, но Археоптерикс не был бы Археоптериксом, если бы не бросался из крайности в крайность и не был так непредсказуем.
А ведь интересен и уникален “Предвоенный воздух” как раз тем, что совмещает привычное и непривычное и позволяет взглянуть на ставший уже притчей во языцех классический русский рок под новым углом и увидеть его в новом и несвойственном для него свете. Музыка крайностей, апокалиптический рок, достоевский-буги, песни отвергнутых и изгнанных пророков – все эти определения можно с полным правом применить к рецензируемому сейчас альбому и к тому, что делают Археоптерикс в целом. Это совсем не тот арт-рок, который ожидаешь услышать, доставая с полки пластинку Jethro Tull, но эта музыка не менее замечательна, прекрасна и даже великолепна от слова “великий”. Музыка душевная, но в то же время музыка интеллектуальная и умная.
Рецензия на мини-альбом группы N-616 "Winter World III"
Когда это демо вышло в 2004 году, оно спровоцировало целый шквал восторженных отзывов и чуть ли не признаний в любви. Даже самые заядлые критики и снобы тогда на время решили придержать свой яд и тоже удостоили “Зимний Мир III” сдержанной похвалы, и это был действительно очень впечатляющий уровень и достижение для отечественной независимой сцены. Конечно, электронщики из N-616 всего лишь продолжали делать своё дело, играть ту музыку, которая входит в резонанс с пульсом их душ и попутно немного экспериментировали, но по факту, семитрековый демо-EP “Winter World III” для отечественной сцены того периода стал почти откровением и многих смог поставить на уши, а потому стоит ли сейчас удивляться тому, что спустя столько лет инопланетный дуэт решил напомнить миру о своей незабвенной классике.
Сами музыканты характеризуют свежевыпущенный релиз не как полноценный ремикс, а как “попытку освежить звук”, ремастер, но суть происходящего это сильно не меняет. Перед нами прекрасный образец внимательного и бережного отношения к собственному творческому наследию, и сам факт переиздания “Winter World III” говорит весьма о многом. Конечно, по сравнению со звучанием оригинального издания 2004 года звук заметно посвежел, но не по причине какой-то особой обработки, а скорее в силу того, что попытка такой саунд-коррекции в принципе имела место, и некоторые элементы были отшлифованы, что оказало своё влияние и на общий вид всего целого. Авторы привлекли внимание к своему историческому материалу, заставили всех чуть пристальнее всмотреться в него, создали так сказать, прецедент, и за это им честь, хвала и слава.
“Winter World III” действительно заслуживает внимания и внимательного, не беглого прослушивания, и причина тому нетривиальные музыкальные идеи участников дуэта и их полная вовлечённость в своё дело. Молодость, ни с чем не сравнимый задор юности, таинственная одухотворённость мелодий и звуков, из-за которой постоянно как будто проглядывает что-то большое, великое и метафизическое, потрясающая экспериментальность людей, которым ещё нечего терять, а весь мир кажется одним бесконечным полем для новаторства – в общем, всё то, за что вы некогда полюбили все свои любимые и горячо обожаемые музыкальные группы, присутствует в случае с попавшим к нам сегодня миником в полном объёме и бросается в глаза и в уши в первые же секунды и минуты звучания.
И, кстати, металла на данном EP намного больше, чем на недавних релизах N-616, где они официально заявили о своём вхождении в мир стальных каркасов и железобетонных основ. На “Winter World III” не так много гитар и дисторшна, но построение и подача таких треков, как “A Day Without Light”, “Winter World” или “Alone In The Dark” однозначно металлические: грузные, интеллигентные, детально проработанные и по-настоящему тяжёлые. Отголоски классики My Dying Bride, Tiamat, Paradise Lost, Phlebotomized, Tristitia и других подобных олдовых дум-коллективов здесь совершенно очевидны, а в финальной вещи под названием “Ashes III” слышится даже явный и неприкрытый уже raw black с характерным звуком и такими же характерными, хоть и далеко не прямолинейными и не очевидными риффами.
Переходы от эмбиента к ebm, и от индустриального рока и флуоресцентного космического idm почти к фьюнерал-думу кажутся на этом диске вполне логичными и обоснованными, необходимо вытекающими друг из друга, а в следующее мгновение уже воспринимаются как полная неожиданность. Альбом как будто соткан из антиномий и противоречий, и в его ревущих, качающе-фантасмагорических инструментальных пульсациях порой видится больше смысла и слов, чем в иных философских трактатах и многословных диссертациях. Диск отличается суровостью и жёсткостью, но эта стилизованная суровость хоть и не вызывает сомнений в своей подлинности, но в то же время не кажется настолько прямолинейной как у Waltari на “Death Metal Symphony” или, скажем, у Alien Vampires или Wumpscut.
Ну а я всегда говорил, что эти ребята чертовски смахивают на гениев, и переиздание “Winter World III” меня в очередной раз в этом убедило. Музыка здесь по качеству и по композиторской элегантности не только не уступает флагманам западной электронной сцены, но в каких-то частностях и отдельных моментах даже превосходит их, а концепция поистине шикарна и великолепна. Помните тот анекдот, где некий пацифист постоянно носил с собой огромный пацифик, а на вопрос, почему знак мира и любви у него таких внушительных размеров, невозмутимо отвечал: чтобы всех пацифиздеть? Так вот, в своём “Зимнем Мире III” N-616 создали гениальное по своей художественной выразительности музыкальное обоснование радикального пацифизма и категорическое доказательство необходимости прекратить все войны в мире и никогда их больше не начинать.
Я не помню столь же убедительной и радикальной аргументации в пользу необходимости идеалов world peace, уважения к личному пространству и правам человека, как то, что представили N-616 у себя на “Winter World III”, и всё это ещё одна причина сказать пару добрых слов в адрес данного релиза и лишний раз его послушать. Может быть, это не самая моя любимая из всех возможных модификаций и творческих личин N-616, но одна из них – точно. Архаичность и хтоническая подземность некоторых фрагментов не кажутся проблемой или недостатком, выступая в роли веяний духа времени и особой романтичности создателей альбома, и да, я не оговорился, упомянув здесь про романтичность - такой угрожающий скрежет и космические провалы космических медитаций это тоже романтика, а мне по ходу прослушивания EP даже вспомнились любимцы из Collide и невероятный диск Fading Colours “I’m Scared Of…”. Шик.
Рецензия на альбом проекта Rocket Rider "Rocket Rider"
На мой взгляд, в этот раз художник обложки Владимир Рычков (Teodolit) просто превзошёл сам себя и нарисовал совершенно гениальную обложку для новейшего альбома Rocket Rider. Почему гениальную? Да хотя бы потому, что она идеально подходит к музыке и на все сто соответствует необходимой тематике. Именно с такими обложками мы покупали в 90-х книжки Стругацких, Лема, Шекли, Брэдбери, Гаррисона и Желязны, именно такого оформления ждёшь от деятелей, которые обещают повести тебя по тропинкам научной фантастики, и именно по этим самым тропинкам и бродит заглянувший к нам сегодня на огонёк со своим вторым полноформатником one-man-коллектив Rocket Rider.
Музыкант сразу же предупреждает, что он ещё не закончил разбираться со своими обширными архивами и массированными залежами древних демо, а потому перед нами сейчас не новый материал проекта, а всего лишь чуть более современные, но всё равно исторические треки, щедро покрытые пеплом странствий и космической пыльцой. Вы уже потянулись к книжной полке, чтобы достать потёртый томик Бредбери или Фрица Лейбера? Отлично, ведь как раз в качестве саундтрека для такого чтения идеальным образом подойдёт “Rocket Rider”, который наверняка усилит вашу ностальгию и дополнит её самым лучшим и адекватным образом!
Что может быть уместнее и лучше, чем инструментальная гитарная музыка, навеянная классикой литературной фантастики, когда ты читаешь эту самую фантастику, и что подойдёт к такому альбому лучше, чем арт в стиле хороших и знаковых изданий патриархов данного жанра? Уверенным знаком качества и настоящего профессионализма пронизано буквально всё, что связано с габаритными очертаниями данного релиза, а подход исполнителя к своему музыкальному материалу отличается точно такой же основательностью и серьёзностью. Не корысти ради, а исключительно для удовольствия играет автор, и это очень чувствуется.
Много “космических” синтезаторов, много неспешных гитарных фантазий, хороший звук, богатые, хоть и достаточно линейные аранжировки – перед нами действительно музыка в стиле мягкого и мелодичного хэви-металла, но пространных электронных размышлений и звёздных россыпей солирующих клавишных здесь не меньше, чем ревущих гитар и заливистых соло. Струны и кейборды присутствуют в музыкальной палитре Наездника Ракеты практически на равных правах и в равном соотношении, из-за чего на альбоме вырисовывается достаточно интересная саунд-картина с оттенками Meat Loaf, Van Halen, Star One, M.A.R.S. и отчасти даже Dream Theater.
И я не случайно использовал абзацем выше слово “размышления” – данный материал как будто создан для размышлений и приятного ревизионирующего самоанализа, и даже самые динамичные и бронебойные вещи с “Rocket Rider” наподобие “Everdream” воспринимаются не иначе как путеводитель по внутренней библиотеке приятных воспоминаний и важных сведений, которые долго ждали своего часа, чтобы быть разобранными, расфасованными по полочкам и получившими определительные надписи-ярлычки. Нынешние треки Дениса по сравнению с его дебютным диском отличаются ещё большей плавностью и пластичностью, и это однозначно плюс.
Звук стал глубже и увереннее, соотношение разных элементов по отношению друг к другу кажется ещё более выверенным и зрелым, а гитарные соло уже не звучат так визгливо и резко, как это порой случалось на “A Heartbeat: Reload”. Пожалуй, можно даже сказать, что сейчас у Rocket Rider стало меньше хэви-металла и хард-рока как таковых, а всё слегка ушло в сторону прогрессива, арт-рока, синт-вейва и спейс-рока, но это не недостаток и не желание влиться в мейнстрим – это органическое качество и естественное требование исполняемого музыкантом материала, который действительно как будто создан, чтобы звучать именно так: деликатно, вдумчиво, мягко.
На альбом вошло всего семь треков, большая часть из которых имеет достаточно умеренную длительность, но недостатка идей и вдохновения у Rocket Rider совершенно точно не наблюдается. Автор свободно импровизирует, переходит от одной мелодии к другой, развивает выбранную тему, вплетая в неё всё новые и новые мотивы, а в итоге ощущение от прослушивания действительно остаётся такое, как будто летишь на звездолёте сквозь пространство и время и наблюдаешь в иллюминаторе за сменой потрясающих воображение космических пейзажей и удивительных ландшафтов.
Главное достоинство данной пластинки в её всесторонней аутентичности и выдающемся профессионализме материала, издания, продакшна и в очень грамотной подаче всех наработок и идей, которыми решил поделиться с нами в этот раз гитарный маэстро Денис Бухарев. Я даже думаю, что зря автор так беззастенчиво и прямо сообщает об историческом демо-характере этих записей – звучит “Rocket Rider” на редкость фирменно и убедительно, а такая дополнительная информация на стадии предварительного и “шапочного” знакомства с релизом способна скорее оттолкнуть и настроить против него.
Пусть перед нами материал действительно по большей части фонового характера, имеющий не так много отличий от прошлогоднего лонгплея проекта, но послушав “Rocket Rider” пару-тройку раз в качестве гарнира для каких-то “более важных” и насущных дел, вы, скорее всего, захотите затем вернуться к данной работе и загрузить её в свой CD-привод и в качестве основного блюда. Не полюбить эти треки не так-то просто, а окунувшись в них раз или два, привыкаешь к ним настолько, что разум сам просит устроить себе ещё раз подобный сеанс звёздной релаксации. Нежная, красивая, мечтательная, хотя и по-прежнему достаточно олдскульная и хардовая музыка.
Рецензия на сингл группы Witch's'kill "Hunter And A Witch"
Что будет, если скрестить Diablo Swing Orchestra, Stolen Babies и старую поп-группу Aqua? Ответ прямо перед вами и имя ему Witch’s ‘Kill! Светлый и позитивный мультяшный рок этой группы не является ни резким, ни тяжёлым, ни агрессивным, а их мелодии и ритмы просты и элементарны как любой исторический блюз или рок-н-ролл, но их влюблённость в своё дело и невероятная мультяшная харизма поистине творят чудеса! Ведьмы, охотники, кракен и ещё масса подобных всем известных персонажей создают в композициях этой группы свой особый мир, отдельную вселенную вроде питерпэновской волшебной неверляндии, и это очень здорово звучит, а по ходу прослушивания наводит на ещё более здоровские и яркие ассоциации.
Как не могут устареть хиты несравненной Джанис или “Жёлтые ботинки” нашей замечательной экстравагантной инопланетянки Жанны Агузаровой, так и музыка, на которую решили сделать ставку Witch’s ‘Kill, тоже воспринимается сейчас как исключительно пламенный, горячий и вечно актуальный привет из Вечности, который всегда и в любую погоду будет кстати и к месту. Немного инди-рока, щепотку джаза, толику блюза, пять граммов элементарного регтайма и олдового свинга, и вот перед нами будто прибывшие на машине времени из полупустых дымных баров только-только изобретающей рок-н-ролл Америки начала пятидесятых годов Witch’s ‘Kill со своим новейшим синглом.
“В детство невозможно попасть снова, если ты уже перерос подростковые прыщи и перешагнул заветный teen-рубеж, в него можно только впасть” – грустно констатируют психологи и психиатры, а Witch’s ‘Kill, сдаётся мне, играют в первую очередь как раз для тех, кому уже давно “за”, ещё не всё “по” и очень хочется немного раскрасить свою взрослую и слишком размеренную жизнь яркими красками детства. А ведь давно замечено, как с ходом времени нам всё интереснее пересматривать старые советские мультфильмы, открывать для себя смешариков, Лунтика, Губку Боба и иже с ними, а причина тому ясна, просто и очевидна: взрослым быть слишком скучно, а шалости и сумасшедшие затеи детства не заменить ничем и никогда.
Практически у каждого в жизни бывает период, когда вдруг становится понятно, почему Питер Пэн не хотел взрослеть, и Witch’s ‘Kill играют как раз для тех, кто переживает этот период с наибольшей остротой прямо здесь и сейчас. Мечтательный женский вокал, релаксирующие клавишные, грубоватые риффы в духе подросткового поп-панка (“Tickle You”), много-много особой party-атмосферы, в которую так приятно погружаться в ночь с пятницы на понедельник, намёки на джазовые импровизации и воинствующая инфантильность самых детских и самых наивных мультяшек делают эту группу потрясающим пин-ап-феноменом, и это в нашу сухую компьютерную эпоху очень здорово и даже прекрасно.
“Hunter And The Witch” аккуратно следует в том софт-джаз-блюз-роковом ключе, которого Witch’s ‘Kill придерживались с самого начала своего творческого пути, и в этом плане отличий у новейшего сингла команды от их предыдущего материала минимум, но вот обложка и в целом хэллоуиновско-ведьминская тематика вкупе с чуть более смелой и наступательной вокальной мелодией как будто намекают, что группа вступает в новую эру своего развития, и дальше джаза, свинга, Diablo Swing Orchestra и Жанны Агузаровой будет больше, а случаться они станут чаще и ярче. Не знаю, как вас, а меня данное обстоятельство очень радует, и “Hunter And The Witch” тоже порадовал. Винтаж? Да, и ещё какой – радикальный, массированный и повсеместный!
Никакого особого авангарда, как у Diablo Swing Orchestra, или виртуозности, как у легендарных блюзменов и джазистов, у этой группы нет, они играют просто, даже примитивно, а их саунд порой отдаёт гаражной грязнотцой, как, например, в риффах “Don’t Believe” с их EP “Tickle To The Death” (2019), но в этой подвальной рок-н-ролльности как раз и заключается их особое артхаусное очарование. Такие песни будут невероятно уместны в какой-нибудь крафтовой уютной кофейне или в качестве саундтрека к хорошему французскому кино со смыслом и с должной долей арт-красоты, а для уставших от крысиных бегов взрослой жизни интеллектуалов и эстетов такие расслабленные и слегка меланхоличные песни станут, наверное, просто манной небесной.
Witch’s ‘Kill нарочито и показательно несовременны, и именно в этом их сила. Их винтажная расслабленность оставляет ощущения исполнения вживую, как будто треки записывались в ходе выступления на сцене или, по крайней мере, были сыграны в студии сразу всей группой, а не каждым музыкантом по отдельности, как это правильно, нужно и принято в современных звукозаписывающих реалиях. А я думаю, что для творчества этого коллектива и им подобных групп вроде The Blue Stocking, нужно было бы ввести особый термин – party rock – ведь играть и слушать такое можно только исключительно в расслабленном состоянии праздничной непосредственности и со стаканчиком чего-нибудь бодрящего и уютного в руке.
