РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на сингл проекта Blurred Omens "She Loves Me Not"
Я уже давно слежу за творчеством Аполлинарии Чикуновой, очень был впечатлён её агрессивно-пассивной вокальной работой в Awake, затем ещё более проникся вайбами её креатива и вокальной эквилибристикой в NEIROMAZE, ну а сейчас у нас долгожданный синтетический проект Аполлинарии blurred OMENS и его дебютный трек “She Loves Me Not”. Аполлинария на вокале, Андрей Орехов отвечает за всё остальное, и я думаю, вы уже поняли, какой была у меня первая ассоциация в связи с названием трека, однако ничего похожего на простенькие считалочки Катиной-Волковой тут вы не найдёте – если с кем-то и сравнивать blurred OMENS, так с героями диско и синт-вейва 80-х вроде CC Catch, Blondie и Laura Branigan, однако исполнен такой ретро-материал у них в совершенно другом ключе и с очень современным звуком.
blurred OMENS – это настоящие металлисты, но играют они сейчас синти-поп. Не так, как это делали Бони Нем, без намёка на юмор и на иронию, а с полным вживанием и проникновением в тему, с преображением синти-попа с точки зрения законов металлического жанра и как бы изнутри. И определённое сходство с Theatre Of Tragedy времён “Assembly” и “Musique” действительно присутствует у blurred OMENS в весьма серьёзных концентрациях, однако вокал и тембр голоса играют тут на самом деле очень существенную роль, и прохладный, чуть отстранённый вокал Аполлинарии создаёт совершенно другое настроение, которое мне ближе, чем игривые и сладостно-ангельские интонации Лив Кристин. Для меня трек blurred OMENS стал интеллигентным синт-вейв-переложением классики Dido с точки зрения метал-ортодоксов, и звучит это, на мой вкус, просто феерически.
Аполлинария постоянно совершенствует свои вокальные возможности, осваивает новые техники, и “She Loves Me Not” стала для неё большим шагом вперёд и убедительной демонстрацией новообретённых навыков, которые проявляются в треке очень органично и естественно. Чувственные придыхания не кажутся нарочитыми, как у Nargathrond в “Неизбежности”, всё очень строго, профессионально и выверено, где нет ни одного лишнего полутона, но в то же время очень легко, естественно и свободно, и вот эта-то лёгкость меня больше всего и покорила в дебютном треке дебютирующего сейчас проекта Аполлинарии и Андрея. Стоит отдать должное гитаристу – его музыкальный кругозор и филигранность исполнительских навыков позволили ему создать для “She Loves Me Not” сильный и самостоятельный инструментал, который совершенно не воспринимается как какой-то дополнительный фон и просто аккомпанемент.
Включаешь трек, и тут же буквально кожей чувствуешь мощнейший вал гитар и объёмный, солидный, пружинящий, на самом деле физически ощущаемый от них грув. Здесь сила и конкретность, а лёгкий оттенок классики Ace Of Base и Eurythmics грациозно довершает идиллию, и я реально был просто в восторге от данной композиции. Голос Аполлинарии раскрылся в данный момент на все сто процентов и, отказавшись на время от экстремального пения, вокалистка NEIROMAZE ничего не потеряла, а наоборот обрела много нового, интересного и в какой-то степени неожиданного. Крафтовая и необычная обложка прекрасно подходит синглу и отчасти дополняет трек, давая ключ к пониманию весьма непростого и интересного англоязычного текста, в котором за сдержанным исполнением вновь ощущаются потайные глубины психоанализа.
А ещё мне очень понравилось то, что “She Loves Me Not” звучит очень жёстко и почти металлически, местами почти железно, но в то же время невероятно легко, изящно, мечтательно и светло. Создавать такое настроение реально получалось только у Dido, Aurora и СС Catch, а наши сегодняшние герои смогли мастерски поймать нужный вайб и воплотить в рамках очень простой и доходчивой поп-песенки глубокие и по-настоящему важные проблемы современного человека и нашего нынешнего социума. Тема болезненной и органичной привязанности, от которой никак не уйти, выражена у них настолько тонко и глубоко с точки зрения психологической теории, что на самом деле напоминает настоящую исповедь на сеансе у грамотного психотерапевта, но в то же время совершенно не грузит и не угнетает, а наоборот, ведёт к какому-то катарсису и внутреннему ментально-нравственному освобождению. Слушаешь и как будто на душе становится светлее.
У сообщества blurred OMENS ВКонтакте очень интересное оформление, и музыканты выбрали себе весьма экстравагантный марганцовочно-розоватый имидж, но и это тоже здесь в тему, и показалось мне очень созвучным их металлизированному психо-синт-вейву. Я всегда любил группы вроде Ace Of Base и Aqua, а также металлические интерпретации подобной музыки у Teslathrone и других подобных коллективов, а Аполлинария со своим сегодняшним проектом как будто выводит все эти тенденции на какой-то новый уровень. Просто шикарное пополнение в списке моих любимых синт-поп-кибер-готических треков и развитие идей давно почитаемых мной N-616. Очень хотелось бы целый альбом в таком же стиле и с такой же подачей. Надеюсь, лонгплей – дело времени, и Аполлинария с Андреем продолжат свои совместные творческие изыскания под эгидой их новейшего совместного проекта blurred OMENS.
Рецензия на мини-альбом группы Pleximents "Tales Of Deception"
Прогрессив бывает разный, и это далеко не только Rush, Yes и King Crimson, если мы говорим о роке, и Dream Theater и Fates Warning, если мы говорим о прог-металле. Есть много других групп, течений и подходов, и сегодня мы с вами в этом убедимся, познакомившись с очень интересным томским коллективом Pleximents и с их вторым альбомом, который стал результатом дружественного сотрудничества и совместной работы музыкантов из Сибири (гитара, вокал, клавишные) и США (бас-гитара, ударные).
Для того, чтобы слушателя ничего не отвлекало собственно от музыки и нюансов звучания коллектива, музыканты представили после релиза инструментальный вариант своего недавнего мини-альбома “Tales Of Deception”, и у них действительно получился очень живой и объёмный EP, где отсутствия вокала даже не замечаешь. И, кстати, вокальная версия мне тоже очень даже понравилась, но я прекрасно понимаю, почему музыканты захотели представить альбом в инструментальном варианте, и именно он впечатлил меня больше, хотя я никогда не был фанатом инструменталов.
В плане звучания перед нами что-то в духе Savatage/Trans Siberian Orchestra, Porcupine Tree и Jethro Tull (с такими мощными грохочущими басами, форсированным аудио-рельефом и импозантными менестрельскими вставками в духе джетроталовского “Minstrel In The Gallery”, но невероятно разнообразный по идеям, саунду и аранжировкам). Тут и хоры-сэмплы в открывающей альбом “United In Roots”, и что-то вроде фламенко, и сумрачный, даже угрюмый и мистический местами дисторшн, и самые неожиданные, порой абсолютно непредсказуемые ходы.
По саунду и подаче перед нами всё-таки метал и метал достаточно жёсткий, местами даже посматривающий с интересом в сторону таких групп как TOOL, а с точки зрения композиции и архитектоники треков на альбоме представлены настоящие мини-симфонии. Сложные структуры, сложные темы, не менее сложное концептуальное наполнение (попробуйте поразмыслить, о чём может рассказывать трек, который называется “Stigmatized”), но воспринимается всё это очень органично, легко и естественно и даже изящно, что в итоге меня как раз и покорило.
Мне очень понравился стиль проекта с лёгкими отголосками сэветейджевского “Dead Winter Dead”, понравились идеи музыкантов и то, как они их подают, ну а техничность и профессионализм авторов, конечно же, не вызывает никаких сомнений. Другое дело, что техничность ради техничности вряд ли бы стоила упоминания, а вот когда всё красиво, гармонично и с идеей, это реально начинает работать, и профессионализмом музыкантов по-настоящему восхищаешься, понимая, что учились игре на своём инструменте и оттачивали навыки игры на нём они не зря.
Не удивительно, что в составе Pleximents были замечены Антон Давидянц, считающийся одним из лучших отечественных бас-гитаристов, а также известный по работе со многими ведущими коллективами отечественной тяжёлой сцены барабанщик Андрей Ищенко, однако не в громких именах и не в титулах в данном случае дело. Чаще всего, участие где-то кого-то очень известного или весьма титулованного выглядит как попытка выехать за счёт заслуг и регалий прошлого, однако в случае с “Tales Of Deception” ничего этого не требуется, и нужды в пресс-релизах не возникает совершенно – музыка сама говорит за себя, и это очень убедительно.
Шикарные басы, потрясающие риффы, очень художественное переплетение разных элементов, и “Tales Of Deception” реально стал для меня в один ряд с любимейшими пластинками Jethro Tull, Morgana Lefay, Savatage, Porcupine Tree и TOOL. В этих риффах и бриджах уже есть глубокий смысл и определённый месседж, они не нуждаются в вокальных дорожках, и в этом плане рецензируемый EP на самом деле очень близок и родственен по духу шедеврам мировой классической музыки и тем песням, которые исполняли толкиеновские валар, когда творили бытие. Всё очень красиво и прекрасно, но ещё и весьма изощрённо с точки зрения исполнения. Таким альбомам можно ставить только 5 из 5 и никак иначе.
Рецензия на альбом группы SPAINT "Металлента"
Spaint продолжают нарезать свой экзистенциальный и достаточно сердитый модерн-рок с металлическими риффами в собственном узнаваемом стиле, но в этот раз решили немного добавить ко всему эту юмора и иронии. Их ироничность видна уже на уровне оформления релиза и его названия, ну а в музыке перебарщивать с шаржами и шутками они не собираются и просто от души нарезают свой фирменный олдскульно-модерновый метал, который в определённом контексте вполне может сойти просто за рок.
Здесь нет тяжести ради тяжести, всё очень осмысленно и с душой, но в то же время прямо, чистосердечно и «по чесноку», а названия вроде “Бро” и проскакивающие то там, то здесь ироничные фишки лишь подтверждают общий перцовый настрой настоящих суровых мужчин, не чуждых всем простым и человеческим радостям этого мира. Понравиться такое может и угрюмым байкерам, и ностальгирующим по классике старины Лемми седобородым мужчинам в кожаных куртках, и просто тем, кто любит прямоту и конкретность, не желая лишних усложнений и сантиментов. Всё просто как хлеб и квас, но именно в этом-то и кроется особая притягательность группы Spaint и их новейшего двенадцатитрекового полноформатника.
На альбоме есть и очень серьёзные песни, а восьмым номером поставлена даже тяжёлая лирическая баллада “Звёздный вальс”, ну а эпик “Это Spaint” наверняка станет новым хитом коллектива и обязательным для исполнения на концертах программным номером. С одной стороны, на “Металленте” всё очень профессионально и слаженно (вполне в духе всё той же Metallica), а с другой – не обошлось без разухабистой расслабленности металликовского же “Garage Days” 1987 года выпуска, что очень явно ощущается как раз в “Это Spaint”, которая звучит уж очень живо, репетиционно и искренне. Когда слушаешь эту вещь, возникает полный эффект погружения в атмосферу душевных мужских посиделок, а хор толпы в “Дай мне повод” ещё сильнее добавляет в этот бидон особой и специфичной «фестивальности».
“Металлента” – это идеальный альбом для олдскульных металлистов, которые до сих пор любят и котируют Metallica, Megadeth, Slayer и Anthrax, но порой всё-таки хотят послушать что-то более душевное и на более «человеческие» и понятные темы. И вот тут-то как раз и выходит на сцену Spaint со своей “Металлентой”. У них достаточно тяжёлые риффы и жёсткие ритмы, всё это вполне укладывается в стилистику той же Металлики, но основной упор здесь всё-таки делается на осмысленный русскоязычный текст, который будет понятен всем русскоязычным людям, в то время как мега-хитовые мелодии “Последней радости” и других подобных треков надолго и прочно застрянут в памяти.
Как раз на такую музыку делали ставку Чёрный Обелиск, Тяжёлый День и Алиса, а Spaint продолжают заниматься теми же самыми вещами, но в своём собственном узнаваемом стиле. Если вам захотелось отдохнуть от женского общества в простой и суровой мужской компании где-нибудь в гараже или на рыбалке, “Металлента” станет идеальным саундтреком для такого вечера, и эта музыка в стиле “твёрдого знака” гарантированно создаст нужную атмосферу для всех товарищей. Здесь много мелодий и чувств, много специфической искренности, но нет ничего приторного или слащавого – только чистые и искренние чувства, только чистый и классический рок с металлическим привкусом, от которого в душе появляется привкус счастья.
Рецензия на сингл группы N-616 "Frozen Sun"
Романтики и электронные металлисты из N-616 уже давно напоминают отлично отлаженный механизм по производству первоклассных готических хитов на стыке электронного и металлического звучания, но планку качества не только не снижают, а временами даже как будто ещё немного поднимают. Они словно разбирают и снова собирают всё те же самые ингредиенты по винтикам, а в итоге всё у них получается немного иначе, но всё так же цепляющее, чувственно, здорово, прекрасно и в своём знаменитом фирменном стиле. На макси-сингл с говорящим названием “Замороженное солнце” вошли два новых трека N-616, и это снова очень жаркие, яркие и прохладительные вещи, завязанные на кипучих контрастах металла и синтетической готики в лучших традициях всех самых очаровательных групп данного направления.
В самой “Frozen Sun”, собственно и давшей название релизу, с одной стороны, очень много жёстких, по-настоящему драйвовых гитар, много тяжести и невыразимой тоски классического готик-металла, а с другой – есть что-то ангельское, воздушное и эфирное, как будто родом от The Gallery, переигрывающих A-Ha. Мечтательная, словно светящаяся изнутри призрачным светом, вокальная мелодия, шершавые, порой как будто нарочито гротескные риффы, и во всём этом хрупкое очарование редких и тонких вещей, которые можно только почувствовать и ни за что на свете не выразить словами, что происходит на фоне почти маршевых ритмов и с эпизодическими вставками почти в духе акапелла-минимализма. N-616 словно дожимают все возможные контрасты до максимума, и “Frozen Sun” стала экспериментом именно такого рода.
Ну а “Knife” это просто чистая готическая меланхолия, электронная лаунж-медитация и музыкальный нож, который может и просто безобидно поблёскивать на столе, и стать причиной очень болезненных и неаккуратных травм. Очень специфический и крафтовый звук гитар как гипотетический источник этих самых режуще-острых опасностей, пружинящий электронный темп и достаточно простой, но всё равно продирающий до мозга костей женский вокал в совокупности творят в умелых руках Владимира, Михаила, Ильи и Дарьи настоящие чудеса. «I’m the Knife» – слышим мы повторяющееся в тексте данного трека утверждение, и обе композиции с “Frozen Sun” это действительно очень острая, бликующая и мистическая музыка, в которой много тёмной красоты, жутковатых пасхалок и прохладного лунного очарования, в океаны которой вас с головой окунёт “Knife” своими яркими и нежными пульсациями.
В целом “Frozen Sun” с точки зрения текста и аудио-воплощения, на мой взгляд, очень хорошо и точно коррелирует с английским словом “eerie”, семантическое поле значений которого простирается от «странного» и «таинственного» до «леденящего кровь», «жуткого» и т.д., и всё это одновременно и с обязательным присутствием всех смысловых оттенков этих слов в каждом отдельно взятом моменте. «But even if I can't escape, I'll live another life because if they are just the ropes, I am the knife. I am the knife» – резюмирует Дарья, и от этих слов действительно веет каким-то холодом обречённости. «Если они верёвки, то я – нож». И на фоне первых фраз “Knife” про небоскрёбы, звёзды и нежелание прятаться всё становится ещё пронзительнее, ярче и холоднее. По спине бегут цепкие пальцы жутковатого eerie, но это очень приятные и даже сладостные ощущения.
Отрадно видеть, что давно покорившие меня своей влюблённостью в готику в самом широком её понимании N-616 остаются верны себе, но при этом не впадают в самоповторы, и “Frozen Sun” стал отличным поводом вспомнить об этом, а параллельно отпраздновать торжество осенней увядающей романтики в ритме смелого гитарно-синтетического нуара с эмоциональным женскими вокалом. Собственно, тут всё целиком состоит из эмоций, и обе вещи с “Frozen Sun” воспринимаются как настоящие водопады чистой готической эмоциональности в её самом классическом, но совершенно не клишированном варианте. Эти ребята записывают песни, которые могут впечатлить как фанатов дэт-металла, так и любителей поп-расслабленности, и именно в этом их особая заслуга и даже гениальность. Песни, в которые можно всматриваться бесконечно, словно в замёрзшие глубины полночных озёр.
Рецензия на сингл проекта Back Me To The Zeros "Осьминог"
Если вы хотите узнать, что такое глубоководная мистика и какие песни поют русалки в пропахших вечным одиночеством коридорах ушедшей под воду Атлантиды, вам стоит обратить внимание на новейший сингл интересного дуэта Back Me To The Zeros, зарекомендовавшего себя виртуозным смешением электродомры с задумчивым и атмосферным металлом. Едва начинает звучать “Осьминог”, сразу же приходит понимание, что перед нами настоящий прогрессив и достойный аналог легендарного дебюта Aesma Daeva “Here lies One Whose Name Was Written In Water”, ну а дальше подобных элементов будет ещё больше, а фирменный консерваторский стиль Back Me To The Zeros предстанет перед нами в своём самом впечатляющем и совершенном воплощении.
В “Осьминоге” совершенно нет никакой резкости, вроде той, что отличала ставший у нас на ASTARTA когда-то релизом месяца сингла “Антибиотики”, – здесь всё очень плавно, размеренно, тягуче и глубоководно, а звуки солирующей домры органично вписываются в эту зачарованную эстетику погибших цивилизаций, над которой призрачно веют пространные русалочьи многоголосья. Очень интересный звук гитар – композиция кажется размашистой и эпичной, но длится всего пять с половиной минут. В её медитативной размеренности отражаются звёзды и луны сгинувших империй, а сам трек в итоге воспринимается как реквием и в то же время песня во славу новой жизни и нового начала.
Здесь есть и дум, и дарк-метал, и влияния уже упоминавшихся сегодня Aesma Daeva, и много театрализованной драматургии кинематик-металла, но всего по чуть-чуть и на эпизодических факультативных ролях, а вот основной химический аудио-элемент в данном случае не так-то просто определить и описать. Нечто очень эфирное и нежное, прозрачное и призрачное, таинственное и отстранённое, но в то же время конкретное, ясное и однозначное – вот что такое “Осьминог”, и для меня эта вещь стала самым большим и впечатляющим достижением Back Me To The Zeros на сегодняшний день. Самая целостная и самая глубокая, самая эмоциональная, но в то же время очень сдержанная и с постоянными многоточиями недосказанностей.
И русскоязычный текст песни при всей своей афористической многозначности тоже местами очень даже однозначен: «и как едва рожденный дивиться миру можешь ты. Как первый миг, как яркий блик в глазах моих погасших». Начало и конец, возрождение и угасание. «Вернуться бы в былые года, там ярче жизнь, я рвусь туда..» – тоскует и печалится лирическая героиня, и на мой взгляд, это лучший саундтрек к “Русалочке”, который только может быть, хотя песня, конечно же, совсем не об этом и вряд ли задумывалась как иллюстрация каких-то уже существующих художественных произведений. Всё очень автономно и самостоятельно, но ассоциаций и отсылок целые букеты подводных лилий, и все эти ассоциации очень приятные.
Мне вспоминался и Мережковский времён его “Атлантиды-Европы”, и Рада & Терновник, и поздний Trail Of Tears, и я очень надеюсь, Back Me To The Zeros продолжат меланхоличную атмосферность данного трека, и в будущем у них будет ещё много таких композиций. Очень удачное сочетание, эффектный плацдарм для прорисовки пассажей электродомры, и в этом плане Back Me To The Zeros можно сравнить с Dark Reality и Bethzaida, которые делали примерно то же самое, но с флейтой. И, кстати, Back Me To The Zeros выглядят в данный момент тоньше и изящнее, что говорит очень и очень о многом. Если бы они записали целый альбом в стиле “Осьминога”, это было бы просто феерично. Будем следить за развитием тем и ждать обновлений от коллектива.
Рецензия опубликована в журнале Rockcor N7 (2024). Заказать журнал:
https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz
Рецензия на сингл и клип группы Зверобой "В Ленинграде ночь"
У этой столичной рок-группы интересная и долгая история, они умеют писать по-настоящему хорошие песни, что признают абсолютно все, кто так или иначе соприкасался с творчеством Зверобоя, и мы уже достаточно давно следим за их эволюцией, освещая разные этапы жизни команды, но сегодня у нас всё-таки очень необычный повод снова поговорить про этих ребят. Совсем недавно у Зверобоя вышел очень сильный альбом “Добрый знак”, однако горячая патриотичность данного лонгплея не всем пришлась по вкусу, и вот сегодня у нас совершенно не злободневный, не военный и не связанный с современной военно-политической ситуацией в мире и у нас в стране клип про красивый город и про любовь, похожую на море.
Интересно то, что взята ставшая сейчас клипом песня тоже с альбома “Добрый знак”, однако в сочетании с видеорядом воспринимается теперь уже совершенно иначе. Выпав из альбомного контекста и получив лёгкий и даже игривый видеоряд, эта вещь стала восприниматься совершенно иначе, в то же время подчеркнув, что альбом “Добрый знак” тоже отнюдь не был так уж однозначен и единонаправлен. Музыканты как будто предлагают посмотреть на свою песню в своей собственной авторской интерпретации, проникнуться этими образами, а затем с этой точки зрения посмотреть и на свой недавний альбом, чтобы ещё раз переслушать его, взглянув на обозначенные в нём темы несколько с другого угла.
«Лето! Прекрасный город, как бесконечный парус, наполняется тëплым дыханием белой ночи. Его архитектура – вовсе не застывшая музыка: она звучит голосом виолончели какого-то уличного музыканта, и превращается в незабываемую мелодию двух влюблëнных сердец...» – так описывают данный клип сами Зверобой и точнее тут просто не скажешь. Даже в разгар самых тяжёлых и серьёзных испытаний, даже на фоне разрушения всего и вся, летний вечер остаётся летним вечером, а душе человеческой хочется красоты, покоя, тишины и мира. Просто мира и спокойного, неспешного наслаждения красотой мироздания и просто лёгкого и воодушевляющего чувства влюблённости в очаровательную и влекущую радость нашей планеты.
Участники Зверобоя пригласили для съёмок в клипе актёров Наталию Колоскову и Ярослава Дяченко, и актёры отлично справились с задачей проиллюстрировать эту нежную песню авторства участника Зверобоя Дмитрия Сосова. Просто ранний августовский вечер, просто красивая девушка и прогулка на фоне искристых питерских ландшафтов – вот о чём этот клип и эта песня. Про отдых и расслабленность, про желание нежной красоты и растворения в последних лучах уходящего лета – клип можно воспринимать как отчаянную попытку надышаться и напитаться красками летнего великолепия, но в нём совершенно нет ничего отчаянного или хоть сколько-то напряжённого. Лёгкая история любви, эфирные и почти невесомые образы.
Белые ночи и яркие солнечные дни, разводящиеся мосты и вид на набережную, луна и легкомысленные облачка – а на фоне всего этого четверо участников Зверобоя, словно молодые The Beatles на своей Abbey Road неспешно прогуливаются, радуются окружающему великолепию и играют на своих инструментах. И все эти миролюбивые идиллические картинки сменяют друг друга под аккомпанемент очень простой, светлой и словно сочащейся светом изнутри песни. Никаких намёков на войну, боль и тревоги, о которых ещё совсем недавно так рьяно и неистово пели авторы на альбоме “Добрый знак”, но по-прежнему в их неповторимом фирменном стиле, который узнаёшь и чувствуешь тут же и сразу же.
И Зверобой действительно с блеском показали всем, что способны быть разными, мастерски уравновесив свинцовую серьёзность “Доброго знака” со всей тяжеловесностью и ревущей правдивостью его тем. Иногда нам всем нужно чуть-чуть отдохнуть от слишком оглушающей правды снарядов и от разорванных на груди тельняшек сверхчеловеческого подвига, чтобы не сойти с ума и не потерять веру в простые и повседневные человеческие радости. Всё это может прозвучать странно, сомнительно или даже фальшиво, но это так, и Зверобой со всей свойственной им мудростью закалённых в боях воинов-патриотов, напомнили нам всем сейчас про этот немаловажный факт. И я вновь убедился в том, что Зверобой могут, умеют и готовы дать жару на все 100%. Они ещё не раз удивят нас всех и ещё многое нам расскажут и покажут.
