РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на альбом проекта Hiholl "Predators Paradise"
Всё, что делает Александр Хихол, подчёркнуто особой поволокой неоклассической гениальности, и сейчас, когда автор предлагает нам поразмышлять о вечных просторах космоса, это особенно очевидно. Даже обращаясь к эмбиент-стилистике и к элементам нойза, Александр не забывает про серьёзную и основательную неоклассику, благодаря которой у него так много прекрасных слушательниц, и «Predators Paradise» тоже вполне отчётливо всё это демонстрирует. Гулкие раскаты и рокочущие пустоты перемежаются на его новом альбоме с очень серьёзными моментами и красивыми инструментальными проигрышами, но этот альбом на то и космичен, что в его лазерных дорожках может произойти всё что угодно.
«Это просто космос, никакой философии» — сказал мне сам Александр. Не стоит искать тут какие-то потайные смыслы, какой-то замысел и какие-то месседжи. И я уже успел понять и запомнить, что творчество Hiholl на самом деле абсолютно самозначимо и самоценно — нет нужды пытаться выискивать в нём какую-то стройную систему академических размышлений и какие-то исчерпывающие логические построения: здесь всё — порыв, искра, огонь, звёзды и вдохновение, и на альбоме, посвящённом космосу, всё это ощущается с особой и колоссальной силой. Лучше не думать и не вдумываться, отпустить себя и своё сознание, позволив магии музыки творить свои странные и удивительные чудеса, рассказывая о звёздах.
И я слушал «Predators Paradise» и вспоминал, как недавно был в питерском планетарии. Космос действительно не нуждается ни в каких дополнительных усложнениях и ни в какой философии. Есть, конечно, философы-космисты, Фёдоров, Циолковский, Вернадский, Вячеслав Иванов и всё такое, и это имеет место быть и по-своему интересно, но я сам в том же планетарии ни о чём особо не думал, а просто смотрел, наслаждался, удивлялся этому величию, этой высоте, торжественности, непостижимости, великой и нечеловеческой гармонии и — просто был. Не хочется ничего говорить и ни о чём думать, когда ты оказываешься наедине со звёздами, а тебе в лицо дышит вечный и прекрасный космос.
«Ad Astra» — это по сути интро, оно задаёт нужный тон и открывает перед вашим внутренним взором безбрежный простор, столь необходимый и существенный для восприятия подобных вещей, а затем в ход идёт тревожная и даже страшная «Reconnaissance (ISR)», которая напоминает нам, что величие Вселенной, её масштабы и те мгновения тишины, которая она дарит нам, могут быть очень даже пугающими. Сон, тишина, сенсорная депривация и болезнь так похожи на смерть и небытие, но именно эти состояния приоткрывают нам что-то по-настоящему важное и ценное. Мы все стремимся через тернии к звёздам, проходя наш земной путь, а там, среди звёзд, нас ждут, по сути, всё те же страхи и радости, от которых мы бежали и на которые зачастую не находили времени здесь, на Земле.
«Mechanical Dragonfly» явственно демонстрирует, что космос тоже живёт и дышит, развиваясь по каким-то собственным, быть может, одному ему ведомым законам, время от времени переживая периоды упадка и подъёма, а «The Step to Unknown» — это именно шаг в неизвестность. Композиция приглашает слушателя отвлечься от всего земного и слишком человеческого, отбросить все дела и стать просто маленьким светлячком, устремляющимся навстречу неизвестности сквозь бесконечные просторы Вселенной. Неизведанное манит и пугает, впереди нас ждут обретения, потери, экстазы, восторги, опасности, затмения и чёрные дыры, но если вы дошли до этого трека, шаг в никуда уже сделан, и дороги назад нет.
«Biomodule: Gathering Of Samples» отличается ритуальными, шаманскими и зовущими интонациями, которые здесь, впрочем, тоже уравновешиваются моментами тишины. «The Sunrise Of Survivors», как видно из названия, показывает, что выжившие увидят просто прекрасный космический рассвет и постараться выжить действительно стоит, а вот «Abuse Of Hospitality» демонстрирует обратную сторону всего этого великолепия и неминуемо обрушивающиеся на любого выжившего трудности. Ещё более страшна, пугающа и даже ужасна «Leaving A Dangerous World», а вот финальная «The Lost Signal» действительно похожа на катарсис, рай и долгожданное избавление из череды воплощений.
Альбом строится на контрасте первозданного покоя, спокойствия, красоты, гармонии, умиротворения, света и такого же первозданного ужаса. Здесь не нужно ничего объяснять и теоретизировать, а сам возникающий у вас в сознании при звучании данных треков визуал и сами эти звуки уже несут смысл, который совершенно не нужно облекать в какие-то вербальные и тем более логические формы. У альбома явно есть своя логика и даже свой сюжет, особый нарратив и определённый набор смыслов-месседжей, которые он хочет до вас донести, но нет совершенно никакой нужды пробовать облекать их в слова. Гораздо лучше просто расслабиться и позволить этому релизу вести вас за собой в глубины подсознания.
Альбом «Predators Paradise» учит нас тишине и неспешности, и это очень ценно. Большинство из нас боится расслабиться, нас пугает отсутствие перманентного напряжения, вызванного делами. Мы разучились находиться наедине с собой и своими мыслями, и новый полноформатный опус Hiholl как раз напоминает нам всем о том, что именно в такие моменты мы по-настоящему и ощущаем пульс жизни. Иногда стоит остановиться, перестать быть набором треморов и коллекцией неврозов и просто посмотреть в ночное небо, уделив вот этой чёрной ночной тишине хотя бы час. И делать это лучше всего под аккомпанемент «Predators Paradise», очень талантливого, динамичного и непредсказуемого альбома.
Рецензия на мини-альбом Inna Syberia "Дочь шамана"
Я всегда любил хороший фолк и низкочастотные женские голоса, а после прочтения книги Владимира Серкина лет семь назад стал интересоваться философией шаманов, и как же приятно мне было познакомиться с творчеством Inna Syberia, стилистика материала которой позиционируется как dark pagan folk, где слово «pagan» как раз и подразумевает шаманский анимизм и многочисленные практики народов севера! Сейчас Инна представляет свой новейший релиз, и в него вошли три разных, дополняющих и развивающих друг друга версии зажигательного трека «Дочь шамана». Супер-хит и супер-трек, появившийся после поездки группы на северный фестиваль Иманда, и основной упор здесь делается именно на аутентичность.
«Дочь шамана» — это настоящий север и настоящий этно-колорит, к которому Инна и её музыканты добавляют много-много драйва и индустриально-танцевальных элементов, а также впечатляющее живое шоу, с которым Inna Syberia уже прокатились по важнейшим и самым зрелищным летним фолк-фестивалям. Когда звучит эта вещь, ты чувствуешь, что северные боги проснулись, ожили, вернулись к активной деятельности и успели очень соскучиться по хорошим и громким вечеринкам! Ну а опыт Инны (я не буду перечислять её многочисленные заслуги, всё это вы без труда сможете прочитать в сообществе коллектива ВКонтакте) слышен в каждом звуке, и именно благодаря ему «Дочь шамана» получилась в итоге такой яркой.
Три разных версии, но всё это «Дочь шамана», и это просто ядерная смесь Hagalaz' Runedance, Bearwolf, Drummatix, Doshik и целого ряда других подобных коллективов и исполнителей вроде уже давно знакомой нашим читателям Ады Саргатис или даже, например, GDS PROJECT, а сделано всё у Инны просто превосходно. Я долго переслушивал разные варианты трека, но так и не смог решить, какая же из версий мне нравится больше. Каждая из них хороша по-своему, и в каждой очень много драйва, силы, мощи, энергии и огня. «Дочь шамана» — это максимально экстатическая и огненная музыка, которая постоянно действует на самом пределе человеческих возможностей и эмоционального накала.
Трудно не заметить сходство Инны с уже упоминавшейся выше Bearwolf, и определённые параллели тут на самом деле прослеживаются. То, что она делает, модно, современно, смело, вызывающе и чувственно, и это моментально трогает и увлекает за собой. Я слушаю и переслушиваю «Дочь шамана» и вспоминаю питерских ребят с файершоу в Александровском саду и возле Эрмитажа. Иногда они выступают под очень похожую музыку на стыке фолка и индастриала, а постоянная и опасная близость огня подчёркивает неистовую энергетику их движений. И как раз такая пламенная энергетика слышится в треке «Дочь шамана» и в пении Инны, которому вторят музыкальные инструменты и многочисленные бэк-вокалы.
На мой взгляд, «Дочь шамана» ярче и интереснее, чем, к примеру, то, что делают Otyken, это более дерзко и жёстко, а тяжёлые гитары и стремительные металлические соло ещё сильнее подчёркивают яростную и опасную специфику тёмного фолка Инны. В том, что делают Inna Syberia, совершенно нет никаких сомнений или оглядок на что-то или кого-то — когда я слушаю «Дочь шамана», у меня возникает полное ощущение, что она просто напрямую подключается к астралу, а затем уже хоть трава не расти — только драйв, драйв, драйв и полнейшее погружение в выносящий разум экстаз, что на выходе как раз и даёт ощущение гламурной сексуальности Doshik с первобытным напором SDH Project.
«Дочь шамана» со своим безудержным неистовством и с этими как будто не имеющими формального смысла, но бьющими прямо в сферу подсознания «Бум ба, бубен мой — бешеный бык! Голос мой, горю, — горелый крик! Чур, не видать не зги, Солнце трёт шаги. Солнце — яркий шар, Солнце — всё не жги, Чёрный Чур побереги!» кажется очень чувственной и сексуальной, и Инна очень органично перерабатывает явное кокетство Doshik и её «Лисы», углубляя и усложняя её на самом деле очень простые и поверхностные фолк-эскапады с учётом серьёзных шаманских нарративов и опыта таких заслуженных коллективов шаманского фолка как Hagalaz' Runedance.
Этот трек вбирает в себя максимально широкий спектр всех шаманских коллективов самой разной географии от Очелья Сороки, Ят-Ха, Хартыга и The Hu до совсем уж минималистичного Opycham и совсем уж медитативных Tenhi, а затем широким и безоглядным жестом р-а-а-а-а-а-а-а-з и подводит всё это под единый знаменатель гламурно-эмтивишной Doshik. Философские тексты и пространные куплеты как у Drummatix? Зачем и к чему, если у Inna Syberia обо всём сразу же говорит музыка и всё уже содержится в имплицитном и свёрнутом виде в этом постоянном «Дум-дум-дум-дум да-га-да
Да-га-да да дум-дум-дум да-га-да Дум-дум-дум-дум да-га-да Да-га-да да дум-дум-дум да-га-да».
Это мощно, неистово, яростно, универсально и всё это действительно похоже на какой-то особый и таинственный язык каких-то потусторонних сущностей. Набор букв, слогов, звуков и энергетических вибраций, которые в совокупности складываются в удивительную и причудливую картину где-то глубоко в подкорке. Бесконечный танец Вселенной по поводу очередного дня рождения дочери шамана и, возможно, её совершеннолетия. Мега-драйв и сносящий всё на своём пути вихрь эмоций — вот что такое «Дочь шамана», и вот как она звучит в исполнении Inna Syberia. Одна версия сменяет другую, потом звучит третья, а затем можно начинать всё с самого начала.
Чем можно удивить и привлечь в эпоху переизбытка информации и практически полного изобилия на фоне такой же полной вседозволенности? И Inna Syberia дают однозначный ответ — в век информационных наводнений нам всем стоит вспомнить Козьму Пруткова, призывавшего смотреть в корень, обратившись к древним, доисторическим и хтоническим вещам. Именно там максимум энергетики, красоты, чувственности и смысла за пределами формальной логики и таких же формальных, привычных нам смыслов. Inna Syberia однозначно делают ставку на прямолинейный драйв, и этот драйв совершенно не исключает мистики и глубины — он содержит их в себе и воплощает их в своём неистовом танце огня.
Нельзя не упомянуть яркие и впечатляющие концерты Inna Syberia, в ходе которых Инна и её музыканты действительно выкладываются просто на тысячу процентов, создавая настоящую феерию чувств, эмоций, энергии и страсти, и что самое интересное, совершенно нет ощущения, что им это сложно или они как-то особо напряжены — они делают всё настолько легко, естественно, от души и на одном дыхании, что это действительно напоминает самых настоящих сибирских шаманов, которые в ходе своих камланий всецело отдаются духам и уходят далеко в астрал. И я просто не могу описать и объяснить, что же такое «Дочь шамана» и как она звучит, — нужно слушать и смотреть. И лучше всего — вживую.
Рецензия на сингл группы 48 Days Of Euphoria "Адреналин"
Современные реалии таковы, что нам всем стало просто невозможно игнорировать ИИ-исполнителей, и мы в Astarta сдались, осознав и признав, что нейросети в умелых руках способны создавать очень даже адекватные и интересные вещи. Red Vector, ПолурAIспад, ИльинК, Ржавая Мораль, а вот теперь наше внимание привлёк молодой ИИ-исполнитель, который вдохновляется Нирваной, Linkin Park и Green Day, но не желает киснуть в переизбытке ностальгии, записывая горячие гимны эстетике 20-х годов XXI века — то есть жизни в режиме «здесь и сейчас». На что похожа наша нынешняя реальность и какими словами ностальгирующие по нынешним годам люди будут их описывать?
Все ответы содержатся в одном-единственном конкретном треке «Адреналин» и отчасти прорисованы на иллюстрирующей его нейросетевой обложке. Там дымно и неуютно, даже страшно, сумрачно и жутко, но герой юн и полон сил, а значит, он будет воспринимать все эти траблы со свойственным его возрасту оптимизмом. Другое дело, что этот оптимизм будет очень гранжевым и депрессивным, но что поделать, если уже в 90-х всё было именно так, а сейчас в эпоху военных конфликтов и информационных наводнений общемирового масштаба всё стало только острее и болезненнее. Специфический вайб «Адреналина» это жажда жизни и стремление наслаждаться моментом, вне зависимости от того, насколько он опасен.
Даже самые типичные гранжевые риффы у него звучат совершенно иначе за счёт специфики подачи и используемых эффектов, а в вокале слышится с одной стороны история рока и всё те же Green Day и The Offspring, а с другой — очевидно ощущается пульс культурного кода в духе Шамана и Скриптонита. Хотим мы того или нет, но все эти вещи постоянно находятся в непосредственной близости от нас, оказывая на каждого из нас то или иное влияние. Мы все впитываем их на уровне подсознания и юнговских архетипов, а наше восприятие мира и реальности в итоге оказывается неминуемо опосредовано всеми этими культуро-социальными феноменами, к которым мы можем совершенно не иметь никаких симпатий.
Нечто подобное вываливает на нас с вами с тв-экранов Xolidayboy, но все параллели и общие места с 48 Days Of Euphoria в данном случае совершенно случайны и связаны исключительно с возрастом исполнителя и его желанием быть собой, а значит, быть современным и действовать в духе вайба нашего современного мира. Свойственное молодости желание во всём дойти до предела и до самой сути, предельный максимализм и такая же предельная искренность — вот что такое «Адреналин», который будоражит и тонизирует, но в то же время разбавляет этот кипучий коктейль гормональной безудержности столь же свойственной юности жаждой романтики, самоактуализации и понимания.
Сложно не заметить повышенную и категоричную emo-циональность «Адреналина», и это действительно колючий цветок, во многом выросший именно на emo-почве. Все нервы здесь предельно обнажены, все чувства раскалены до предела, и даже риффы как будто сбиваются и искрят подобно готовой вот-вот сдетонировать проводке. «Адреналин» — это опасный рок опасных времён, и звучит он соответствующе. Наверное, именно это в итоге и делает его настолько ядерным, запоминающимся и хитовым. Эти ритмы и этот голос запоминаешь моментально и бесповоротно, а в этих текстах все тревоги, боль, радости и сомнения человека, чья молодость пришлась на период военных действий и растущей боевой эскалации.
Ещё немного и слоган «собака — лучший друг человека» будет вытеснен аналогичным «Suno — лучший друг музыканта». Я не хочу сейчас думать о том, плохо это или хорошо — это просто есть и это факт. И очень здорово, что находятся люди, которые так вдумчиво и ответственно пишут промты для нейросетей, создавая в том числе вот такие треки, как «Адреналин». При всех пластиковых особенностях звучания и при явном привкусе ИИ во всём этом, трудно отрицать, что это достаточно талантливый и интересный материал, который при исполнении вживую на самом деле очень будоражил бы кровь и повышал процентное содержание адреналина в наших с вами артериях.
Ну а какой во всём этом вайб... В первую очередь, это энергетика и задор молодости. И лично мне кажется, что этот вайб практически не изменился со времён Элвиса и Чака Берри, стиляг и рок-н-ролльщиков. Это вайб дерзости и изобретательности, желания новизны и самого высшего предела во всех своих чувствах, мыслях, намерениях и делах. И это хорошо и интересно, когда у такого молодого человека присутствует интеллект и некоторый культурный бэкграунд, ведь в таких случаях как раз и появляются вот такие треки, как «Адреналин», и они звучат намного глубже, чище, интереснее и душевнее, чем такой раскрученный, но такой плоский Xolidayboy.
«Адреналин» на самом деле намного глубже, чем может показаться, и уж точно глубже таких распиаренных и набивших оскомину «Пожаров» от Xolidayboy. «Адреналин» показывает внутренний нерв и самоощущение современной молодёжи, предлагая задуматься о том, каким будет наше с вами будущее, и что принесут в наш мир сегодняшние подростки. Можно вслушиваться в текст, можно просто слушать этот гитарный драйв, показывающий, какими способны быть гранжевые риффы, если их поместить в ситуацию максимального и продолжительного стресса, но самое важное в данном случае где-то глубоко между строк, и будет доступно только самому внимательному и заинтересованному слушателю.
«Адреналин» — это рок цивилизации катаклизмов и эпохи глобальных потрясений, когда всё человечество живёт на острие постоянного ощущения вот-вот готовой разразиться катастрофы. Какая жизнь, такие песни.... И обложка «Адреналина» тоже однозначно даёт понять, откуда и по какой причине у нас в крови настолько зашкаливает уровень этого тревожного гормона. Времена и вызовы современной цивилизации могут быть совершенно жуткими и безжалостными, но молодость есть молодость, и нам просто хочется жить и быть собой — как будто заявляет, а на деле кричит своим новым, таким биполярным и наэлектризованным треком лидер и единственный участник ИИ-проекта 48 Days Of Euphoria.
Рецензия опубликована в журнале Rockcor N6 (2026). Заказать журнал:
https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz
Рецензия на альбом группы Диктатура Сердца "Время жечь мосты"
У самых разных музыкантов очень часто появляется желание переделать и перезаписать свои прежние релизы с обновлённым звуком, чтобы привести их к надлежащему, с их точки зрения звучанию, и исправить все возможные огрехи. Данная тенденция не миновала даже таких грандов как Blind Guardian и Dark Tranquillity, а вот сейчас перезаписывает свой классический и последний на данный момент полноформатный альбом и волгоградский коллектив Диктатура Сердца, перебравшийся в 2017 году в Питер и отмечающий, кстати, в нынешнем году своё 25-летие. Звук был обновлён, энергетический напор стал увереннее и массированнее, и, вероятно, сейчас альбом стал звучать именно так, как то и задумывали изначально авторы. Кто-то называет это анархо-трэш-н-роллом, но при всех явных отсылках к Э.С.Т. я бы всё-таки не сводил Диктатуру Сердца к сагадеевщине и казачьим гимнам.
«Время жечь мосты» — это жёсткий, колоритный и харизматичный альбом с очень ярким и характерным вокалом и не менее характерными текстами. Диск следует в духе классики Чёрного Обелиска (оцените насколько созвучна по духу формулировка «Время жечь мосты» с «Город в огне», например!), Мафии, Фронта, Крюгера, Скорой Помощи, Тяжёлого Дня и отчасти даже КПП, но не копирует ни одну из этих групп, как и их забугорные прообразы. А вот про вокал и тексты нужно обязательно сказать особо. В текстах масса «колючих», «изломанных», «железных» и «угловатых» фразеологизмов, которые и должны использовать настоящие металлисты в своей такой по-настоящему железной и металлической музыке. «Что дальше — неважно. Мне больше не страшно в объятьях пустоты, и всё, что мне снится — пустые глазницы грядущей темноты!» Вам вспоминаются Жан Сагадеев и Кинчев времён «Чёрной метки»? Не без того, но у Диктатуры Сердца всё ещё жёстче и изощрённее!
Уже по лексике текстов становится понятно, что перед нами самый настоящий метал, и железный жанр в данном случае воспринимается как настоящая философская система и целостное мировоззрение с таким же целостным миропониманием. Мы видим в текстах Диктатуры Сердца мир вражды, ярости, гнева, необходимости постоянно быть начеку, а боги и железные ангелы так суровы, жестоки и непреклонны, что помощи от них никогда не дождаться. Всё сделано и выражено так литературно, круто и безукоризненно с точки зрения филологии, что в итоге воспринимается как настоящее искусство и даже как небольшой шедевр вот такого непримиримого восприятия мира, о котором в своё время отчасти говорил даже М.Ю. Лермонтов: «Нет, я не изменюсь, я буду твёрд душой, как ты мой друг железный!» И как раз вот эту железную и безоглядную отвагу в духе «Огня» Тяжёлого Дня я и считаю основным нервом данного альбома и базисом его фирменной специфики.
«Всё летит к чертям, но ты привык», «если видишь мрак, значит — поджигай!», «удача-шлюха ждёт тебя, осталось лишь начать», «привычно воняет костром... фантомные боли пронзают имперские сны», «Я бы свалил отсюда, но не рискую к вам повернуться спиной!» — эти песни можно разбирать на цитаты практически не глядя и попутно восхищаться образности и богатству внутреннего мира, а как следствие и вокабуляра авторов. Титульная вещь переходит в медленный, словно припечатывающий трек «Шагает нежить», показывая, что хэви-метал совсем не обязательно должен быть скоростным для того, чтобы быть убойным, и всё это действительно самый настоящий русскоязычный Grave Digger с клокочущим букетом самых адских хрипов в абсолютно любом и каждом треке. При всех своих заигрываниях с анархо-панком и группами вроде Ва-Банкъ и Облачный Край, «Время жечь мосты» это всё-таки на 100% метал и метал очень неплохой.
Хороши и колоритны тексты у Диктатуры Сердца, и в том, что касается вокала, мы видим в точности то же самое. Слушаешь треки группы, и у тебя тут же создаётся ощущение, что поёт какой-то хитрый и гнусный лепрекон или полуразложившийся скелет, только что выползший из склепа, а может быть, Питер Петтигрю, образ которого приняли тёмные силы, как уже случалось у Роулинг. Вокал уверенно транслирует как раз вот эту мрачную, инфернальную, но в то же время иронично-отвязную эстетику, активно добавляя самых разных эмоциональных оттенков и нюансов тем смыслам и нарративам, которые он транслирует в тот или иной момент. Если вы знаете толк в подобных делах, то гарантированно будете в восторге от того, как выражают свои бурлящие драйвом настроения участники этой некогда волгоградской и хардово-панковой, а теперь безвозвратно питерской и металлической капеллы.
Очень сочный и смачный звук, яркие образы в текстах, не менее яркий вокал с толикой хулиганского ехидства, а в итоге по своему звучанию и стилистике «Время жечь мосты» представляет собой злой и небрежный рок в пространстве от Motorhead до Grave Digger и Overkill, а делается здесь всё с потрясающей самоотдачей, экстраординарной изощрённостью и полным погружением в тематику. В креативности и фантазии этим ребятам не отказать, и даже самые грубые и неотёсанные темы в их исполнении неизменно вызывают улыбку симпатии. Этому альбом веришь, его сразу же и на каком-то даже подсознательном уровне воспринимаешь наравне с классикой жанра и лучшими релизами самых громких наших трэшевых грандов, а причина и объяснение тому одно — талант пополам с кругозором и умом, к которому авторы сейчас прикрутили ещё и адекватный саунд.
Чем-то очень советским и кинематографическим веет от альбома «Время жечь мосты», и это особенно становится очевидным, когда дело доходит до трека «Герои злых подвалов», где трэш-н-ролл Диктатуры Сердца выкатывается на свои самые разухабистые и триумфальные рубежи. Есть здесь нечто от культового мультфильма «Остров сокровищ», мне очень явственно слышатся в вокале фронтмена команды аллюзии к Армену Джигарханяну, озвучивавшему в культовом мультипликационном опусе про пиратов Джона Сильвера, и это на самом деле очень приятная ассоциация, которая наверняка порадует всех любителей неистового духа 80-х. Яркий и харизматичный лидер — дело нужное и необходимое для любой тяжёлой команды, и у Диктатуры Сердца определённо есть такой капитан-предводитель, умело дирижирующий командой романтиков тяжёлого рока с большой дороги.
Ещё ярче засияла в своём переработанном варианте жемчужина альбома в виде замечательной баллады «На пороге», в записи которой в этот раз принял участие Олег Черепах из Азъ, тревожна и наступательно-разнузданна отдающая ранней Мафией «До дна», угрюма и хмуро-иронична «Враг народа», очень мощна и презентабельна, несмотря на всю свою разнузданную какофоничность, «Триггер» образца 2026 года, записанная в коллаборации с участниками Infornal Fuckъ, а заканчивается всё отчаянным гимном «Алкогольный драйв», которому предшествует необычный речитативный бонус «Идущим по извилистой дороге», словно навеянный творчеством Сектора Газа. Ну а «Алкогольный драйв» с Олегом из Азъ это действительно просто гимн, чистый кураж, мега-драйв и супер-хит в духе вредных советов Заходера и таких культовых персонажей, как Вупсень и Пупсень.
Подобных групп у нас в стране всегда было много, вспомнить хоть Фантазм или HMR, но Диктатура Сердца всё равно выгодно выделяется на их фоне своей бронебойной харизмой, интересным саундом с выведенным вперёд вокалом и колючими, почти трэшевыми риффами на фоне гулких и ритмичных барабанов. У них всё сделано настолько лихо, чётко и художественно, что, я думаю, сам Анатолий Крупнов оценил бы и проникся таким импозантным релизом. Неудобную жёсткость и ершистость этих песен ощущаешь почти физически, и они настолько резки, что практически материальны. А я могу добавить, что «Время жечь мосты» это один из самых впечатляющих экскурсов в железные 80-е, которые я только слышал. Альбом был обновлён, но не потерял ни грамма из своих шумных и рельефных ретро-хэви-прелестей!
Рецензия на сингл группы Зал Бит.коМ "Подорожник"
Я до безумия люблю рок-эстетику — длинные волосы, шипы, клёпки, кожу, провокационные позы, черепа, розы, кости и угловатые логотипы. Эта эстетика захватила меня в начале 90-х и до сих пор не отпускает, и я с огромным увлечением и пиететом перелистываю старые рок-журналы, перебираю свои многочисленные диски, кассеты и пластинки групп той эпохи, но... Вы же почувствовали, что уже в начале этой фразы в каком-то скрытом и потенциальном виде уже присутствовало это «но»? И оно действительно присутствует. В последние годы слишком нарочитая рок-эстетика стала как бы это сказать... приедаться. Не буду сейчас подробно разбирать, почему это происходит и может происходить, но это, увы, есть. Даже мне приходится признать, что далеко не всегда делающие ставку на вот такой рокерский олдскул группы выглядят интересно, впечатляюще и адекватно.
И в итоге я просто не смог устоять, когда увидел в сети новый сингл рыбинской группы Зал Бит.коМ, на обложке которого их вокалистка в белом держит в руках горшок с собственноручно выращенным ею... подорожником. Обилие зелёного цвета, белизна одежды, экологическая тематика, серийные посты в таком же духе в сообществе коллектива, а удивительнее всего во всей этой истории тот факт, что все без исключения музыканты данной команды работают в IT-сфере и прямого отношения к цветам, растениям и зоологическим видам не имеют. Вы просто вдумайтесь: пятеро айтишников с периферии нарезают отвязный хард-н-хэви и показывают нам при этом жизнь цветов без какого-либо ухода в магию и викканство, без яростного и нарочитого язычества, а просто выращивают у себя дома в горшке самый обычный подорожник, но — ведь если подорожник вырастает, это кому-нибудь нужно? И первая ассоциация (детство, сбитые коленки, etc.) тут самая верная.
Каждый из нас носит где-то глубоко внутри себя свою боль, и зачастую мы не находим никакой возможности для того, чтобы рассказать о тревожащих нас внутренних страданиях даже самым близким и родным. О самом больном и самом сложном говорить всегда тяжелее всего. Каждый умирает только в одиночку и точно так же в одиночку справляется с самой большой и серьёзной болью, а выход и решение тут только одно — вырастить самому для себя самого подорожник, приложить его туда, где болит, и верить, как в детстве, что станет легче и поможет. На самом деле проблема это очень серьёзная, и она намного серьёзнее, чем может показаться. В бешеном потоке скоростей современного мира очень часто даже у самых близких и важных для нас людей не так много времени, чтобы помочь нам даже с самыми пустяковыми нашими проблемами. Мы очень часто предоставлены сами себе, и исцеляющая роль природы становится зачастую просто единственным и последним средством, когда ты уже просто не знаешь, к кому обратиться и куда идти.
Ну а в плане звучания и стилистики «Подорожник» представляет собой практически хрестоматийный хард-рок с женским вокалом, но слегка осовремененный и освежённый за счёт тематики, специфики визуала и содержательного наполнения. Скрипучие риффы, алармирующие взвизгивания нижних гитарных струн, жёсткий и шредирующий кач, а над всем этим чистый и уверенный женский вокал, который рассказывает нам про тени, играющие в гляделки, и про радость следования инстинктам. А когда дело доходит до гитарного соло, мы слышим стремительно несущийся вдаль гитарный хэви-метал-локомотив, который затем, впрочем, без проблем, сворачивается в олдскульные поскрипывания в духе «Crazy Train» и «Train Of Consequences». Зал Бит.коМ показательно чтут рок-классику, будь то классика Mr.Big или эпохальные нетленки Оззи Осборна, но они не боятся расти и пробовать новое.
Можно даже сказать, что перед нами хард-н-хэви с отсылками к Phantom Blue, Headpins, Hellion, Helltown и ранним Delight, настолько жёсткие и напористые риффы присутствуют местами в данном треке. Это даже не столько Headpins, сколько именно Delight, так напористо, стремительно и жёстко звучит эта вещь, ощущение от чего ещё более усиливается за счёт работы на контрастах, когда техничные гитарные переливы a la Рэнди Роадс meets Пол Гилберт переходят в безудержный хэви-отрыв и высокоскоростной галоп по рок-н-ролльному шоссе безумных ночных гонщиков. «В природе не меньше поводов для драйва и не менее сокрушительный вайб» — как будто говорит нам «Подорожник», но на самом деле песня, конечно же, совсем не об этом. Как мы с вами уже поняли и разобрались выше, вся многообразная и такая зелёная эстетика в данном случае служит символом и напоминанием: даже самую сильную внутреннюю боль можно вылечить и унять, а силы для этого — рядом.
Музыканты много сил и времени тратят на то, чтобы снабдить свои композиции стильным и серийным визуалом, выезжают с проигрывателем на природу и устраивают там фотосессии, а результат на самом деле выходит очень впечатляющим. Сразу же чувствуется их основательность и креатив, чувствуется их любовь к музыке и природе, а также к своему делу, и всё это в совокупности даёт очень концентрированный и мощный посыл, который на самом деле работает. Это не агрессивное язычество и не викканство, даже не экологические нарративы Гринписа — тут чистая, простая, такая естественная и понятная любовь к нашей родной природе и призыв беречь и ценить её, даже если это самый обычный подорожник. Рокерская эстетика безудержной любви к свободе в данном треке никуда не делась и не исчезла, но приобрела немного другие формы и очертания, в которых, кстати, очень явственно ощущается интеллектуальность авторов и их научная основательность.
Зал Бит.коМ абсолютно не занудны и не скучны, но они вдумчивы, и эта вдумчивость напомнила мне детей семьи Бодлер из культового «Лемони Сникет: 33 несчастья». Они всегда действуют слаженно и в зависимости от ситуации, они все такие разные, но все они ценят логику, дискурс и успешно применяют системный подход, благодаря которому им и удаётся выйти из самых сложных и проблемных ситуаций. Они анализируют и с повышенной, по-настоящему научной основательностью относятся к казалось бы самым несущественным проявлениям происходящего вокруг, поэтому и говорят они о тенях, играющих в гляделки. И за всеми этими многообразными проявлениями нашего мира в этой ненавязчивой природной тишине неизменно угадываются вечные и неизменные истины нашего бытия, в приобщении к которым мы находим покой, радость и утешение.
Я надеюсь, участники группы пойдут дальше, и нас ждут концерты на свежем воздухе, тематические альбомы и всяческое усиление вот этого, начатого сейчас «Подорожником» креатива, а также творческое воплощение глубоких и серьёзных тем. Было бы очень хорошо и здорово. И я очень рад тому, что классический хард-рок с женским вокалом, который я так люблю, звучит теперь на фоне такой зелёной и цветущей палитры любви к своей планете и её многообразной флоре-фауне. Если когда-то рокеры бунтовали и протестовали, то сейчас настал черёд уже не отрицать, а утверждать. Не разрушать и отметать не подходящее тебе по каким-то причинам, а созидать. Не девальвировать и экспроприировать, а беречь и оберегать. Как вам челлендж «Будь рокером — вырасти дома цветок»? Лично мне очень нравится! От души желаю группе Зал Бит.коМ забитых битком залов и как можно больше адекватных и благодарных последователей! А уж они точно не подведут — честности, изобретательности, терпения, настойчивости и простоты для этого у них более чем достаточно.
Рецензия опубликована в журнале Rockcor N6 (2026). Заказать журнал:
https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz
Рецензия на сингл Вики Артёмовой "Crossroads Of Fate"
Когда я думаю про хороший и качественный женский прог-рок, мне вспоминается разве что Лана Лейн да Phantom Blue (если этот техничный хард-н-хэви можно отнести к прогу), и уже по этой причине то, что делает Вика Артёмова, это на самом деле хорошо и редко. Исполнительница с лёгкостью и большой любовью переигрывает Мальмстина и Royal Hunt, которых явно очень хорошо знает и ценит, но что самое интересное, её собственный материал, где она играет практически на всех инструментах, и поёт, не сильно уступает таким признанным классикам мирового гитарного хэви-метал-рока и тем же Royal Hunt, к стилистике которых у Вики на самом деле есть достаточно много отсылок.
Смотреть, как умело и легко обращается Вика с самыми сложными гитарными риффами, одно удовольствие, и лично мне в этой связи вспоминается гитаристка Stream Of Passion Лори Линструт, за которой было так интересно наблюдать на официальном видео этой группы «Out in the real world», где она так виртуозно обменивалась гитарными соло и репликами с основателем Stream Of Passion Арьеном Лукассеном. Как раз в таком же духе музицирует сейчас и Вика Артёмова, и даже не имея перед глазами видео-картинки как таковой, по ходу прослушивания её нового трека очень легко представить и визуализировать её летящие и в то же время сдержанные, как у всякого профессионала, движения по грифу.
Громоподобные риффы сменяются нежными и ласкающими слух моментами, но на заднем плане всё равно видны яркие отсветы близкой и всё приближающейся грозы. И даже самые спокойные и лиричные моменты «Crossroads Of Fate» настолько техничны и монументальны, насколько это только возможно. Много-много гитар, много срывающихся одно с другого и переходящих друг в друга соло, уверенные риффы, изящные симфонизмы в духе Royal Hunt, математические стыки причудливых ритмических конфигураций, и всё это длится всего-навсего две с половиной минуты. Вика не просто продолжает свои же собственные традиции, установленные такими треками как «Hope» и «Inner Foe», но развивает и углубляет их.
Буквально вчера я слушал на Площади Искусств Полину Ильину, которая рассказывала о том, что тема перепутья, сомнений, проблемы выбора и т. д. свойственна абсолютно каждому музыканту, независимо от стиля, в котором он играет, а затем представила свой трек «Crossroads», перевод которого в её авторской интерпретации звучал как «Перепутье» (она даже принципиально поправила Максима Медведева, когда тот заикнулся о том, что «Crossroads» это перекрёсток), а вот сейчас на тему всё того же жизненного перепутья приглашает поразмышлять нас с вами и Вика Артёмова. Как правило, жизненный перекрёсток это всё с нуля и с самого начала, и «Crossroads Of Fate» тоже об этом.
Полностью белая обложка, только название сингла и имя исполнительницы, и уже этот визуальный ход даёт понять, что речь в данном случае идёт о чём-то столь же совершенном, как «Чёрный альбом» Металлики и «Белый альбом» Битлз. Может ли быть такое? Ну а почему бы, собственно, и да — чудеса случаются, и почему бы им не случиться прямо здесь и прямо сейчас, а поводом для этого не избрать «Crossroads» Вики Артёмовой? И вот я включаю трек и уже растворяюсь в приятном вокальном тембре Вики, радуюсь её таланту и восхищаюсь её гитарным навыкам, попутно не без удовольствия отмечая параллели к упоминавшейся выше Лане Лейн и самому качественному клавишному хард-н-хэви.
И как я уже замечал выше, для актуального сингла, в качестве которого была реализована прекрасная баллада «Crossroads Of Fate», Вика сыграла на ритм и соло-гитарах и барабанах спела, написала текст и сделала аранжировку — словом, сделала буквально всё «от и до», помимо партий бас-гитары, за которую в этот раз отвечает Денис Фишер. Здесь мы видим в действии принцип «если хочешь сделать что-то хорошо, сделай это сам», а в англоязычном тексте горят звёздными зарницами и ждут вашего внимания несколько абстрактные, но всё равно очень личные и «говорящие» рифмы: «тишина во тьме способна быть как гром. Мы открываем новые двери, и вот — тот, кто ещё вчера был незнакомцем, входит в твою жизнь.»
И ведь точно так же приходит и творчество Вики Артёмовой в жизнь её слушателей. Вика выпускает авторские треки всего три года, но за эти три года она успела многого достичь в деле выпуска и реализации собственной музыки, дойдя до вот таких вот релизов с девственно-незамутнённой белоснежной обложкой. Уже даже есть красивый логотип у собственной домашней студии Вики, есть запал, кураж и желание заниматься музыкой, а что важнее — есть все основания хорошо и качественно это делать, радуя любителей вот такой сложной и культурной тяжёлой музыки с красивыми и прогрессивными гитарами. Элементы Royal Hunt, Rough Silk и Manticora здесь органично дополняются более компромиссными моментами в духе Meat Loaf, и на стыке соединения двух этих полюсов как раз и рождается уникальная индивидуальность.
«Crossroads of Fate» — это прекрасный пример гармонии технического совершенства и чувств/эмоций/душевности. Этот трек впечатляет своим исполнительским уровнем, но в то же время не забывает о том, что музыка — это не «как», а «что». Здесь говорят сердце и душа, а я переслушиваю актуальный сингл и вспоминаю, как открывал для себя сольные работы Джима Матеоса из Fates Warning и как все те же самые по сути мысли и нарративы проявлялись у Вики Артёмовой в такой камерной, изломанной и неоклассической «Mirror». Энергичный и патетический метал звучит в её исполнении на удивление мягко и камерно, а сам исполнительский почерк так нежен и воздушен, что её никогда не спутать ни с Нитой Штраус, ни с Лаурой Кокс, ни с кем-то ещё. Нет, здесь другое, самодостаточный тру-неоклассик-метал.
