РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на альбом группы Goot "Weight Of Days"
Трёхглавый дракон под управлением Яна Федяева время от времени поднимает то одну, то другую из своих голов и изрыгает на нас пламя в виде свежих релизов, и сегодня у нас на очереди не The Lust и не Dissector, а голова под названием GOOT, под эгидой которой нашему с вами вниманию предлагается сейчас самый настоящий полноформатный альбом, в записи которого по давно уже сложившейся традиции приняла участие целая когорта именитых забугорных гостей. Для тех, кто немного подзабыл, в чём тут дело, напомню, что GOOT это практически то же самое, что и The Lust, только с ведущим мужским вокалом и с чуть более хэви-металлическим почерком в плане гитар и аранжировок. Ещё не трэш как Dissector, ещё не атмосферная и рафинированная готика как The Lust, а что-то между ними и на грани с ними.
А ведь ещё 30 декабря, аккурат накануне Нового года, когда мы с вами увлечённо резали салаты, а кое-кто и сам уже успел нарезаться, в сети появился многообещающий сингл GOOT “Devour”. Легендарный экс-эксептовец и экс-бонфаеровец Дэвид Рис на вокале, за соло отвечает Уэйн Дорман из Onslaught, на подпевках бывшая клавишница и бэк-вокалистка Cradle Of Filth Анабель Иратни, а по музыке у нас тут очень мелодичный и классический материал с явными оттенками Iron Maiden, Queensryche, сольников Брюса Дикинсона с Джеффом Тейтом и классического, слегка американизированного хард-рока 80-х. Хотя про американизированность я, вероятно, зря. Назвать всё это аором, хайр-металлом или материалом, вознамерившимся покорить Штаты вряд ли получится. Тут у нас поздний, задумавшийся о высоком и прекрасном хэви, и только он.
Но не спешите судить по одному этому треку обо всём альбоме “Weight Of Days”! На предлагающемся нашему с вами вниманию сейчас диске очень много разных влияний и нюансов, много экспериментального и не совсем характерного для GOOT, и при всей своей выверенной уравновешенности этот лонгплей вполне способен и удивлять, и поражать. Открывает альбом очень жёсткая и качающая, почти диссекторовская вещь “Blue Ink”, которая в то же время с первых же секунд своего звучания расцветает очень готичными и глубокомысленными клавишными соцветиями, от которых так и веет грациозностью. Да, это хэви-метал, но хэви прогрессивный, рефлексирующий, замедленный и невероятно изысканный, что в данном жанре в пору его расцвета можно было наблюдать скорее редко, чем часто.
Ну а в целом… Дэвид Рис во многом задаёт тон, создаёт атмосферу и заполняет собой все наличествующие и даже гипотетические пустоты, а потому это очень рисовский альбом, а, следовательно, очень качественный и европейский. Каких-то явных параллелей к “Eat The Heat” или Bonfire времён Риса в данном случае практически нет – всё-таки композиторский почерк Яна тоже более чем узнаваем, и его знаменитой готической меланхолией пропитано чуть ли не всё на “Weight Of Days”. Другое дело, что в исполнении Риса вся эта меланхолия кажется более мягкой и обходительной, какой-то необычной что ли, однако лёгкий налёт классического рока действительно сыграл очень на руку давним драматическим симпатиям Яна и здорово их разбавил, изменив почти до неузнаваемости и как будто выведя на какой-то новый уровень.
И если как-то совсем кратко охарактеризовать попавший к нам на рецензию альбом, то это будет, пожалуй, что-то в таком духе: качество, ставшее звуком, рефлексия на классические хэви-метал-пластинки с точки зрения более взрослой, современной, интеллектуальной и взвешенной музыки и утяжелённого классик-рока с артроковыми амбициями. Всё мощно, всё очень артово и по-взрослому, как любят заслуженные западные группы, и в то же время очень мелодично, в чём вас с удовольствием убедит, например, “Hollow Horses” со своими почти лав-металлическими клавишными и такими же романтическими ритмами. Такой отстранённой и лёгкой сентиментальности не встретишь особо даже у The Lust, а на новом альбоме GOOT она запросто живёт и побеждает, ничуть не нарушая целостность этого довольно разноликого альбома.
Ну а я услышал во всём этом даже какие-то отголоски Blind Fury, позднего Sacrosanct и поздних Rainbow, и больше всего на альбоме мне понравились как раз самые жёсткие и качёвые номера в духе “Fight For Change” и завершающей альбом “Keep Calm And Carry On”. Конечно, не стоит сбрасывать со счетов чистую меланхолию “Babylon In The Rain” или тяжеловесный эпик “Mythical Self” (почти “Stargazer”!). И да, всё это разные грани и оттенки “Weight Of Days”, и эпичную, почти викинговскую “Light It Up” просто невозможно не полюбить, как невозможно не полюбить в очередной раз апеллирующую к мейденовскому наследию “Icarus Will Rise” или коротенькую, явно ориентированную на радио “Tick-Tock”, которая завершается так быстро, что тебе непременно хочется её тут же поставить на повтор (какие здесь напевные и полётные гитары!).
Что же касается уже упоминавшихся мной выше гостей, то стоило бы, наверное, рассказать про них поподробнее, но уже их имена вам, скорее всего, скажут всё или почти всё: Илья Морозов (Concrete Age) сыграл все соло в треках с четвёртого по восьмой, Alex Corona (Revoltons) отвечает за соло в “Hollow Horses” и в “Mythical Self”, Рутгер ванн Нурденбург (Pestilence) солирует на гитаре в “Light it Up”, Тим Недергард (In Mourning) подарил свой соляк “Keep Calm And Carry On”, попутно усилив её гитарную часть, а наш старый знакомый Игорь Крыжко (Республика Марс) отметился на барабанах в завершающей альбом вещи и в “Tick-Tock”. Нельзя не упомянуть Дениса Стрижакова (Stigmatic Chorus) и его бэк-вокал в “Light It Up” и “Fight For Change”, ну а об остальных я уже достаточно сказал выше, когда мы с вами разбирали по косточкам пожиравшего нас накануне НГ “Devour”.
За арт вновь отвечает Павел Антонов (Pablo the Elephant), и это вновь современный сюрреализм в духе поздних релизов коллективов Яна, по которому ты уже с первых секунд визуального знакомства с альбомом или синглом понимаешь, что тебя ждёт нечто вдумчивое, экзистенциальное, качественное и проникновенное, что ты затем сможешь словно паззл собирать и разбирать снова практически до бесконечности. И это действительно так. Я имею ввиду, что “Weight Of Days” не надоедает и не приедается даже спустя десять или двадцать идущих друг за другом прослушиваний, и есть в нём действительно какая-то удивительная свежесть и нечто очень лёгкое и задушевное – что-то вкрадчивое и доверительное, но в тоже время совершенно лишённое нафталина и любых намёков на выстраданную и вымученную натужность.
Альбом органичен и профессионален, и рекомендовать его, на мой взгляд, стоит в первую очередь как раз тем, кто любит Rainbow, Bonfire, Savatage, Queensryche, разные инкарнации Satan и сольные работы Брюса Дикинсона. Нечто всё ещё тяжёлое и формально остающееся в рамках вполне традиционного хэви-металла, но явно выходящее за рамки его стереотипов и клише. У нас подобное пытались играть Grenouer и Descenery, но это всё-таки было не совсем то и не совсем так, а когда речь заходит о более точных сравнениях и аналогиях, я просто теряюсь и лишь развожу руками: GOOT – это GOOT. Нужно слушать. Мне всё это очень даже пришлось по душе, и прогрессивность команды, не желающей в то же время скатываться в чистый прогрессив с его занудной отстранённостью, действительно трудно не отметить. Просто хорошая рок-музыка, просто хорошие песни и вдохновенное исполнение. А что ещё нужно сейчас в уставшем от трендов и уверенно развернувшем свои крылья 2024 году?
Рецензия на мини-альбом группы ArtFaina "Театр Голема"
Художественно-мелодекламатический метал ArtFaina продолжает свои эксперименты и представляет свой очередной релиз. На этот раз перед нами трёхтрековый мини-альбом, а особенным он стал уже по той одной причине, что в его записи и создании приняла участие Марианна Лукьянова, известная отечественному слушателю по большей части по своим проектам Fright Night и Vessna. И это не просто гостевая эпизодическая подпевка, но аутентичное вхождение в сам замысел и идею релиза, что, кстати говоря, лично мне до сих пор кажется почти невероятным даже по определению (уж слишком самодостаточными всегда были произведения бессменной предводительницы ArtFaina Фаины Мировой, а её эстетика - холодной и железобетонной), но вот небывалое всё-таки случилось, и готическая принцесса Марианна вошла в тронный зал железных цветов и застывших ледяных изваяний ArtFaina.
И группа как будто сразу же накренилась куда-то в сторону Fright Night, но с нежным, царственным и невыразимо печальным аристократизмом героев Андерсена и с потрясающей цельностью его Герды и Кая. Вероятно, это вполне закономерно, когда к такой тяжёлой и горькой группе вдруг присоединяется такая увлечённая готическими изяществами вокалистка, но здесь всё оказалось даже ещё красивее и интереснее. Марианна великолепно реализовала замысел брошенной в самую гущу испытаний Герды, а в довершение и без того доведённых до самого максимума контрастов в инструментальной палитре записанного вместе с ней трека ещё сильнее и явственнее проступает пронзительная виолончель, что зазвучало по-настоящему остро, прогрессивно и в чём-то даже болезненно. Метал на грани с театром и сама жизнь в металле, а показано и воплощено всё в данном случае невероятно стильно и изящно.
И мне всё это по-прежнему напоминает лучшие образцы мирового интеллектуального тяжмета в лице Fear Of God, Temple Of The Absurd, Detente, Sacrilege, Kittie, Трибунала Натальи Медведевой и даже Янки Дягилевой. Злой и ершистый метал-саунд в духе Fear Of God, холодные тексты-мелодекламации, подчёркнуто циничная подача с такой же повышенно поэтичной и огненно-экзальтированной патетикой безумных мистиков, сталь и горькое разочарование в голосе и светлая, слегка наивная чистота гостевого голоса Марианны, а всё вместе складывается в болезненный монолит горячих литаний во славу эскапизма и отчаянного отвержения всего слишком эмпирического и человеческого. За рифмы и идеи Фаины её вполне можно было бы причислить к плеяде проклятых поэтов во главе с Бодлером и Верленом, но она не останавливается на трансляции чистокровных цветов зла, и свидетельство тому нынешний EP её коллектива.
Перед нами прогрессивный метал, но он не ставит свою прогрессивность во главу угла и не пытается выставить её как некий флаг, и в треке “Ты говоришь” это становится наиболее очевидно. Угрюмые гитары перекликаются с такой же угрюмой виолончелью, а затем бросаются в паутину абстрактных риффовых переплетений, но не забывая про жёсткий и пружинящий кач. Даже когда во второй части трека дисторшн отступает на второй план, изначальная чеканка композиции ничуть не сбавляет накала. Изящный, выведенный на первый план бас, неоклассическая и всегда только живая виолончель, техничные гитары, почти трэшевый звук и концептуальная декламация феерически дополняют друг друга, создавая авангардные картины отверженного очарования. И, кстати, работа вокалистки ArtFaina Фаины Мировой на обложке, изображающая заброшенный концертный зал в Припяти, говорит о том же самом.
И звучит это как будто Дон Кросби объединилась с Drumatix и решила записать альбом в стиле “Туше” Ирины Миклошич, чтобы поделиться таким образом своими стихотворными изысканиями. Театр, поэзия, мелодекламация, огненные крылья вдохновения, океаны творческой самоинтоксикации, и вот результат – краткий, но очень концентрированный релиз, в котором гармония и ядовитые росчерки дисгармоний находятся в удивительном единстве и взаимопонимании. И ведь даже обложка “Театра Голема” похожа на арт “Toxic Voodoo” Fear Of God, а это уже из числа тех совпадений, которые случайными уже никак не назвать при всём желании! Я всегда ценил концентрированную убеждённость Диаманды Галас и группы вроде Tura Satana, но у ArtFaina все те же месседжи и убеждения представлены с претензией на настоящее искусство, да и представлены именно в таком арт-художественном стиле.
Стихотворения Фаины Мировой как всегда эмоциональны, инструментал предельно органичен, и попавший к нам на рецензирование EP предельно жесток, концентрирован и целостно-монументален. Здесь нет ничего лишнего, все части строго на своих местах и ровно в тех самых дозах, которые нужны и необходимы именно в данном конкретном случае. Перед нами металлическая философия, и этот горький, бескомпромиссный, словно сотканный из колючей проволоки и стекла сплав очень выгодно противостоит всем расплодившимся в последнее время псевдометаллическим поделкам. Настоящий метал должен быть бескомпромиссным, экзистенциальным, гитарным, честным и умным, и именно таковы ArtFaina. Они действительно способны напомнить даже мэтрам, как ковать настоящий стальной мрак и жить этим мраком, ощерившись шипами и спицами, и это очень весомое напоминание.
Ну а театрализация в “Мечтах сломанной куклы” и гостевое участие Марианны стали настоящей вишенкой на этом чёрном и пропахшем дымом отечества торте. Концентрация ядовитой мизантропии и радикального неприятия реальности достигла здесь своих самых эстетичных и утончённых высот. И проще всего описать ArtFaina можно всё через ту же аналогию с Янкой и другими представителями интеллектуального русского рока. Этот коллектив напоминает про Арефьеву, Дягилеву, Медведеву, Миклошич и Диаманду Галас, но показывает их в железном обрамлении тяжёлого металлического рока, и это не только по-настоящему впечатляет, но и поражает своей инфернальной глубиной. ArtFaina слишком глубоки и повествовательны для среднестатистического экстрим-металла, они не боятся экспериментировать, но в то же время всецело остаются в рамках жёсткого, мизантропичного и льдистого тяжеляка, каждый раз ещё по чуть-чуть и понемногу раздвигая его границы и пределы гипотетического влияния.
Рецензия на сингл группы Tyler Durdenn "Блохер"
Эта группа попала в поле моего зрения с самого начала своей деятельности, и с тех самых пор я очень внимательно слежу за её активностью, попутно удивляюсь тем контрастам, которые совмещают в своей творческой концепции Tyler Durdenn. Они уже вдоволь экспериментировали с самыми разными жанрами (вспомнить хотя бы сингл “Оленёнок”), пробовали на вкус и цвет самые разные грани разумного и выходящего за его пределы, были проникновенными, пронзительными, насквозь патриотичными, ироничными и лиричными, но в этот раз они снова удивили, поразили и буквально разорвали в клочья все шаблоны, а заодно и мой предновогодний миролюбивый настрой. Наверное, это старость, но мне так хотелось тихо и спокойно провести эти предновогодние деньки, ничем себя не пугать и не испытывать свою психику на прочность, но…
«Накипело!» – говорят сами участники Tyler Durdenn по поводу своего свежего трека, и это действительно чувствуется. Жар, накал, невероятная концентрация раздражения, эпатаж, резкие слова и провокационные рифмы – здесь очень много всего, и это действительно тот самый праведный гнев, каким, собственно он и должен быть, для чего он и дан нам с вами. Ну а я сам категорически против ненормативной лексики, порой дохожу в этом неприятии до самых крайних крайностей и всеми руками и ногами ратую за литературность и сдержанность, но… Есть такие случаи, когда без мата просто не обойтись. Как в той юмореске: «Недавно у нас в городе профессор лингвистики, заслуженный литературовед и эксперт в области изящной словесности в открытый люк упал… ох, что он тогда завернул… Арина Родионовна, Пушкина мать!..»
Вот нечто подобное ждёт нас с вами сегодня и у Tyler Durdenn. Навязчивые блогеры со своим не менее навязчивыми роликами, вовсю забившие голову нашей молодёжи, в последнее время просто окончательно вышли из берегов, и Tyler Durdenn тоже не смогли избежать перекрёстного обстрела их настойчивых провокаций. Они увидели, почувствовали, прониклись, окунулись, а затем начали яростно и горячо возмущаться, извергая из себя впечатления по поводу тех сниженных с интеллектуальной и моральной точки зрения стандартов, которые пытаются навязать нам и нашим детям люди, мечтающие стать современными пророками и оракулами. Бывает так, что слишком сильный эмоциональный стресс, граничащий с аффектом, просто невозможно удержать в себе, и в случае с синглом “Блохер” всё получилось именно так. «Накипело!».
Но не только в «накипело!» в данном случае дело. Это, вне всяких сомнений, тоже, но и не только. Просто дело в том, что до современной, окончательно и бесповоротно пристрастившейся к досужим лекциям современных блогеров молодёжи, по-другому просто уже не достучаться и не докричаться. Можно говорить разумно, здраво и интеллигентно и остаться в совершеннейшем игноре. Можно взывать к разумному, доброму и вечному, увещевать и приводить хорошие и правильные цитаты таких же хороших и правильных людей, не найдя при этом не то что никакого отклика, но даже хотя бы элементарного внимания ко всем своим речам и попыткам. И уж мне всё это очень хорошо известно, поскольку мои собственные племянники семи и девяти лет от роду до жути подвержены влиянию блогеров, и разумные аргументы в беседе с ними бессильны.
Порой для того чтобы хоть что-то донести и рассказать, нужно переходить на тот же самый язык, на котором общаются твои оппоненты, и серьёзные христианские метал-группы вроде Trouble, Sacrament и Mortification очень хорошо это знают, поскольку поступали они именно так. Они брали самые громкие и радикальные на тот момент музыкальные формы, по максимуму утяжеляли свои гитары, использовали самый злой вокал, и вот на таком, привычном для молодёжи тех лет накале рассказывали о том, что такое хорошо, а что такое плохо. Но нет, Tyler Durdenn не занимаются морализаторством – они с головой окунаются в самые жаркие и провокационные дебри словесной шелухи, заботливо разбросанной по интернету современными блогерами и доводят все их фишки и задумки до самого маразматического максимума.
Если Ленинград и масса других подобных групп используют ненормативную лексику продвижения ради и хайпа для, то Tyler Durdenn сознательно переходят на смысловое поле тех современных апологетов легковесного отношения к жизни, которые им так неприятны, пробуя взорвать и разорвать все эти сомнительные формы изнутри. Они раскаляют сковородки эмоционального напряжения до самого предела, и это действительно жарко и жгуче! Когда слушаешь эту вещь, понимаешь, что “Оленёнок” был разминкой и репетицией, а самое интересное у нас как раз сегодня. Сэмплы, резкие рифмы, чадящий и дымящийся саунд – всё это в целом вполне умещается в жанр огненной эпиграммы, которые так любили поэты во времена Пушкина и Лермонтова, но выражено всё тут ещё более предельно за счёт соответствующих аранжировок.
Вопрос о том, можно ли играть вот с такими вещами и обращаться к таким педагогическим приёмам, оставим открытым, и я на самом деле сам не вполне уверен в том, каким должен быть ответ на него. Однако не ошибается лишь тот, кто ничего не делает, а Tyler Durdenn сочли невозможным для себя просто безучастно наблюдать за разразившейся в последнее время в социальных сетях деградацией, и однозначно выразили своё жаркое и громогласное «нет!» всем этим набирающим обороты тенденциям, от которых даже у меня идёт мороз по коже. Что ж, они попробовали, теперь наш с вами черёд. Давайте оценим их трек и подумаем, насколько они правы в своих оценках и в своём неприятии. Это горячо, многих это наверняка смутит и удивит, но таковы уж времена теперь, и спрятать голову в песок нам уже точно не удастся.
И лучше действительно слушать вот такую иронию “Блохера”, чем всё то же самое на самых «серьёзных щах» от кого-то выдающего себя за нового гуру и учителя мудрости. А если сравнивать с кем-то и чем-то всё это по жанру и посылу, то в первую очередь мне на ум приходит Высоцкий. Он был остроумен, ироничен, за словом в карман не лез и при всей своей открытости, «народности» и хлебосольности всё-таки всегда оставался, в первую очередь, очень серьёзным человеком. И Tyler Durdenn серьёзны. Они очень серьёзны и я бы даже сказал, серьёзны до предела, а вся ирония и жалящая, буквально закипающая на огне импульсивность их нового трека проистекают от их обостренной чувствительности и неравнодушия. Они пытаются огнём тушить огонь, и эту эмоциональную реакцию при всей её сомнительности очень трудно как-то осудить.
Трудно спокойно наблюдать за тем, что делают с нашими детьми и с нашим подрастающим поколением современные блогеры, и сдержать эмоции тут на самом деле практически невозможно. Что ж, пусть перед Новым годом у нас будет такой кипучий аффект-трек, и пусть в наступающем году поводов для таких эпиграмм станет как можно меньше! Мне на самом деле этого очень сильно хочется. Ну а Tyler Durdenn ещё наверняка удивят нас, но пусть это всё-таки будут удивления по каким-то более добрым и миролюбивым поводам (а они это умеют!), и пусть всё это случится как можно скорее! Ну а сейчас у нас есть отличная возможность послушать эту вещь, вспомнить все свои обиды и огорчения в 2023 году и разом оставить их все в уходящем году с тем, чтобы взять с собой в год наступающий только всё самое светлое, чистое и доброе.
Рецензия на сингл группы Awake "Сонный паралич"
Кажется, буквально вчера я открыл для себя интересную и многообещающую группу Awake с их интереснейшим треком “One Trick Pony”, а сегодня у них выходит новый сингл, и группа выглядит уже совершенно иначе. Впрочем, про «совершенно» я, наверное, немного загнул, ведь почерк и специфический стиль коллектива, конечно же, никуда не делись, а вот вокальная и визуальная составляющая коллектива действительно достаточно сильно изменились. Новым лицом и голосом Awake стала Светлана Берсенева (Aura, Trion, Война Осколков и др.), и теперь музыканты настроены ещё более решительно и амбициозно по поводу своих новых свершений.
Ну а первое, на что обращаешь внимание, когда речь заходит об их новом сингле, это всё-таки красочная обложка. Атмосферность рисунка сразу же притягивает взгляд и привлекает внимание, и не послушать композицию с таким артом будет уже просто невозможно. Становится понятно, что “Сонный паралич” в данном случае это не просто медицинский термин, а нечто мистическое, страшное и потустороннее, и звучание композиции тоже наводит на те же самые мысли. Саунд Awake по-прежнему рвёт все шаблоны и кромсает сложившиеся у нас стереотипы по поводу тяжёлой музыки, но это далеко не всё, а всего-навсего вершина айсберга.
Таинственное вступление со знакомой каждому из нас детской песенкой отсылает нас к культовой вещи Metallica “Enter Sandman”, а затем на нас обрушивается бескомпромиссный гитарный кач с таким же бескомпромиссным вокалом. Инструментал предельно техничен, клавишные призрачны и таинственны, а чистый вокал Светланы звонко расставляет акценты во всей этой грувово-математической фантасмагории, добавляя в трек изрядную долю тепла и мелодичности. И нарочито медленный и чеканящий, как будто увязающий в сонно-могильном чернозёме темп ещё сильнее увеличивает удельный вес композиции, помогая слушателю воспринять посыл трека.
Невероятно импозантный, буквально выпирающий из общего микса бас, громоподобные ударные, сочащиеся объёмом и мощью гитары – звук современных Awake заслуживает самых громких и восторженных слов, ну а пение Светланы вновь бросает слушателя из огня в полымя доведёнными до самого финального и предельного максимума контрастами. Ну а в том, что все крайние полюсы самых разных чувств в данном случае на самом деле наличествуют в своих самых радикальных и супремативных вариантах, сомневаться не приходится ни в коем случае – музыканты вместе со своей новой вокалисткой всеми силами стремятся именно к этому.
Можно с уверенностью констатировать, что концепция “пассивной агрессивности” продолжает развиваться аудиально, и я надеюсь на то, что психологические аспекты всей этой концептуальности тоже не канут в Лету. На мой взгляд, именно такое сочетание меланхоличной отстранённости, осмысленных, очень личностно окрашенных текстов и агрессивных гитар с таким же агрессивным вокалом стали визитной карточкой Awake ещё во времена EP “Passive Aggressive”, и очень хотелось бы продолжения всех этих парадоксально-антиномичных тенденций у них в дальнейшем.
А тем временем мы вслушиваемся в текст и понимаем, что композиция посвящена рвущимся на волю из подсознания травмам, комплексам, обидам и прочим порождениям нашей страдающей от соприкосновения с реальностью психики. Авторы очень образно и колоритно рассказали о том, какими страшными и пугающими могут быть все эти затрамбованные во фрейдовском «ид» психические изломы и смогли выразить это в своём треке невероятно мощно и колоритно. Можно не вслушиваться в текст и не вдумываться в слова, но само звучание в данном случае очень доходчиво и красочно иллюстрирует борьбу человека с его неразрешёнными диссонансами.
Не зря Светлану так часто зовут к себе группы вроде Артемизии – её вокал действительно оставляет очень приятное впечатление. Я даже сказал бы, что новую вокалистку Awake можно было бы назвать вокальным экстрим-двойником Сары Джезебель Дэвы, и это действительно во многом будет адекватно и справедливо. Эффектная внешность, большой сценический опыт и техничный вокал определённо нужны и необходимы Awake, и Светлана вполне способна всё это предложить данному коллективу, чем она, собственно, сейчас и занимается. Будем надеяться, что эксперименты времён “One Trick Pony” и кавера на Билли Айлиш тоже не будут забыты, и в самом ближайшем будущем мы увидим ещё больше нестандартных фишек в новых треках Awake.
Рецензия на альбом группы Overdogma "Between The Hope And Helpless"
Раньше эта группа называлась Afterlost, я уже рецензировал их сингл в 2018 году и был тогда очень даже впечатлён их амбициями и атмосферой. Много воды утекло с тех пор, но они всё так же записываются у Андрея Бродского, а оформление своего творчества доверяют Paint-It-Black-Design, да и своему «кафедральному» готик-металлу тоже не думают изменять, что, на мой взгляд, очень даже хорошо и похвально. Они всегда были мелодичны и разнообразны, а их приправленный изысканным дарк-металлом материал и по сей день выглядит презентабельно и красиво.
Величественное интро, пять треков, а затем пять инструментальных версий этих же самых композиций – альбом достаточно лаконичен, но размахнуться и разгуляться тут вам точно будет где. Вокальные мелодии в традициях поздних Paradise Lost, Sentenced и Poisonblack сразу же располагают к себе, монументальные «соборные» аранжировки добавляют патетики, и в итоге альбом действительно воспринимается очень возвышенно и готично, а лёгкие вкрапления индастриала очень интересно подчёркивают все его самые выгодные и эффектные стороны.
А что мне больше всего пришлось по душе, так это то, что эмоций в рецензируемом альбоме просто overмного. Собственно, на то она и OverDogma, чтобы всё превосходить и перекрывать собой. Их треки насыщенны и сконцентрированы, мелодичные вокализы отлично дополняют жёсткую прямолинейность риффов, и при всей своей интеллигентной сдержанности рецензируемый альбом звучит, в первую очередь, всё-таки эмоционально. Перед нами эмоции, чувства и однозначно небезуспешная попытка продемонстрировать свой внутренний мир с помощью звуков.
С одной стороны у “Between The Hope And Helpless” есть всё, за что вы любите классический готик-метал в духе Crematory и Mortus, а с другой – выглядит всё это у них ещё более основательно и величественно. Неслучайно в своей прошлой рецензии я вспоминал Morgul, Tristitia и Moonspell – есть во всём этом что-то очень монументальное, изысканное и почти мистическое. Чёткие и прямолинейные пассажи в духе Deathstars и тех же Crematory тут запросто сочетаются с думовой утончённостью и дарк-метал-непредсказуемостью, и всё это очень органично и естественно.
После небольшого вступления на нас сразу же обрушивается шквальный напор “Toxic”, и это действительно напоминает звуковой шторм, где в ход разом идут все знаковые фишки OverDogma в своей предельной концентрации. Романтичная “Little Black Dress” нежна и соблазнительна, сменяющий её титульный трек ожесточённо работает на контрастах, как будто желая зажечь своей фосфоресцирующей харизмой даже небеса, реки и моря, а “Cute Boy” снова слегка сбавляет обороты, делая акцент на вкрадчивой вокальной чувственности и отстранённо-меланхоличных клавишных.
Что до “You’re Not Insane”, то это один из самых контрастных и таинственных треков на альбоме. Вокал тут напоминает местами даже Питера Стила с его Type O Negative, в отдельных фрагментах пение идёт чуть ли не акапелла, а кое-где инструменты вдруг замолкают, оставляя нас наедине с почти эмбиентом клавишных. И всё это со всё теми же холодными и кромсающими гитарами, призрачным клавишным фоном и почти панковским, разнузданно-небрежным вокалом, словно погружающим вас в атмосферу богемной вампирской вечеринки.
И всё это мне напомнило какой-то дикий микс из Nightfall времён их “Diva Futura” (помните эти чудесные мелодии и панковский, совершенно нестройный вокал греков?) и наших отечественных готов из Glamorous Bones. Такой же размах, такая же мега-мелодичность, смелость и вдохновение, которые очень сложно свести к чему-то известному и однозначному. Вроде бы, перед нами все те же самые ингредиенты, которые мы уже много-много лет привыкли находить на всех готик-метал-альбомах, но на самом деле звучат они как-то совершенно иначе.
Нельзя не обойтись без пары добрых слов в адрес Slaughtered Studio и Андрея Бродского, который в стенах своей легендарной уже студии вновь смог всё записать и представить самым лучшим и эффектным образом. В значительной степени именно в силу своего супремативного качества попавший к нам сейчас на рецензию альбом звучит так, как звучит, и оставляет такое сильное впечатление, какое оставляет. Ну а для того, чтобы вы ещё раз повнимательнее оценили все нюансы саунда этого диска, вашему вниманию и предлагаются инструментальные версии треков.
Ну а катастрофический недостаток информации по поводу деятельности OverDogma может, конечно, в какой-то степени помешать распространению и триумфальному шествию альбома по миру, но может также сыграть и положительную роль и даже поспособствовать популяризации “Between The Hope And Helpless” – когда чего-то не знаешь и не можешь узнать, тут же начинаешь додумывать всякие «легендарные» подробности, а не сдерживаемое ничем воображение блестяще справляется с задачей объяснить себе же самому, почему эти риффы и мелодии так хороши.
Я долго думал, что же больше всего понравилось мне на рецензируемом диске, и почему я в данный момент переслушиваю его уже в десятый раз, но объяснить это не так-то просто. Вероятно, дело в том, что OverDogma смешивают привычное и непривычное в очень интересных и авторских пропорциях. Обложка радует переливами 50 оттенков синего, голубого, сиреневого и фиолетового, и в точности то же самое мы слышим и в музыке проекта – множество оттенков старого, доброго, классического и всеми нами любимого готик-металла, сыгранного свежо и ярко.
Отсутствие какого-то явного примитива и такой же явной предсказуемости вкупе с очень сочными и эффектными идеями авторов коллектива в конечном итоге приводят к созданию чего-то нового и необычного, даже не прибегая при этом к каким-то поражающим воображение финтам ушами, а отличное качество звучания порадует вас и вашу звуковоспроизводящую аппаратуру прекрасно выстроенным балансом всех без исключения наличествующих на альбоме звуковых красот. Очень колоритный и художественный релиз с интересной текстовой концепцией.
Рецензия на альбом проекта Неисследованный Квадрат "Повести Индии"
Каждый из нас в той или иной степени знаком с культурой Индии, но очень жаль, когда это знакомство ограничивается индийскими фильмами. На самом деле интересного и привлекательного в этой стране намного больше, и самобытный one-man-проект Неисследованный Квадрат, про творчество которого мы уже писали в июне этого года, освещая альбом “Сказы белых гор”, где я, помнится, настолько восхищался музыкой и идеями лидера коллектива, что назвал его музыкально-эстетические поиски алхимией в звуке, сейчас нам с вами всё про это расскажет.
Их музыка тиражируется в сети с тэгом «рок», но на самом деле здесь намного больше оттенков и влияний. Перед нами настоящий взрослый этно-прогрессив, и выглядит он по-настоящему величественно и монументально, в то же время с огромным интересом посматривая в сторону самого лучшего эзотерического нью-эйджа. Материал Неисследованного Квадрата звучит размашисто и броско, композиции с альбома тут же запоминаются и плотно застревают в сознании, но и это даже не всё, и есть в них всё-таки что-то ещё, о чём не так просто сказать словами.
На альбоме достаточно этники, мистики и таинственных, порой совершенно удивительных инструментальных переливов, о чём свидетельствует, например, замечательный трек “Золотая гора”, и во многом перед нами релакс и музыка для расслабления, но фоновой и нейтральной её всё-таки не назовешь. Автор смело и с большой увлечённостью берется за выбранную тему и прорабатывает её с потрясающей изысканностью и энтузиазмом, попутно цитируя лучшие стихи Бунина с Бальмонтом и как будто приобщаясь таким образом вдохновлявшим их стихиям. Альбом стихиен, и его буквально распирает от могучего космического ветра вдохновения.
Для меня же диск “Повести Индии” стал великолепным индийским аналогом Orphaned Land и даже чем-то немного большим. Поскольку здесь нет вокала, отвлекаться на слова и вокальные линии вам не придётся, а всё внимание будет целиком сконцентрировано на мелодиях, вайбах и энергетических вибрациях, которые предлагает своим слушателям лидер проекта Павел Снадкин. Много философии, вековая мудрость седобородых адептов сокровенного знания, потрясающие метафизические парадоксы – и всё это автору удаётся воплотить в своих риффах и бриджах, которые звучат временами просто феерически.
Очень впечатляющая ритм-секция, отличные басы, мечтательные этнические переливы – здесь всего достаточно для полноценного аудио-восторга, и я этот восторг испытал в полной мере, в очередной раз получив возможность протестировать свою новую акустическую систему. Баланс разных инструментов выставлен Павлом просто безукоризненно, композиции проработаны до мелочей, и растворяться в них поистине одно наслаждение, и особенно хорошо это получалось у меня под самые динамичные и рокерские вещи вроде “Небесной колесницы”. Павел с интересом посматривает в сторону металла, и прог-этно-симфо-метал получается у него блистательно.
Очень уместно и колоритно звучат тяжёлые гитары в “Желании махараджи”, мечтательна и расслаблена “Обитель света”, великолепно «качает» “Золотая гора” – и всё это про Индию и про глубочайшее проникновение в самую суть древней и загадочной индийской цивилизации. А я много слышал подобной музыки (индейскую флейту и напевы саамов, перестуки шаманов и аутентичный финский фолк), но “Повести Индии” меня всё равно поразили своей смелостью, изобретательностью и умением филигранно жонглировать жанрами. А ещё больше поразил своим изяществом и умением выразить в звуках и музыкальных гармониях невыразимое.
Будь то гипнотическая “Авантика”, медитативная “Сарасвати” или хлебосольный “Раджастан”, мы неизменно окунаемся в самую гущу чарующих и очаровательных звуковых переливов, в которых можно найти целый спектр чувств и ассоциаций от мистики и эротики до любознательного туристического экстаза. Собственно, этот альбом и воспринимается как прогулка по исторической Индии, но формальной экскурсией и теоретическими пояснениями экскурсовода дело здесь не ограничивается, и Павел ведёт нас в самые потайные лабиринты веков, чтобы показать всё-всё-всё, и ведь в итоге не просто показывает, а даёт нам всё это почувствовать сердцем и душой!
Перед нами один из лучших инструментальных альбомов, который мне в принципе доводилось слышать, и после прослушивания такого вдохновенного опуса просто невозможно не проникнуться симпатией к стране, вдохновившей автора на такие треки. “Повести Индии” – очень светлый и вдохновенный диск чистого восторга и чистейших музыкальных фантазий, и послевкусие от него остаётся самое возвышенное и приятное. Очень здорово и увлекательно слушать, наслаждаться, проникаться, лучше узнавать культуру и потайную жизнь загадочной и влекущей Индии, а вместе с ней и себя самого, а мастерство Павла Снадкина очевидно растёт от релиза к релизу.
