РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на сингл Мистера Кто! feat Anna Samoxa "Одиночество"
Красное и чёрное, холодное и горячее, экспериментальное и традиционное – казалось бы, что может быть более несовместимым и противоречащим друг другу, но как у классика, они сошлись огонь и пламя – противоположности притягиваются, и тюменский ортодокс-рок-н-ролльщик Мистер Кто! подготовил совместный номер с импозантной дивой-электронщицей Анной. Конечно, всё к этому давно и шло, было вполне ожидаемо ещё в те времена, когда альбома Мистера “Гештальт” значился в категории отдалённых проектов и был далёк до завершения.
И точно так же ожидаемо и понятно, что в такой коллаборации каждый будет тянуть одеяло на себя и стараться внедрить в общий трек как можно больше собственных идей, фишек и особенностей, что в итоге так и вышло. Мистер Кто скромно продвигает свой классический рок, стараясь не выделяться, а Анна что есть силы жмёт по газам, играя голосом и всеми силами давая понять, что даже простенькая рок-вещица про то, что одиночество – это не так уж и плохо, может быть очень разнообразной, эффектной и даже непредсказуемой.
А ведь обыграли свою тему и раскрыли её просто на “ура”. Апелляции-отсылки к современному “телефонному этикету” (первому доставать телефон из кармана и зарываться туда в компании – не комильфо), проблема патологической привязки современных юзеров к своим гаджетам, яркая фотосессия на эту тему – я с трудом сдерживаю себя, чтобы не поаплодировать стоя Мистеру Кто! и его визави, которые смогли сделать насущную коммуникативную проблему настолько явной, очевидной и выпуклой, превратив её в такую хитовую и яркую композицию.
Но рецепт успеха и фунт изюма здесь даже не в этом. Мистер Кто! придумал очень универсальный и характерный текст, который и привлекает к себе в данном случае внимание в первую очередь, а за чёткими рифмами в лирике уже следуют все остальные фишки, дуэтные нюансы и сдержанные попытки Анны сделать даже этот блюзовый рок демоническим, страстным и жгучим как чилийский перец. Хм, ну а что, разговор Ивана Карамазова с чёртом вполне мог выглядеть и звучать и таким образом, почему бы и нет – и вообще, кто сказал, что дьявол обязательно мужского пола?
“Одиночество” выглядит очень просто и даже элементарно, однако в такой хитовой и подростковой очевидности содержится немалый потенциал, а за репликами Мистера и Анны угадывается солидный философский бэкграунд с массой скрытых отсылок и намёков на серьёзные темы и размышления. Чем отличается одиночество и уединение, английские alone и lonely, почему временами нам так необходимо отдохнуть от общества даже самых близких и нужных людей, чтобы собраться с мыслями и прочистить ментальные каналы восприятия?..
Именно так долгие мировоззренческие беседы, что кажутся такими важными и многозначительными в лунные и звёздные ночи упрощаются до самого категорического минимума и обретают вид песен, достойных Евровидения или как минимум MTV. А что до знаковых для Мистера Кто отсылок к классическому рок-н-роллу, так ведь классики-роко-н-ролльшики были тоже совсем не дураки – не зря Б.Г. так восхваляет их в своём “Аэростате” и находит такие бездны смыслов и метафизические глубины у Боба Дилана, Донована, Клифа Ричарда и иже с ними.
Я не могу сказать определённо, кто привнёс в актуальный фит больше своего, характерного и авторского, но особые собственные черты Мистера и Анны узнаются в “Одиночестве” совершенно определённо. Традиционный рок-н-ролльный релакс, взрослая расслабленность и пофигизм первого отлично дополняется резкими, контрастными и порой нарочито провокационными интонациями второй, и получается уже что-то совершенно новое, необычное и неожиданное, как будто Tura Satana исполняет хиты Элвиса и Чака Берри, а подпевает ей Константин Никольский.
Хорошая песня есть хорошая песня, даже если она сделана с явным коммерческим замахом или щеголяет напоказ своим супрематическим кубизмом на манер “Чёрного квадрата” Малевича. И “Одиночество” в дискографии Анны и Мистера Кто! это как раз именно такой чёрный квадрат, который хоть и не блещет какими-то художественными изысками, но всё равно велик и гениален как и всё простое, универсальное и такое жизненное как “всё будет хорошо” и “подожди немного, пройдёт и это”. Если вдуматься, ведь и битловская “Yesterday” ничуть не устарела за 55 лет, а это о чём-то да говорит.
Рецензия на мини-альбом группы Unholy Enlighteners "Unholy Propagation"
Ещё в мифических 80-х, когда немцы из группы Deathcore пробовали совмещать дэт и грайндкор, выплавляя из имевшейся у них на руках металлической агрессии первого и стёбной неумеренности второго новый жанр, проклёвывающийся на свет дэткор был злобным, зубастым, неповоротливым и крайне тяжеловесным. Пусть отголоски тех давних сражений кажутся сегодня не более устрашающими, чем северное сияние или падение метеорита, однако основные габаритные очертания стиля по-прежнему очень легко услышать даже в самых новаторских и щеголяющих чуждыми влияниями вариациях стиля.
Нечистые просветители – это не литературное общество любителей Руссо, Дидро и Вольтера, добавившее в свой устав запрет на мытьё рук, это музыкальный проект с достаточно интересной, хотя и не вполне определённой по косвенным признакам музыкальной верой. Участники команды любят мрачную эстетику, на обложках их релизов творится какая-то инфернальная вакханалия, а название группы и вовсе ввергает в глубины сумрачных размышлений, погружаясь в которые обнаруживаешь себя в лабиринте не хуже того, что описал Пелевин в “Шлеме ужаса” или бетонировали своими обречёнными звуками классические Winter и Phlebotomized.
Существуют столичные “осветлители” не так давно – всего два с половиной года – но, насколько я знаю, у многих участников коллектива есть свои сайд-проекты и в опытности стальных рекрутов данного убийственного трио не приходится сомневаться. Тот жир, деструктивный накал и кач, который они представили на своём дебютном EP “Pantheon Of Chaos” в декабре 2018 года, а затем переработали и предлагают нам сейчас на “Unholy Propagation” на коленке не сыграть, и про мощь команды хочется говорить исключительно в весомых, физических и конкретных терминах.
“Я сразу назвал их для себя “тёмными”. Не из-за цвета кожи. Тёмен психический настрой. Казалось, вечер помрачнел и стал тяжёлым в их присутствии” – описывает Владимир Серкин сумеречных людей, а как будто говорит про Unholy Enlighteners и про их музыку. Я ни сколько не сомневаюсь, что вдохновляются московские дэткорщики сиянием чёрных звёзд и разными оккультными апокрифами, ведь свет от их творчества исходит совершенно чёрный и злой. “Тёмная материя” их треков словно соткана из страхов и всего того, чем питаются назгулы и дементоры, а на выходе квинтэссенция этих ужасов превращается в молекулярный дэткор.
Почему молекулярный? Да потому что их музыка как будто состоит из отдельных лоскутков и всё это подаётся как очень модный, очень современный и очень молодёжный материал, который обязательно нужно послушать, чтобы быть в курсе современных трендов и не прослыть старым, ветхим и никому не нужным. Молекулярная кухня в стиле дэткор, где всё кипит, искрит, имеет яркие и явно токсичные цвета, а на поверку оказывается очень вкусной и вообще полезной штукой. К сожалению, обложка новейшего миника явно проигрывает арту с его предшественника, но это единственный явный недостаток актуальной работы, в остальном же всё очень даже good.
Ребят часто ругают и критикуют за однообразие и хвалят за него же, но исходя из заданной концепции (авторы посвящают свои композиции вселенной Warhammer 40 000, и это, наверное, самый лютый и апокалиптический ваха-метал, который я только слышал) данное обстоятельство действительно можно рассматривать как основу основ и ноумен ноуменов, из которого всё происходит. Утробный гримдарк вокальных экзекуций и гнетущая атмосфера на “Unholy Propagation” заметно загустели, а вот поросли чистого олдскул-дэта, что были так хороши на “Пантеоне хаоса”, окончательно растворились в забвении, уступив место почти думовой глубине.
“Лица жёсткие, как кулаки. Осанка прямая, горделивая. Вроде люди, а вроде - нет. Чувствуешь что-то чуждое. Сочувствия не дождёшься. Возможно, они вообще не считают людьми никого, кроме своего племени” – продолжает описывать Серкин сумеречных людей, встреченных им в далеких магаданских локациях, а я вновь узнаю в его описаниях наших сегодняшних героев из Unholy Enlighteners. Музыка бетонных плит и обвалившихся балконов, всесокрушающий дэтовый напор и ершистая хаотичность первобытного грайндкора пополам с современным хипстер-снобизмом – это их кредо и именно в таком духе они творят и явно будут творить и дальше.
Актуальный трёхтрековый миник авторства чёрных “осветителей” оставляет ощущение тяжкое, монолитное и фатальное, а треки очень аутентично перерастают друг в друга, словно являясь составными частями какой-то единой и неделимой биологической системы. Неопознанный биогеоценоз, словно прибывший в наш мир на упавшем ночью метеорите, фосфоресцирующее извержение пробудившегося после долгой спячки фьюнерал-думового вулкана, и всё это с явными характерными чертами модного молодёжного тренда. Такие начинания нужно продолжать, углублять и продвигать. И побольше изящного мрака и леденящих душу историй в текстах, даже за пределами Warhammer – будет уместно! И… это… побольше Phlebotomized!
Рецензия на сингл группы Amerya "Заставь остановить"
Этот южносахалинский коллектив начинал с романтичной версии современного модерн-металла и металкора, исполняя их с такой нежностью и лиричной обходительностью, что было просто невозможно не удивиться. Я и удивлялся. В своей рецензии на их дебютный EP 2015 года “Последний февраль” я много цитировал их тексты, а в числе групп-ориентиров указывал HIM, Rasmus, Amatory, Stigmata, Origami и иже с ними. В то время Amerya ещё играли достаточно жёстко и даже тяжело, а их сентиментальность выражалась по большей части в текстах и мелодиях, но с течением времени всё имеет склонность меняться, изменились и наши рок-романтики.
Новейший сингл “Заставь остановить” призван подготовить слушателей к восприятию грядущего полноформатника Amerya, и это очень мягкая и компромиссная вещь. Здесь нет ничего резкого, жёсткого или просто хоть в какой-то степени металлического, но это по-прежнему рок, хотя место у руля здесь занимает не бунт и не эпатаж, а мечтательная нежность и вкрадчивая романтичность. Аранжировки и инструментал в данной вещи заслуживают уважения и сразу же обращают на себя внимание своей грамотной проработкой и адекватной расстановкой разных элементов и составных частей: струнных, синтезаторов, гитар, вокала, ритм-секции и т.д.
Повышенная и немного нарочитая ранимость текста отлично дополняет общую атмосферность композиции, а тематика трека универсальна и знакома каждому ровно настолько, насколько мы все подвержены ошибкам, разочарованиям, скоропалительным решениям и склонны замыкаться на своём мнении и своей боли, не в силах более воспринимать чужую точку зрения. Обиды и кровоточащие раны души поднимают со дна нашего воспалённого Эго цунами жестоких претензий и горьких упрёков, и за неистовством такой разбушевавшейся стихии уже практически невозможно найти и следа былого восхищения и воодушевления человеком, который совсем недавно казался таким идеальным.
“На моих ладонях твоих слёз прибой,
Оборванных слов.
Куда ты, постой.
Вечер катится вниз,
Руки в замок,
Я пытался разжать, так и не смог.
Может быть, ещё раз, знаю, простишь.
Может быть, виноват,
Но дай мне шанс,
Заставь остановить волну жестоких фраз,
Бурлящий океан внутри стеклянных глаз.
Не смог остановить, закончились слова,
Все сломаны ключи, забыты имена.”
(с) Amerya – “Заставь остановить”
Их сентиментальность серьёзна и жизненна, её не назвать дежурной попыткой проэксплуатировать беспроигрышные романтичные ходы и таким образом снискать внимание и расположение целевой аудитории. Посреди частокола столь любимых юной рок-аудиторией вокальных интонаций без проблем вырисовываются серьёзные и глубокомысленные нотки, и они совершенно без проблем входят в резонанс с общим настроением трека и подводят всё под взрослый и взвешенный знаменатель. И точно по той же самой схеме доступная и даже элементарная мелодия дополняется богатыми аранжировками, и это действительно работает.
Участники Amerya ни на миг не упускают из своего вида самого известного на отечественной сцене сахалинца, и пытаются по-своему переосмысливать его наработки и достижения. Конечно, до “Выпьем за любовь” и “Они, если честно, не пара”, им пока ещё далеко (и хорошо, что далеко), но особый сахалинский привкус в их треках проступает совершенно явно и очевидно. Ну а меня в данном случае больше всего покорила именно их текстовая основательность. Не просто романтические слёзы и бесконечные придыхания, а реальная жизненная ситуация, которая наверняка была в жизни у каждого, и её достаточно поэтичное и интересное выражение.
И здесь будет уместно сравнить Amerya уже не с автором “Дельфина и русалки”, а с современными писателями вроде Леона Вишневского, Эльчина Сафарли, Паоло Коэльо и прочими экспертами отношений и знатоками женской души. Так психология и сексология тесно сплетаются с воздушной романтикой и жёсткой прозой жизни, а затем обретают вид звуков и рифм, и в этом смысле то, что делают авторы “Заставь остановить” действительно очень родственно и близко творчеству упомянутых выше литературных столпов. Будет очень здорово, если участники команды смогут выдержать весь полноформатник в таком же стиле, ну а пока наслаждаемся актуальным синглом и ценим то, что есть.
Рецензия на альбом группы Magnetic Storm "My Own War"
Если вы успели заслушать до дыр поздние диски Sepultura и экс-сепультуровцев, а новых релизов от них всё нет, унывать совершенно не стоит, а наоборот есть повод для радости и триумфа, ведь в наших российских широтах появился коллектив, который не уступает Soulfly, Cavalera Conspiracy, современной Sepultura и совместному концертному буйству братьев Кавалера. Речь сейчас, конечно же, о воронежских молотобойцах из Magnetic Storm, которые в середине января нынешнего года представили свой чугунный полноформатник “My Own War”, а предварительно успели отметиться совместным гигом и с Sepultura и аж дважды играли с Max & Igor Cavalera.
И, конечно, не аллюзиями к одной только Сепультуре живы Magnetic Storm - в их творчестве без труда можно отыскать отсылки намёки на Pantera, Hatebreed, Devil Driver, Lamb Of God, да и собственных ноу-хау у Магнитного Шторма не так уж и мало. “Суров ты был, ты в молодые годы учил рассудку страсти подчинять” – Писал Н.А. Некрасов про Добролюбова, а Magnetic Storm не стали ждать, пока кто-нибудь про них напишет что-то подобное, а просто постарались вывести свою суровость на самый максимум и великолепно справились с этой благородной задачей, ничуть не погрешив против мелодичности, музыкальности или оригинальности.
И кстати про оригинальность и собственные находки команды. Таковых у них действительно очень даже немало, и присутствуют они практически в каждом треке на их актуальном, втором по счёту полноформатнике. Хоровые распевки подгулявших троллей-людоедов в “Drowned” и в “Alive Or Dead”, бравурные шотландские волынки в “We Don’t Want”, меланхоличное гранжевое чистоголосье в начале “My Own War”, сочные трэшевые риффы в “The Lost World”… не слишком ли много разнообразия и радикальных расшатываний канонов грув-металла для одного альбома и одной группы? Magnetic Storm так не считают и с полным самозабвением предаются экспериментам на базе ядерного риффового модерн-н-грува.
Стоит заметить, что для записи упоминавшейся уже “We Don’t Want” музыканты зазвали на студию к Сергею Лазарю Владимира Решетникова, отвечающего в состава Арконы за духовые и этнические инструменты, и именно благодаря ему в данном треке появилось такое грейвдиггеровское волыночное великолепие. Конечно, этно-составляющих у сегодняшних Magnetic Storm не так много, как, скажем, у Sepultura на “Roots”, но они явно присутствуют на “My Own War”, они очевидны и они воодушевляют не меньше трайбл-танцев местных бразильских аборигенов на культовом диске братьев Кавалера.
И мне совершенно не удивительно, что у кого-то из слушателей данного опуса слетело с языка сравнение “My Own War” с Suidakra. Фолка и этники у Magnetic Storm формально действительно далеко не океаны, да и не так часто они поднимают голову, но они всё равно присутствуют каким-то незримым и негласным призраком на всём протяжении звучания релиза и неотступно следуют за слушателем, пока его стереосистема воспроизводит эту грувовую симфонию гоблинов и троллей. Что ни говори, а баланс – штука нужная и необходимая в любом деле, и воронежские умельцы сумели добиться практически идеального соотношения тяжести, мелодичности, душевности и новаторства.
Хриплый рык с характерным скрим-потрескиванием где-то на корне языка в исполнении Никиты Деревского – это действительно хоть и безусловное, но далеко не единственное достоинство данного коллектива, а разнообразие и непредсказуемость альбома по-настоящему интригуют и не отпускают слушателя с самых первых и до самых последних нот на пластинке. Кстати, за жирный и адекватный звук на диске отвечает Евгений Плужников (Tarantul Records), и это на голову или даже на две выше и качественнее того, что можно было услышать на дебютном лонгплее команды 2017 года “Hate Will Save The World”.
Не будучи большим поклонником грув-металла как такового и поздних дисков семейства Кавалера в частности, я тем не менее не могу не признать, что Magnetic Storm смогли сделать почти невозможное и исполняют материал в данном жанре с завидной молодецкой удалью. У каждого трека с “My Own War” есть своё собственное лицо, каждый из них качает и сходу отметает все сомнения и возражения своей огненной и всё сокрушающей энергетикой. Ребятам с Napalm Records явно стоит присмотреться повнимательнее к этому диску и взять себе на заметку этнический потенциал наших витязей от грув-н-модерна, ведь меня эта работа привела почти в такой же восторг, как в бородатом 1999 году первое знакомство с Children Of Bodom и их “Hatebreeder”.
Единственное что меня не впечатлило, так это обложка релиза (по сравнению с уровнем музыкального материала, имиджем и с амбициями группы она явно ощутимо проигрывает, да и оформление синглов было намного более интересным), но с этим комиксом вместо арта вполне можно просто смириться и целиком сконцентрироваться на качественной и качёвой музыке последователей Эрика Леншера aka “Магнето”, ведь после того, как вы прослушаете хотя бы два-три трека с “My Own War”, вам будет уже совершенно не до обложки и не до комиксов. Один из лучших грув-метал-релизов последних лет пяти в наших широтах. Мощь мирового уровня в лучших традициях лучших представителей жанра, и это не шутка и не рекламная завлекалочка.
Рецензия на альбом группы Druknroll "Freakingface"
Эту страшную саратовскую команду здорово лихорадило в плане стиля, используемых фишек, языка исполнения треков и других сопутствующих ингредиентов, но два года назад они на своём альбоме “Unbalanced” как будто нашли себя и вывели ту самую идеальную схему, которой им хотелось бы придерживаться. Шумная какофония позднего трэша, болезненная англоязычная лирика, намёки на первопроходцев мат-метал в духе Meshuggah, отстранённые соло в традициях Coroner и много-много неожиданностей, непредсказуемостей, жёстких шредирующих риффов и парадоксальной электроники – два года назад они уверенно вынесли все эти составляющие на скрижали своей музыкально-стилистической веры и теперь активно и скрупулёзно обрабатывают выбранную ниву.
У современных DRUKNROLL очень объёмный и космичный саунд, создаваемая ими атмосфера недвусмысленно отдаёт психоделикой, а электроника, сэмплы и каскады шизофреничных мелодий ввергают слушателя в мир тьмы, вакуума и маниакально-депрессивных психозов. Они действительно маниакальны и даже не думают скрывать это, а структуры их композиций, непредсказуемость их развития и угрюмая серьёзность, с которой они делают своё дело, очевидно выдают в них интеллектуалов, любителей закрученных сюжетов и людей непредсказуемых. “Кумар стоит такой, что хоть топор вешай” – говорят в отдалённых российских деревнях про музыку DRUKNROLL, и это действительно так, в чём вас, кстати, наверняка убедят два запущенных в поддержку “Freakingface” клипа.
Рядом с их именем журналисты вставляют разные тэги и зачастую сравнивают их с совершенно разными и даже взаимоисключающими командами, грешил тем же самым и я в своё время, а теперь нашёл более адекватное и простое решение. Не зря вокалист DRUKNROLL именует себя Ужас – это слово самым лучшим и полным образом способно описать то, что исполняет команда на своих альбомах и с чем стоит потреблять их треки и клипы. Музыкальный ужас для тех, кто давно привык жить в мире ужаса или только мечтает в него попасть – на дисках этой группы так много страха, черноты, густой болезненной атмосферы и жёсткого атакующего трэш-грува, что мало точно никому не покажется, а их настойчивость и изощрённость делают этот аудио-мрак глубже и интенсивнее, ненароком вызывая ассоциации с мифическим лабиринтом Минотавра.
Страхи, фобии, панические атаки, параноидальные подозрения, навязчивые идеи – всё это разные грани, оттенки и возможные варианты одного и того же явления, которое известно всем нам как ужас, и DRUKNROLL всеми силами стараются максимально сгустить краски и напугать своих слушателей ни на шутку, в чём им немало помогает их авангардность и аморфность. В лазерных дорожках “Freakingface” всё существует и развивается словно по каким-то иным, нечеловеческим законам, и для человека, не имеющего психических патологий и не склонного к неврозам/психозам, может показаться очень страшным и пугающим. Новейшая работа команды – это музыка для тех, кому в жизни не хватает хаоса и адреналина, а самые изощрённые хорроры и триллеры давно перестали приносить нужный эффект и лишь раздражают и наводят скуку.
В первые секунды моего первого, визуального знакомства с “Freakingdace” где-то в глубине моего подсознания словно молния мелькнула догадка-параллель: Voivod. Очень уж похоже по написанию название актуального лонгплея саратовских мракотворцев с классикой этих канадских трэшеров, а арт авторства Mosa Eye, ставший его обложкой, как будто нарочно намекает на своё духовное и интеллектуальное родство с этими sci-fi-первопроходцами. А что же музыка? А музыка нынешних DRUKNROLL тоже порой не чурается отсылок к Voivod 90-х и особенно к их самому мрачному и парадоксальному “Phobos”, где канадцы нагнали столько жути и мрака, что, кажется, сами были в шоке от их объёмов и концентраций. Перед нами не просто альбом, а фундаментальное полотно из звуков, образов, слов отчаяния и чистого хаоса – настоящий аудио-триллер.
Рецензия на альбом группы Helloween "Master Of The Rings"
Этот альбом следует назвать одним из самых важных и судьбоносных в репертуаре Helloween хотя бы уже потому, что он знаменовал собой возвращение группы к своим исконно металлическим корням. После парочки экспериментальных релизов, а также болезненного расставания с таким выдающимся вокалистом как Михаэль Киске многие были весьма скептически настроены относительно дальнейшего будущего группы. Но Helloween вовсе не случайно когда-то названы одной из ведущих команд германской сцены. Им не только удалось достаточно оперативно ликвидировать потери состава, но и состряпать поистине сильный, вобравший в себя все самое лучшее, на что способны наши герои, релиз, коим как раз и является ''Master Of The Rings''.
Разумеется, смена фронтмена процесс весьма рискованный, но и здесь можно найти свои плюсы. В лице Энди Дериса группа обрела не только харизматичного вокалиста с узнаваемым тембром, но и достаточно плодовитого композитора. В отличие от Киске, который, собственно, никогда не жаловал тяжелый метал, и который придерживался мягкой манеры Джеффа Тейта из Queensryche, Дерис прежде всего ориентировался на таких именитых певцов как Иен Гиллан, Пол Стенли и Роб Хэлфорд. Да, Энди, этакий “парень с гитарой”, не может похвастаться таким высоким диапазоном, как у его предшественника, но, тем не менее, смог освежить звучание Helloween определенной дозой драйва в сочетании с шармом классического хард-рока, который он исполнял в составе Pink Cream 69.
Вторым наиболее удачным "приобретением" группы стал драммер Ули Куш, сменивший Инго Швихтенберга, которому в принудительном порядке пришлось проходить лечение от наркозависимости. За плечами Ули был солидный опыт игры в разнообразных стилях от классического хэви до сокрушительного трэша в составе Holy Moses, а именно такие профессионалы были нужны Helloween на данном этапе. Ну и, разумеется, Вайкат, Гросскопф и Грапов (при поддержке сессионного клавишника Йорна Эллерброка) никуда не делись и всерьез готовились поразить публику своим новым творением.
Безусловно, одним из самых жирных плюсов новой пластинки является ее частичный возврат к классическим работам немцев, о чем фэны тщетно грезили последние года четыре. С другой же стороны ''Хозяин Колец'' открыл принципиально новую страницу в славной истории этой славной группы и вернул ей былой авторитет. Вливание свежей крови благотворно сказалось на настрое музыкантов, видимо, поэтому их материал образца 1994 г. получился столь же искрометным, захватывающим и заразительным, как это было в 80-х гг.
В самых лучших традициях альбом открывает интро ''Irritation'', исполненное неоклассического благородства и оркестрового величия, а в следующее мгновение слушатель уже подвергается стремительной атаке жесткого метал-боевика ''Sole Survivor''. И вот тут все сразу становится на свои места. Невероятный динамизм, подчеркнутый сокрушительной подачей двойной бас-бочки, тяжелыми гитарами и непривычно-хрипловатым, но по-своему притягательным вокалом Дериса, вкупе с заразительным припевом, недвусмысленно заявляет, что Helloween находятся не просто в хорошей, но отменной форме.
Как бы в подтверждение этого далее следуют не менее сильные вещи ''Where The Rain Grows'' и ''Why?", сдобренные отточенным мелодизмом сдвоенных гитар, выпуклыми басовыми партиями и певучими соло, в то время как новоиспеченный фронтмен вполне убедительно покоряет верхние ноты. Вместе с тем музыканты дают понять, что проговые эксперименты по-прежнему им интересны, о чем можно судить на примере завораживающего тягучего номера ''Mr. Ego (Take Me Down)" авторства Грапова. В какой-то мере данная композиция напоминает нам о репертуаре "Хамелеона", где также преобладали задумчивые черты американского приблюзованного хард-рока, но звучит она в разы тяжелее и монументальнее.
А вот задорный "Perfect Gentleman", также тяготеющий к канонам харда, убеждает нас, что Helloween ничуть не растеряли своего фирменного чувства юмора, да вообще следить за тем, как Дерис обыгрывает своего лирического героя, одно удовольствие. Для тех же, кто сомневался, что парням по силам выдать что-то в духе эпохальных "Хранителей", специально припасены ''The Game Is On'' и ''Still We Go'', где помимо узнаваемого светлого мелодизма мы можем насладиться филигранной спид-пауэр нарезкой от гитарного дуэта Вайкат-Грапов, совсем как в старые добрые времена.
Не стоит также упускать из виду, что ранее Helloween проявили себя как заядлые рок-н-рольщики, что они не замедлили продемонстрировать в формате энергичных ''Secret Alibi'' и ''Take Me Home'', скрестив забористые свингующие мотивы с метал-риффами и фирменными въедливыми припевами. Но главной неожиданностью становится великолепная по всем параметрам баллада ''In The Middle Of A Heartbeat'', в своей изумительной проникновенности моментально затыкающая за пояс все слащавые серенады авторства Киске. В ней отчетливо прослеживается харизма настоящего потертого жизнью хард-рока и во время прослушивания этой вещи, уверен, каждому найдется о чем вспомнить, подумать, вздохнуть или тайком пустить слезу умиления. На протяжении пластинки Энди не перестает раскрываться как вокалист с самых выгодных ракурсов, да и вообще при исполнении подобного материала его пение воспринимается уже как нечто само собой разумеющееся.
Лично мне всегда особо импонировали работы, подобные ''Master Of The Rings'', разнообразные, тщательно сбалансированные и начисто лишенные проходных моментов. Каждая из десяти композиций вполне заслуженно претендует на звание хита и обладает собственным характером, их не устаешь прослушивать, напевать и даже насвистывать и после десятого раза. Как всегда лирика Helloween охватывает весьма широкий спектр тем, начиная от загадок человеческой души, философских исканий и религиозных вопросов и заканчивая не всегда положительным влиянием технического прогресса и дурашливым, но очень милым стебом. Короче говоря, все как мы любим. Даже арт-ворк пластинки с непременными тыквами делает реверанс в сторону более "ламповых" сказочных мотивов ранних работ за счет того, что над ним вновь потрудился Фредерик Маулерт.
В музыкальном плане на этот раз наши герои, как мне кажется, не стали особо выпячивать свое техническое искусство (хотя и с этим полный порядок), а больше сосредоточились на создании крепких, преимущественно незамысловатых и запоминающихся песен, соблюдая баланс между металлическим драйвом и продуманностью аранжировок. Саунд альбома также не заставит разочароваться, т.к. получился полновесным, мощным и тяжелым, но в то же время "бархатистым" и очень живым. Собственно, всего вышеописанного достаточно, чтобы с полной уверенностью назвать ''Master Of The Rings'' новой классикой, которая, как мы можем видеть, достойно выдержала испытание временем.
