РЕЦЕНЗИИ НА ДИСКИ
Рецензия на альбом группы Raventhorn "Shadows Of Lonehill"
Пропаганда вороньего культа под вывеской столичного Raventhorn растёт, прогрессирует и множится, и два года спустя после выхода их официального дебютного полноформатника на просторах всемирной паутины появился его преемник – концептуальный мега-монстр “Shadows Of Lonehill”. Участники дуэта набираются опыта, ещё более входят в роль мрачных сказителей, а результат в этом смысле вполне предсказуем – их музыка и истории тоже становятся злее, страшнее и реалистичнее. Эффект 3D-присутствия на обложке как нельзя более кстати, раз уж речь идёт про тени на одиноком холме, и шапочное знакомство на этапе встречи релиза “по одёжке” сходу накидывает “воронам” пару лишних баллов в глазах потенциальных слушателей.
И ведь эти экстра-баллы не начинает хотеться забрать назад, даже когда мы с головой окунаемся в лазерные дорожки их актуальной работы! Да, с точки зрения жанров и звуков столичные визионеры просто смешали симфо-блэк и прог-дэт, а на выходе получили долгое и предельно мрачное повествование в обрамлении характерных фишек из названных стилей, но это явно больше чем просто сумма частей! В Канаде их сравнивали с Carach Angren, Opeth и SepticFlesh, а я могу сказать, что такой промозглый и каркающий материал великолепно дополняет ненастные ноябрьские вечера, когда обед давным-давно миновал, до ужина ещё далеко, а на улице так мокро и неуютно, что лучше посильнее закутаться пледом и думать про то, как хорошо, что все дожди и штормы в данный момент там снаружи, а не здесь внутри.
Обильные оркестровки, сдвоенный вокальный мрак, синтетические перестуки драммашины и полифоничный саунд команды вкупе с их нестандартным композиторским мышлением напомнили мне ранние происки Блэкхайма в рамках его Diabolical Masquerade, а их чистоголосые вокальные эксперименты вызвали в памяти любимые мюзиклы и культовые мультики Тима Бёртона. И да, стоит отдельно сказать про то, как возвышенны и благородны мелодии команды, как далеки от вымученной ретроспективности их риффы и какой одухотворённой страстью дышат голоса всех без исключения певцов, а также про то, что такой “дарк-джаз”, не желающий плестись в хвосте ортодоксальных блэковых групп тридцатилетней давности, лично мне на самом деле очень импонирует.
Чистоголосых вокальных линий у Raventhorn ещё никогда не было так много. В некоторых местах, как например в “Watershed” из динамиков и вовсе повеяло каким-то арт-роком, а порой мне казалось, что я слышу безумный эксперимент в духе “Ночь в опере”, записанный в стиле Cradle Of Filth. Чем дальше развивается альбом и чем ближе мы к финалу, тем экспериментов становится больше, голоса-рассказчики выходят на авансцену увереннее, а нестандартные куски и собственные ноу-хау команды выглядят смелее и колоритнее. Диск действительно напоминает саундтрек к несуществующему триллеру, но это совсем не говорит в пользу его несамостоятельности и не умаляет его слушабельности.
В последнее время в подобном концептуальном ключе пытаются играть многие отечественные коллективы, и бывают дни, когда похожие релизы приходят ко мне в посылках чуть ли не пачками, но в плане качества и серьёзности никто из них даже близко не стоит с актуальной работой этих талантливых мультиинструменталистов. Даже на пластмассовый стрекот перкуссии особо не обращаешь внимания, поскольку она воспринимается как часть общего симфонического фасада и словно стесняется быть более железной, выпирающей и агрессивной, чтобы не сломать ненароком красоту и изящное многообразие затейливых аранжировок “воронов”. Сделали бы этот альбом лучше “живые” барабаны? Далеко не факт и далеко не обязательно, хотя возможно.
Британская чопорность и лёгкие намёки на мглистые кельтские фантазии изящно обвивают ткань повествования, не забывая про обязательные ссылки и полезные посылки в сторону Эдгара По, а сюжетная линия как и два года назад у Raventhorn извилиста, непредсказуема и напоминает хороший детектив с душещипательным зачином, изрядной долей мистики и непредсказуемыми поворотами повествования. Чувствуется, что авторам по-настоящему хочется втянуть слушателей в свою историю и заставить их не просто переживать и сопереживать героям, но реально заставить их жить в придуманном для альбома мире, для чего музыканты не жалеют хитростей и разных авторских уловок.
После того как страсти таинственных холмов отгорят и последний звук рецензируемого альбома затихнет в атмосфере, нас ждёт шикарный постскриптум в виде кавер-версии на SepticFlesh и их “Virtues Of The Beast”. И это очень неплохое послесловие, которое вдобавок ко всему даёт великолепную возможность сравнить актуальное творение москвичей с их великими и признанными греческими наставниками. Общего у двух команд не так чтобы очень уж много, но оно есть и относится главным образом к их способу взаимообогащения тяжёлого металла и оркестровых симфонических кусков. Жирно, драматично, убедительно – и SepticFlesh, и Raventhorn делают своё дело на совесть, а атмосфера их треков кажется почти живой.
Если вы до сих пор любите классические эпопеи Кинга Даймонда и по-прежнему с интересом присматриваетесь к группам, симпатизирующим кинематическим делам, то оркестровые фантазии “Shadows Of Lonehill” крайне желательно также не обойти своим вниманием, выкроив в своём плотном графике дождливый вечер с подходящей атмосферой, а в бюджете – бутылку хорошего красного вина. Я совсем не уверен, что хоть отчасти верно воспринял и понял сюжет, но для меня это и не было столь принципиально. Как часто концептуальные альбомы в наше время превращаются в дешёвые радиоспектакли с пафосной претензией на повествовательность, которые так трудно дослушать до конца или тем более слушать себе в удовольствие, но не таковы RT.
Ребята не пытаются выехать за счёт текста и положенной в основание пластинки истории, не филонят в плане чисто музыкальной составляющей, и их действительно просто приятно слушать, уносясь мыслями по ходу звучания “Shadows Of Lonehill” в какие-то далёкие и прекрасные дали. Скажу даже так: музыка на альбоме так хороша и настолько увлекательна, что по мере прослушивания новых треков этой команды почти невозможно не начать придумывать под эти вещи свои собственные истории, наделяя их своими собственными смыслами, как все мы делали когда-то в детстве, только-только открывая для себя мир тяжёлого металла и эпохальные коллективы-гиганты.
Рецензия на альбом группы Helloween "Walls Of Jericho"
Вряд ли найдется хоть один поклонник тяжелого металла, который не был бы знаком с этим выдающимся, абсолютно культовым творением. Как и тридцать пять лет назад, так и сегодня, "Walls Of Jericho" не вызывает ничего, кроме неподдельного восхищения. Многие команды, несущие в массы стиль power-metal и добившиеся признания, обязаны своим успехом именно этой пластинке. Но даже по истечении десятилетий данный альбом остается признанным эталоном качества.
В 1985 г., в период спада популярности NWOBHM и утверждения трэша, творчество молодого, но безумно талантливого квартета Helloween стало глотком свежего воздуха. Не так давно они произвели фурор своим одноименным дебютным миньоном, теперь же настало время для полноформатной работы, на которой ребята могли бы развернуться во всю мощь и которой было суждено совершить переворот в мире тяжелого металла, о чем в то время никто из них, конечно же, не подозревал.
Как и дебютный EP, "Walls Of Jericho" стал своеобразным мостом между классикой хеви-метал и новой, более скоростной и мелодичной его ипостасью. Композиции наделены настолько высоким энергетическим зарядом, что того и гляди, из динамиков полетят искры. Снова мы слышим пронзительный и надрывный вокал Кая Хансена, который, надо сказать, существенно улучшил свои партии в верхнем регистре, мощную атаку Инго Швихтенберга, рельефные басовые навороты Маркуса Гросскопфа и виртуозный гитарный тандем Хансен-Вайкат, доказавших, что у Iron Maiden появились более чем достойный соперники.
Дерзкий, неистовый и чертовски забористый спид-метал, но уже куда более зрелый, сложный и с претензией на эпичность. Превосходно сбалансированная смесь металлической агрессии и филигранной мелодичности, похвастаться которой может одна начинающая команда из тысячи. Профессиональная выдержанность все сильнее довлеет над юношеской пылкостью. Пластинка оказалась во многом определяющей не только для метал-сцены Германии, но и для самих Helloween в частности. Благодаря ей, мы становимся очевидцами формирования уникального почерка и традиций "тыквоголовых".
Так, например, альбом открывает одноименное помпезно-оркестровое интро, обыгрывающее уже знакомую нам тему "Happy, Happy Halloween" на манер английской народной песенки "London Bridge Is Falling Down". В этом можно усмотреть некий стеб: мол, в свое время мир пережил натиск Новой Волны Британского Тяжелого Металла, теперь же немцы постучались в ворота, да так, что древние стены рухнули. Новое поколение пришло на смену тертым воякам.
Это хорошо ощущается после атаки суперскоростного боевика ''Ride The Sky'', который на долгие годы стал визитной карточкой Helloween. “Наждачные” гитары, волевые вокальные линии, сумасшедшая и захватывающая гитарная дуэль, ломовые барабанные сбивки плюс клавишные на заднем плане – все это рисует картину по-настоящему безумного полета. Забористая "Reptile" вылеплена в более олдовом мидтемповом стиле, зато на примере эпичной и блестящей ''Guardians'' с ее изящной мелодикой и высокопарными хоровыми припевами можно буквально проследить зарождение чистокровного пауэр-металла из тисков сырого галопирующего хэви.
"Phantoms Of Death" представляет собой наследие "пристов" и "мэйдан" (вступительный рифф просто-таки прямая отсылка к одному из самых известных хитов Железной Девы), но может похвастаться куда более насыщенной и прогрессивной начинкой: железный натиск, помноженный на поразительное изобилие отточенных гитарных проигрышей чуть ли не в пяти актах. Неистовый ''Metal Invaders'' местами и вовсе забредает на территорию американских трэшеров в лице ранних Metallica, Anthrax и Overkill, мрачный опус ''Gorgar'' опять же удачно совмещает спид- и трэш-метал мотивы, сгущая тревожные краски суровой интерпретацией григовской ''В пещере горного короля''.
Псевдо-концертная (поблагодарим Михаэля Вайката и его компанию из трех человек, весьма удачно изобразивших толпу фанатов) ''Heavy Metal (Is The Law)'' показывает Helloween на пике своей мощи – сметающий все и вся боевик с высочайшим адреналиновым накалом, явно претендующий на стадионный размах. Заключительный номер ''How Many Tears'', несмотря на свою суровую спид/пауэр огранку, можно отнести к наиболее красивым и мудрым произведениям немцев на текущий момент, что в свою очередь говорит о непрерывном творческом росте.
Тексты снова посвящены как вполне социальным проблемам и извечным человеческим порокам, так и мифологическим и научно-фантастическим сюжетам, а также описывают благородные порывы свободного духа и единение металлического братства. Бескомпромиссная жесткость, неизменно изумительная техника и отточенная мелодичность с влиянием классической музыки, из-за чего в скором времени многие критики назовут Helloween "вагнеровским металлом", - все это гениально воплощено в виде сорокаминутного стремительного лонгплея в симпатичном и несколько юморном - а для этих ребят это обычное дело - оформлении Уве Каржевски, который приложил руку к созданию ныне забытого маскота группы, известного под прозвищем Fangface.
Если со своим дебютным EP Helloween буквально атаковали германское метал-сообщество, застав всех врасплох, то "Walls Of Jericho", несомненно, помог группе утвердиться, снискать уважение как у маститых коллег по цеху, так и среди наиболее продвинутых хедбенгеров и впоследствии вознести команду на новый, недосягаемый уровень популярности. И, оставаясь одним из лучших и, что немаловажно, единственным в своем роде, т.к. парни из Helloween не склонны к самоповторам (тем более, что повторить такое практически невозможно), этот альбом по праву принимает титул бессмертной классики мирового металла на все времена.
Рецензия на альбом группы Rocket Rider "Heartbeat: Reload"
Своё творческое кредо и музыкальный стиль этот молодой one-man-проект характеризует как “музыка ради музыки”, и, пожалуй, в этой ёмкой формулировке уже содержится основная масса ключей для понимания музыкальной концепции лидера и мастермайнда Rocket Rider Дениса Бухарева. Играй так, чтобы слушателю казалось, что его взяли в плен космические пришельцы, и он несётся на поражающем воображение звездолёте сквозь космическую черноту, тернии стратосферы и туманности далёких галактик к звёздам и высокоразвитым цивилизациям - как будто говорит сам себе Денис aka Moon Runner и действительно делает всё возможное для того, чтобы записать по-настоящему воздушные и невесомые треки с соответствующей атмосферой.
Впрочем, я уже немного ошибся и позволил себе небольшую неточность. Денис играет так, чтобы слушателю захотелось, чтобы его похитили пришельцы. Его безмерная увлечённость космической тематикой поистине не знает границ, и даже красочный арт авторства бессменного автора обложек журнала Stay Heavy Даеморфа, отвечающего также ещё где-то за полсотни профильных атмосферных релизов, меркнет перед глубинами иллюстративности, которые раскрывает перед своим потенциальными слушателями музыкант. Переходя от трека к треку на своём многострадальном дебютном творении, автор меняет тональности и настроение, но не изменяет качеству и sci-fi-образности, которые перманентно находятся на очень высоком уровне.
Хороший инструментальный хэви-метал без каких-либо заоблачных гитарных трюков и без поражающей воображение пальцевой эквилибристики звучит в его исполнении воздушно и мечтательно ровно настолько, насколько это уместно в данном жанре и с данной тематикой, а со своей задачей справляется действительно просто на “отлично”. Чёткие риффы в традициях Van Halen и красивые осмысленные мелодии не толпятся на дебютнике Rocket Rider, наступая друг другу на пятки, а грациозно и аккуратно ткут свою мечтательную звёздную паутину, вызывая в памяти страницы любимых и зачитанных до дыр бестселлеров Лема, Брэдбери, Шекли, Желязны, Гаррисона и, конечно же, Стругацких.
Достаточно ностальгические ритмы и такой же олдскульный с точки зрения канонов хэви-металла звук выглядят у Rocket Rider достаточно презентабельно и современно, но это всё равно ядрёный олдскул. А винтажного клавишного хард-рока на “Heartbeat: Reload” даже больше, чем традиционного хэви-металла или намёков на прогрессив. Такую светлую, радужную и буквально светящуюся изнутри позитивом атмосферу бывалые хард-рокеры издревле привыкли искать и находить на релизах Uriah Heep, UFO, Boston, Omega и тех же Van Halen, а некоторая наивность и явно поставленная во главу угла у исполнителя мечтательность в очередной раз намекают на бессмертную классику признанных гуру и первопроходцев научной фантастики, словно призывая взять с полки томик кого-нибудь из них, да и перечитать свои любимые сюжеты-диалоги.
Автор и единоличный участник проекта записал отличный настроенческий альбом, который не надоест не только спустя день или два, но и через неделю активной эксплуатации в недрах CD-приёмника. Конечно, это инструментальный релиз, и уже один этот факт вносит достаточно веские коррективы в определение потенциальной целевой аудитории рецензируемого диска, однако я всё равно очень горд за Дениса и с удовольствием поставлю его пластинку не только в один ряд с такими же инструментальными работами, вроде сольника Бориса Балыкова, но и с такими исполнителями вполне себе традиционного и песенного хард-н-хэви как Early Grey и Cortex Impulse. Отцу огромное спасибо, что очень часто от проблем меня Стругацкие спасали и Лем, а Денису респект за то, что напомнил про эти во всех смыслах фантастические времена!
Рецензия опубликована в журнале Rockcor N8 (2020). Заказать журнал:
https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz
Рецензия на альбом группы Анатомия Меланхолии "Потерянный рай"
Что такое меланхоличный метал? Наверняка, большинство из читающих эти строки привыкли слышать подобное определение применительно к творчеству финнов из Amorphis и в случае с дебютной работой столичной группы Анатомия Меланхолии это далеко не самая худшая параллель. Мрачный увесистый материал с угрожающим хриплым гроулом в духе ранних аморфисов, гипер-мелодичные гитары, задумчивые мелодии и атмосферные аранжировки – дебютный диск Анатомии Меланхолии вполне можно рассматривать как один из возможных вариантов развития культовых финнов и их характерного стиля в условиях современности.
Музыканты нашли и представили широкой общественности ещё один из способов примирить олдскул и современность, старый добрый дэтовый дум и новомодный, постоянно желающий самообновляться модерн-метал. Они нарулили себе очень приличный саунд, не стали филонить и сачковать в плане сведения и продакшна, и вот в день, когда во всём цивилизованном мире отмечается хэллоуин, мы все получили возможность прикоснуться к сборнику трепетных и берущих за душу историй, которые рассказали, спели и проиллюстрировали своей музыкой участники этого интересного квинтета.
На альбоме можно без труда найти отсылки к современным Paradise Lost, Mortus и к другим знаковым дэт-дум-патриархам вроде Cemetary, о чём свидетельствуют и характерные риффы москвичей, и их особые смысложизненные тексты, но если оценивать ситуацию с точки зрения вокальных линий и самого тембра голоса основного вокалиста коллектива Алексей Шипулина, то здесь напрашиваются аналогии и параллели к интеллектуальным отечественным группам вроде Чёрного Обелиска и Spaint. Тексты действительно не являются слабой стороной творчества команды, и их лирика явно находится на уровне, сильно выше среднего, а это уже что-то.
Кстати, о хэллоуине. Впервые Анатомия Меланхолии заявила о себе ровно год назад, как раз накануне хэллоуина. Тогда музыканты готовились к выступлению на “Осенних страхах”, что проходил 31 октября в Alibi Club, а их компаньонами в тот вечер были московские хэви-металлисты O.S.A.. Теперь, полностью пройдя годовой круг, и дождавшись очередного самайна, исполнители вновь готовятся выйти на сцену, но уже не просто так, а в качестве презентации своего полновесного и полнокровного альбома, который оказался запланировали к выходу как раз на 31 октября.
Сами участники группы настаивают на том, что играют просто мелодик-метал или “меланхолик-метал”, и такое самоопределение можно признать обоснованным, однако при использовании любого из этих терминов нужно твёрдо помнить, что корни совместных творческих экспериментов ребят абсолютно точно уходят в дэт-дум (от Mortus до Amorhis), а стремятся музыканты к тому, чтобы стрелять своими треками на поражение в духе таких современных гипермелодичных отечественных групп как Волшебники Изумрудного Города. От такого парадоксального жанрового смешения получается весьма причудливый коктейль, но в его действенности нет сомнений.
Когда Анатолий Крупнов захотел донести свою музыку до всех и каждого, он записал “Ещё Один День”, когда того же самого захотели Paradise Lost, они выпустили “Host”, а наши московские герои сразу же и безо всяких промедлений сконцентрировались на создании своего “Потерянного рая”. Такая простая, мелодичная и суровая музыка сразу же заходит на “ура”, риффы надёжно застревают в сознании, строчки запоминаются и наводят на серьёзные размышления о вечном и первостепенном, а по градусу хитовости я бы даже сравнил некоторые треки с рецензируемого альбома (“Зеркало”, например) даже с классикой Crematory.
А мне после прослушивания альбома тут же захотелось позвонить своей школьной математичке и с торжественным триумфом выпалить ей в трубку долгую и разгромную тираду про то, как она всё-таки ошибалась, когда год за годом вдалбливала мне в голову, что от перемены мест слагаемых сумма не изменяется. Не изменяется? Не тут-то было! У меня уже есть dvd Потерянного Рая “The Anatomy Of Melancholy”, и материал, который представлен на нём, не так уж и идентичен той музыке, которую сейчас принёс нам релиз, поменявший местами эти два наименования! И ведь москвичи действительно более поэтичны и напевны, более
“У каждого своя Голгофа, никто не хочет быть распят за клятву верности до гроба, но и не метит в ад” – поёт Алексей Шипулин в завершающей альбом “Путь”, и с этим действительно трудно не согласиться. Если у них “там” Joy Division, нам было просто не справиться здесь без такого родного, “нашего” и понятного Кино, когда у них там вовсю гремели Iron Maiden, у нас в соответствии со вселенским законом “свято место пусто не бывает”, появилась Ария, а теперь с опозданием в тридцать лет на отечественном музыкальном небосклоне вспыхнул и аналог Paradise Lost, которому очень хочется заслужить своё право на самобытность и самостоятельность, не провалившись при этом в ад плагиата.
Ничего удивительного или сверхъестественного, всё вполне в согласии с известными нам тенденциями и закономерностями, но обратить внимание на дебют этой команды всё равно желательно, даже если вы и не считаете себя самым прилежным поклонником авторов “Icon” и “Draconian Times”. Почему? Да хотя бы по той простой причине, что хорошей и мелодичной музыки с первоклассными текстами никогда не бывает много, а погрустить на своей собственной Голгофе за банкетным столом переговоров последствий своих поступков нужно время от времени каждому из нас. Высший балл за качество, глубину интерпретации, аутентичность и общую серьёзность.
Рецензия на сингл Стива и Anna Samoхa "Взлеетай"
Хэллоуин или как кельты называют его самайн - это время, когда грань между миром живых и мёртвых предельно истончается, и обитатели потусторонних миров подходят к нашим локациям настолько близко, насколько это только возможно. Вот и в этот раз, аккурат накануне 31 октября экстраординарная тюменская певица известная под своим творческим псевдонимом Anna Samoxa, ощутила острое желание устроить творческую коллаборацию со звукорежиссёром студии 114 Стивом, который, кстати, принимал участие в записи дебютного альбома Мистер Кто! и занимался аранжировками этого релиза. Сила вдохновения была настолько сильна, что буквально за несколько часов родилась идея трека, был написан текст, и появилась музыка, а затем и готовый конечный вариант композиции, которая действительно получилась очень хэллоуиновской и пугающей (“лютый трэш”, как охарактеризовал песню Стив).
И, наверное, самое удивительно, что это не вполне и не совсем рок. Гевал со Шмелями в электро-формате? Drummatix без речитатива? Fading Colours с новой версией своего самого страшного и пугающего “I’m scared of…”? А может безумный фит Peaches, Гвен Стефани, Killing Ophelia и Эдмунда Шклярского? Сказать однозначно сложно, но я хорошо помню, что даже сам великий мэтр Борис Борисович Гребенщиков в своё время не смог устоять перед очарованием подобных экспериментов и запустил c проектом Dead’ушки очень интересный и провокационный альбом, где электроника в духе The Prodigy запросто сочеталась с его характерной манерой и с проницательными осмысленными текстами. Даже самые трушные рокеры и металлисты иногда элементарно устают от железной основательности любимого жанра и начинают мечтать о тотальной пластичности электронного саунда, растворяясь в его безграничных возможностях.
Думаю, далеко не случайно, что “Взлеетай” стал результатом такого творческого наития и ревущего, всё сносящего на своём пути вдохновения, которое в обыденной жизни мы привыкли именовать словом “страсть” – такие вещи действительно, как правило, рождаются в ходе больших и сильных эмоциональных всплесков, когда рацио и доводы рассудка отходят на второй план, а душа парит на крыльях креативности. И да, в случае с рецензируемым треком всё, словно по писанному, развивалось как раз по такому сценарию. Насколько я знаю, работа ещё не вполне окончена, и в данный момент авторы трудятся над видеоклипом в поддержку “Взлеетай”, который выпорхнет из тесных студийных казематов революционным фениксом уже совсем скоро – 7 ноября. Есть информация, что для создания данного ролика будет задействован профессиональный оператор, и вообще видео должно получиться зрелищным и стильным.
И кстати об идее трека, о которой я уже немного упомянул выше. По замыслу авторов, текст отражает беседу двух богов, но не тёмного и светлого, как у манихеев и зороастрийцев, а двух тёмных и не очень-то благоволящих к людям сущностей. Один хочет купить людей и владеть ими, получив их души в полное и безвозвратное пользование, а богиня нестерпимо желает кушать и хочет их просто сожрать. За нюансами такой беседы в сопровождении достаточно непредсказуемого и действительно далеко не самого характерного для Анны или её продюсера Мистера Кто музыкального сопровождения следить одно удовольствие, а низкие и атмосферные голоса Анны со Стивом отлично справляются со своими функциями и на самом деле очень убедительно и красочно рисуют в воображении гипотетических слушателей тёмных и не самых безупречных с морально-нравственной точки зрения небожителей.
Бессменный главред журнала РокКор Алексей Николаевич Болдов говорит, что рок – это всё, что не попса, и в этом смысле “Взлетай” это очень даже рок и очень даже не попса. Мне очень импонирует та свобода, с которой авторы и исполнители данного трека обращаются с разными и порой диаметрально противоположными жанрами, как используют и по-своему переосмысливают эпатажную дерзость Гвен Стефани, атмосферную медитативность Dido и умение “не лезть за словом в карман”, благодаря которой стали так известны и востребованы Гребенщиков и Drummatix. По атмосфере и по подаче это отличный подарок к хэллоуину и действительно весьма удачный саундтрек для такого тёмного праздника страшилок. Даже если это всего лишь “прикол” и просто попытка сделать что-то необычное, эксперимент удался. Такая мелодичная хоррор-электроника с вязкими болотными проблесками трип-хопа нам нужна!
Рецензия опубликована в журнале Rockcor N8 (2020). Заказать журнал:
https://www.rockcor.ru/index.php?do=feedback#zakaz
Рецензия на сингл группы Лаймрок "Холи"
В последнее время почти каждый уже что-нибудь слышал про Холи, также известный как Пхагвах или Бходжпури, - ежегодный популярный индуистский фестиваль весны. Его история восходит к религиозным обрядам, приносящим хороший урожай, и насчитывает более пяти тысячелетий. Из-за своей красочности праздник также известен как “Фестиваль красок”. Холи – поистине уникальное публичное событие для Индии, на время стирающее возрастные, национальные, социальные и религиозные грани. В праздновании принимают самое непосредственное участие люди всех возрастов, независимо от касты. Иными словами, в течение двух дней все люди равны и одинаково радуются возможности на несколько часов окунуться в сказочную атмосферу праздника.
И да, в ходе всех этих наших сегодняшних коронавирусных реалий о том ярком и светлом празднике, когда ни о каких масках и социальных дистанциях попросту не задумываешься, а всё и вся с головой растворяется в радости, восторге и фонтанирующем восхищении, можно, конечно, только мечтать. В связи с этим становится понятно, почему группа Лаймрок решила посвятить свой новейший сингл именно празднику весны и пробуждения и выбрала для этого не Восьмое марта, а именно Холи. “Мы решили добавить немного ярких красок в эту осень” – говорят сами музыканты, и их желание на каком-то подсознательном уровне наверняка войдёт в резонанс с тем, чего хочется и о чём мечтается в эти осенние октябрьско-ноябрьские деньки каждому из нас – хочется проснуться, сбросить с себя оковы запретов и просто почувствовать себя живым.
Не знаю, каким вам видится и представляется праздник Холи в стиле лаймрок (или Холи-рок с точки зрения лаймов?), но у этих музыкантов получился очень меланхоличный и осенний номер с явными балладными интонациями и довольно флегматичным ритмом. Здесь много свежести и радости, много задора и света, но ещё больше просто света и просто миролюбивого и расслабленного самоощущения. “Холи” в их интерпретации – это определённо праздник и релакс, но не холерический марафон в стиле энерджайзер, а лучистая феерия гармонии с собой и с миром, когда “и жизнь хороша, и жить хорошо”. Авторы смешивают безбашенный порыв индийского Холи с осенней негой российской осени и на выходе у них получается занимательная палитра с жёлтыми, оранжевыми, солнечными, задумчивыми и чарующими звуками.
И не шутка ли, что такая вещь вышла аккурат накануне самайна или как многим привычнее и приятнее, хэллоуина? Такое столкновение противоречий, весенних красок Индии и хмурой пожухлой листвы средней полосы с ядовитыми оскалами светящихся в сумраке тыкв действует как мощный взрыв изнутри. Спокойный, светлый и расслабляющий, но взрыв. Мирный манифест внутреннего состояния, когда душа хочет праздника, и праздник приходит и случается вопреки всему и не смотря ни на что. Конечно, шумных карнавальных процессий и празднеств вроде тех, что так многоцветно и заманчиво куролесят на видео, иллюстрирующих типичный Холи в Индии, вряд ли можно дождаться, просто нажав на “play” напротив новейшего трека Лаймрока, но раскрасить свой день более жизнеутверждающими красками или внести праздничное разнообразие в свою традиционную прогулку по ноябрьскому парку вполне и вполне получится.
